Dreamworks no se encuentra en su mejor momento. Si en la década del 2000 se consagró como una empresa líder en ser la enemiga directa de Pixar en lo que a animación 3D se refiere y también una de las marcas que logró convertirse en una de las competencias directas de Walt Disney, la marca madre de los dibujos animados, no es menos cierto que de unos años a esta parte se está labrando un camino trastabillado a base de tropiezos (y bastante gordos) donde no hay un título destacable o reseñable más allá de alguna excepción. “Kung Fu Panda” (Mark Osborne, John Stevenson, 2008) fue un ejemplo de cómo aunar originalidad para el leitmotiv del “sé tú mismo” con el género de las artes marciales más elementales junto con leyendas, filosofía y mitología zen. Lógicamente bajo un tamiz adecuado para los más infantes pero sin perder ni un ápice la frescura que tanto la animación como la acción necesitaban. Ayudados siempre por un doblaje, tanto original como patrio, al servicio de la historia y concibiendo una original, necesaria y entretenida pieza que acababa por convertirse en un estandarte digno de encomio. Hay que añadir que tanto el diseño de personajes como la paleta de colores jugaban un todo a favor. Pero lo más importante de todo es que conseguían uno de los más pintorescos, alegres y divertidos roles de toda la factoría Dreamworks: el panda Po junto con su vitalista y desenfadada forma de entender la vida.

Tal fue el éxito que era no sería lógico dejar escapar la oportunidad. 3 años después vería la luz la consabida secuela. Esta vez la dirección corría a cargo de Jennifer Yuh. El tono era completamente distinto, se ahondaba un poco más en la historia de Po, se le confería una propuesta mucho más solemne, madura y se recurría al género wuxia como forma y fondo logrando una vuelta de tuerca no sólo aceptable sino distinta y mejor aún: profunda pero sin perder la idiosincrasia particular del propio producto en sí. Cierto es que aquello chocó al público precisamente por ser diferente. Sólo el tiempo ha demostrado que ese cambio era el correcto y acertado. Quizás la solemnidad con la cual estuvo enfocada la historia descolocó a propios y extraños al alejarse de lo establecido. Pero tristemente la suerte no siempre acompaña en el camino una vez se llega a cierto punto y para esta tercera entrega (y la que en un principio cierra el círculo) acaba por anclarse en repetir la fórmula y abusar de un humor básico, blando, pesado y excesivo sin olvidar que lo que aquí se nos cuenta no aporta nada nuevo a la historia de Po ni al producto en cuestión pues todo resulta repetitivo, formularia y sin apenas novedad.

Para esta tercera parte la dirección se reparte a medias entre Jennifer Yuh y Alessandro Carloni para ejecutar una entrega que cuenta con una facturación impecable en lo visual donde se exponen paisajes, escenarios, fantasía y aventura de una forma que sin llegar a ser diferente a lo ya visto en las dos entregas anteriores logran conseguir que en forma (no así en fondo) resulte acertada y agradecida. Escenas de acción muy bien coreografiadas aunque se abuse en cierta medida de ser lo único que ofrezca salvación para los personajes y para el guión sin reparar en que, quizás, tanto protagonistas como villanos merecían algo más de profundidad y matices más allá de repartir mandobles. A estas alturas de la saga se ha decidido darle un envoltorio paterno filial al aparecer en escena el padre desaparecido de Po y convertir tanto a éste como al padre adoptivo en uno de los elementos en discordia llegando incluso a reconvertir el tema en una especie de sitcom un tanto forzado. Pero dejando a un lado este apunte las intenciones son claras y esas son, al igual que suele suceder en las películas de entrenamientos, batallas y demás, convertir al discípulo en el maestro y mentor de cuantos le rodean, demostrar que dentro del personaje atolondrado, juerguista, bromista, vividor y alejado de responsabilidad se esconde la voz de la sabiduría y sapiencia legendaria, el maestro que nadie creía podía llegar a ser.

“Kung Fu Panda 3” centra el objetivo en intentar conseguir que sea Po el maestro, demostrar que dentro de él se esconde el mentor que conseguirá infundir sus conocimientos a todos cuanto le escuchen aunando además las dotes de líder frente a un villano mucho más fiero y maligno que cuanto habíamos conocido. Y aquí es donde radica uno de los errores que más daño le hace a la tercera parte de la trilogía. Las razones del malvado en funciones son flojas o simplemente no se sustentan por ningún lado por mucho que se le quiera dar un empaque o unos argumentos de cierta lógica. Claro, para que el círculo se cierre como es debido se recurre a tirar de momentos del pasado tanto de la primera como de la segunda entrega para que todo forme una especie de entramado casi de serial pero está claro que a poco que se analice no se aguanta por ningún lado. Hay que sumar que el diseño del personaje no ayuda ni aporta nada nuevo. Todo lo que pueda ofrecer ya lo hemos visto en la primera parte. Aquí lo único que queda es repetir lo mismo una y otra vez siguiendo la línea de puntos. Es cierto que las peleas y los enfrentamientos cuerpo a cuerpo, aunados por unos esbirros atractivos visualmente, funcionan en cierta medida pero no hay sensación de novedad, de sorpresa, de innovación o de avance. Se trata simplemente de repetir y repetir sin apenas renovar la fórmula.

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Para los que nacimos en la década de los 80 hay una productora que resume a la perfección lo que era el cine infantil y juvenil: Amblin Entertainment. Esa empresa, fundada por el rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg, deparó toda una colección de películas que dejó huella en generaciones enteras. Era un cine hecho con ilusión, con ganas y ante todo con las nociones necesarias para convertir cada título en todo un referente. Sus constantes era aunar las aventuras de un grupo de jóvenes al amparo de una fantasía que a día de hoy jamás ha podido lograrse, mucho menos igualarse. Para todos aquellos que pudieron, además, vivir la década de los 90 recordarán la saga de libros “Pesadillas”, de R.L. Stine. El que fuera considerado el Stephen King para adolescentes realizó una serie de libros donde exponía una infinidad de historias para críos con el terror soft y el suspense elaborado como base y una colección de monstruos que hacían las delicias de todo aquel que deseara pasar una noche de miedo al amparo de lectura ligera, adictiva y fascinante. Antes de que Harry Potter se convirtiera en el icono de lectura ya existían las obras de Stine.

Tal fue la fama adquirida que en poco tiempo se decidió hacer la serie de televisión, uno de los clásicos de la pequeña pantalla donde cada episodio servía como trampolín para que cada pesadilla tuviese su acto de presencia, su pequeño granito de gloria y donde cada monstruo tenía su espacio. Brujas, fantasmas, hombres lobo, muñecos de ventrílocuo, yetis, momias y toda una amalgama de sobrenaturales criaturas pululaban a sus anchas con el único fin de aterrorizar a cuantos más chavales mejor y conseguir convertirse, por derecho propio, en una pieza de culto en sí mismo. Tal fue el éxito que se tuvo a bien plantearse trasladar todo el universo de Stine a la gran pantalla pero aquí es donde vino la diatriba: película por libro o un todo en uno. Difícil decisión y la cosa acabó en el fatídico cajón del olvido. El tiempo ha pasado, los intereses cinéfilos también y ante todo los gustos de la juventud actual pues los que eran chavales ahora son adultos y los críos no están por descubrir cosas del pasado.

20 años después, se dice rápido, la difícil tarea de resucitar del olvido a la obra literaria ha caído en manos de Rob Letterman. Su filmografía no es muy extensa que digamos y no tiene en su haber nada que lo haga destacable. Apenas dos títulos bajo el sello Dreamworks y “Los viajes de Gulliver”, una versión moderna del clásico de la literatura interpretada por Jack Black. Cuando se tiene que desempolvar un trabajo que perteneció a generaciones pasadas y cuyos integrantes ya no son aquellos jóvenes que devoraban los libros mientras que sus progenies poco o nada saben de ello la labor de captación es cuanto menos ardua. “Pesadillas”, la película del 2015, basada en la serie televisiva se presenta al mundo entero como una obra respetuosa y ante todo con la única intención de narrar una historia sin pretensión o ansias de grandeza. Acompañada, eso sí, de toda la fantasía implícita y cargada de cuantos más efectos especiales mejor para que pueda estar a la altura de las expectativas de un público cada vez menos complaciente.

Algo que no se le puede negar a la película de Letterman es que está hecha a la antigua usanza. Sólo los que tuvimos la suerte de poder disfrutar del cine de la década de los 80 y 90 sabemos a qué me refiero con esa frase. La película respira. No se da prisa. Tan sólo los primeros minutos se nota que no necesita una escena de inicio que impacte. Sigue unos parámetros que parecían extintos. Un coche viaja a un pequeño pueblecito americano, uno de esos donde parece que nunca sucede nada. Tan sólo vemos un vehículo que viaja a un lugar determinado. En el interior van una madre que intenta empezar una nueva vida y un hijo adolescente con sus problemas de adaptación. La ausencia de un padre es tan sólo un trasfondo argumental. Se podrían citar unos cuantos títulos que encajan a la perfección con este comienzo o estas constantes. En las décadas anteriores fueron la base para formar una narrativa calma, pensada única y exclusivamente para crear la ambientación necesaria que diera paso a lo que conforma fantasía, aventuras, comedia, suspense, terror y acción. Lógicamente, hacer una película por título sería de una ambición desmedida, algo que a día de hoy sería completamente imposible. No hay tanto presupuesto ni tanto interés por algo como “Pesadillas”, más allá de un culto merecido pero no tan potente como para mantenerse firme a día de hoy. De ahí se desprende la idea que mejor rendirle un homenaje como se merece convirtiendo toda la colección en un único producto a mostrar.

En este caso el creador de los libros originales, R.L. Stine no es un eco sino un personaje más. Por así decirlo es el que narra las desventuras, acciones y actuaciones de los monstruos implícitos. Pero está hecho de una forma sutil y muy adecuada. Porque seamos francos, siempre tiene que haber un detonante o un pistoletazo para que la fantasía tenga comienzo. Aquí más sencilla no puede ser. El vecino de nuestro protagonista no es otro que el aclamado escritor y en su casa guarda bajo llave (literalmente) las obras que encierran cada uno de los títulos que da forma a “Pesadillas”. Stine es interpretado por Jack Black. Se nota que el propio actor aparca su vis histriónica alocada para enfundarse en un rol mucho más parco en tics y muecas y dejando la comedia bufa en su mínima expresión. Aquí representa a un escritor que intenta por todos los medios dejar encerradas bajo candado a sus criaturas, sus monstruos, sus auténticas pesadillas. Se intenta incluso darle una alegoría mucho más profunda a la razón de que los seres sobrenaturales encerrados en las hojas de sus libros son armas de ataque como represalia por un bulling recibido en la infancia, un modo como cualquier otro de volcar el odio y la rabia.

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Cuando se habla del mundo de las secuelas siempre hay una frase que acaba saliendo a la palestra se quiera o no: segundas partes nunca fueron buenas. Así, a bocajarro. Sin reparar en que no siempre se tiene razón con afirmaciones tan rotundas como esa. Porque en esa atrevida y arriesgada situación hay una lista de casos que podrían considerarse como excepciones o dignos a tener en cuenta. “Aliens, el regreso” es un ejemplo de cómo hacer bien el trabajo. La 20th Century Fox vio un filón en el xenomorfo por antonomasia que había provocado auténtico pavor en toda una generación y sin prisa (pero sin pausa) decidió poner la maquinaria al servicio de una continuación pues aquel extraterrestre encerraba una mina de oro que debía (y merecía) ser explotado, cinematográficamente hablando.

Así que 7 años después del exitazo (merecido) de “Alien, el 8º pasajero” la productora trajo una secuela bajo la mano de otro director, James Cameron. La razón era lógica. Su Terminator se había convertido en una pieza de culto y clave en el género. A pesar de ser un producto menor y con más inventiva que medios no se puede negar que el director sabía cómo dirigir un producto de acción y su cine tenía los fueros necesarios para ser tenido en cuenta. Aún así había ciertas reticencias pues no se sabía si el director escogido daría la talla por mucho éxito que hubiese alcanzado con su cyborg. Lógicamente las maneras y la estética del cine de Ridley Scott son completamente opuestas a las de James Cameron. Aún así, tanto el uno como el otro, siempre han jugado con la estética y un formato característico convirtiéndose en sellos de identidad muy particular. Con el tiempo pudimos comprobar que la elección fue la adecuada.

Así como la primera parte jugaba con el suspense malsano y el terror más primigenio esta continuación es completamente distinta siendo el cine de acción puro y duro el que predomina por encima de todo. Una acción con la testosterona por bandera y una exaltación de lo militar, de la hombría, del músculo por encima del intelecto. Ya no se trataba de seres individuales sino un grupo uniforme, un conjunto de personajes liderados por la ordenanza y el alto mando. Tan sólo hay que ver la presentación de personajes para comprender que estamos ante una declaración de intenciones en toda regla. Pero no sólo había cambios en la exposición de los personajes sino que había una amplitud mucho más característica en cuanto al alien en sí, algo que marcaría la diferencia con la primera parte.

De la mano del siempre excelente Stan Winston, el alienígena en cuestión pasaba a ser toda una colonia. De esta forma la sensación de peligro era mucho mayor y la posibilidad de escape se reducía. Hay que añadir que en el apartado de los efectos especiales había una evolución enorme aunada, además, por una autonomía física mucho mayor contando con un diseño más definido, más dinámico y más ágil. Aparte de que en esta entrega se guardaban un as en la manga mucho más espectacular como es la presencia y descubrimiento de la reina alien convirtiéndose en el mayor acierto de toda la película. La historia volvía al mismo lugar de origen pero esta vez ahondaba un poco más en los detalles del ciclo vital del enemigo y descubriendo de donde proceden esos huevos convertidos ya en iconos del séptimo arte, las intenciones del extraterrestre y cómo se desenvuelve la colonia en cuanto al modus operandi de ataque y protección. Lo mejor de todo es que todo lo que se nos presenta es verosímil a la par que fascinante pues Cameron decide poner toda la carne en el asador a la hora de mostrarlo todo.

Su cine no engaña a nadie. Nunca ha sido un director sugerente, su cine jamás ha sido subjetivo. Las medias tintas no van con él. Precisamente su cinematografía está cargada de la acción y violencia más primigenia posible y eso se nota. Tan sólo hay que ver que los protagonistas son soldados armados y sus intenciones son erradicar a todo ser viviente en vez de proteger a los humanos que allí habitan. Pero no sólo de lo visual se nutre esta entrega. La forma en cómo nos narra la película Cameron es formidable pues consigue mantener el pulso narrativo en todo momento siendo, quizás, un poco más pausada de lo que cabía esperar en su primera parte, donde Cameron deja respirar el ritmo y nos presenta a los personajes y sus intenciones. Siempre con una pasión ferviente por la militancia yankee, contando con sus incondicionales actores como Bill Paxton (un tanto histriónico), Michael Biehn o Jenette Goldstein.

Una vez entramos en acción, nunca mejor dicho, la película es pura dinamita. Con un ritmo endiablado y manteniendo el suspense y la tensión escénica Cameron mantiene la idea de convertir el juego del gato y el ratón en un ejercicio de supervivencia extremo. La sensación de peligro es constante y muy conseguida aparte de convertir los decorados en puros laberintos mortales. Lógicamente estamos en la mitad de la década de los 80 y el cine de acción estaba en su plena efervescencia, un toque mucho más sangriento, mucho más expositivo, con el objetivo centrado en el ritmo y las armas como elemento de atracción, aunado todo por un deseo de demostrar las pericias técnicas con las que Hollywood innovaba en aquellos tiempos. Efectos especiales artesanales que plasmaban unas ganas locas de conseguir lo más difícil todavía. Si por algo destaca esta segunda parte de la saga es que había que aplicar la teoría de “cuanto más mejor”. Y así queda patente en todo su duración. El exceso no se convierte en un enemigo sino en un auténtico atractivo. Cierto es que la sutileza de la versión de Scott no tiene cabida aquí pero la esencia del producto se mantenía fresco e intacto.

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[...] Indiana Jones, el arqueólogo cuyas aventuras se convirtieron en estandarte y emblema de un estilo, fue la personificación del aguerrido héroe que no teme a nada ni nadie y a pesar de que, en contadas ocasiones, la fantasía empírica del propio género ofrecía cabriolas imposibles y situaciones que en más de una ocasión daban pie a dudas razonables [...]. Alejándose de misticismos y reliquias religiosas la idea era avanzar en la línea del tiempo unos cuantos años pero lo justo y suficiente como para poder mantener la esencia y el tono de aventura clásica. Si hay algo que define y configura al personaje de Indiana Jones es que siempre debe destilar y ofrecer ese sabor añejo, alejado y ajeno a la acción adrenalítica de planos cortos y montaje contemporáneo. Decidieron que lo suyo era ambientarla en plena década de los 50, con la Guerra Fría como telón de fondo, los rusos serían los enemigos, los extraterrestres como elemento fantástico y las míticas calaveras de cristal como el clásico mcguffin [...]..

Tristemente, “Indiana Jones y la calavera de cristal”, llega tarde. Demasiado. Todo lo que contiene no se puede negar que pertenecer al universo del Dr. Jones pero se antoja extraño, confuso, como si no llegáramos a reconocer los tics y maneras del personaje por los que tiempo atrás fue venerado y referenciado. Todo cuanto contemplamos resulta demasiado difuso, no tiene identidad propia y cuando la tiene, si acaso lo consigue, se convierte en un émulo o incluso en una copia, no barata pero sí manida, casi entumecida [...].

[...] Nos encontramos en la América de los años 50. Jóvenes guapos y rebeldes corren por carreteras extensísimas como si la vida fuese a durar un segundo. Mientras tanto aparecerá un convoy de camiones repleto de militares dirigiéndose hacia la meca de la ciencia ficción pulp: El Área 51. Lo que parecía una expedición se torna en un secuestro en toda regla y lo que eran soldados americanos no son más que los villanos de la función: los rusos. Lógicamente los nazis no tendrían razón de ser pero por la pose, indumentaria y forma de actuar estos nuevos enemigos se les asemejan tanto en forma como en resultado. Un coche para y del maletero salen dos personas secuestradas. Gracias a una sombra y un sombrero descubrimos que uno de ellos no es ni más ni menos que el famoso arqueólogo, Indiana Jones [...]. Irina Spalko, la villana de la función e interpretada por una entregada Cate Blanchett quien se esfuerza todo lo posible por resultar letal, eficaz y pérfida [...]. El problema radica que a pesar de ser una villana en ciernes funcional y dentro de los parámetros exigidos para conseguir ser creíble no hay una interacción completa entre Jones y Spalko. Puede llegar a superar en cierto grado a algún personaje de la trilogía original en comparativa (cítese A Donovan de la tercera parte) pero Blanchett, a pesar de hacer todo lo posible por resultar convincente dentro de su dialéctica y villanía, de sus dotes con la espada y su determinación hacia Stalin, no acaba de ser un personaje perfecto o redondo como uno podría esperar dentro de los villanos de la saga.

Podría decirse que este comienzo empalmaría perfectamente con el final de “En busca del Arca Perdida” pues descubrimos que aquel almacén de pasillos interminables donde se ocultaban los secretos mejor guardados del mundo no era ni más ni menos que el Área 51 [...]. También hay que añadir que toda ella, por derecho propio, se convierte en, quizás, una de las pocas escenas que ofrece una cinematografía que recuerda a las dotes innatas de Spielberg para el género, para sorprender y para demostrar que a estas alturas no necesita crecerse para seguir demostrando que en el arte de la narrativa es un auténtico maestro. Una vez se abren las puertas del hangar el misticismo del propio lugar recobra un aroma especial, como si de un sabor añejo, nostálgico y agradable se tratase [...]. El instante en el que Harrison Ford se mete de lleno en la acción frenética a la cual el personaje de Indiana Jones está acostumbrado llegamos al punto de no retorno, ese que nos deja clara una situación que por mucho que intentemos evitarlo y por mucho que cerremos los ojos a la evidencia es innegable. La edad avanzada del actor hace mella (y no para bien) en el personaje que lo consagró. Uno desea con vehemencia querer seguir viendo en faena al héroe del látigo, al arqueólogo aguerrido que lucha, tropieza y golpea (y viceversa) pero así como los personajes ficticios nunca mueren, nunca flaquean ni pierden las fuerzas los actores que los interpretan no pueden evitar perder la batalla contra el tiempo y la edad. La vejez es un grado pero no el que el personaje necesita [...].

[...] También se da presentación a uno de los personajes más antipáticos y poco acertados no sólo de la entrega sino de toda la saga: Mutt Williams. Se trata de chico inconformista, ataviado con chupa de cuero, montado en una moto y que intenta ser un guiño nada oculto de la rebeldía de los teenagers de la época a través de figuras representativas como Marlon Brando en “Salvaje” o James Dean en “Rebelde sin causa”. La pena es que más allá de ser un estereotipo y un intento de ser el nuevo sucesor del héroe resulta ser un personaje irritante e interpretado por un desdibujado Shia Labeouf demasiado ensimismado y siendo una muestra más del error de casting para esta cuarta parte [...]. A partir del momento en el que Jones y su joven acompañante abandonan territorio yanqui y se adentran en la parte más exótica y milenaria de la cultura maya el tono cambia por completo. La Ciudad Perdida de Akator, las líneas de Nazca, Francisco de Orellana, el Dorado y todo lo que representa el folklore de América del Sur intenta establecerse como el tablero de un juego donde los integrantes avanzan a través de pistas, aventuras, peleas y persecuciones [...].

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Haciendo un esfuerzo de memoria (cinematográfica), cuando Hollywood pone el ojo en un tema suelen salir películas alrededor de él con distintos actores, distintas tramas y distintas intenciones. Títulos acertados (y no tanto) que en muchas ocasiones acaban convirtiéndose en carne del olvido más merecido precisamente por la simple razón de competir a ver quien supera a quien pero a poco que uno las analice se da cuenta que acaban siendo casi fotocopias las unas de las otras. Pero hubo un tiempo, sobre todo en los 90, que la osadía y el duelo iban de dos en dos. Es decir, sobre una misma cosa solían sacar dos filmes que se convertían en lucha directa por ver quién recaudaba más, centrando la atención en el caudal de efectos y explosiones y dejando a un lado, por desgracia, la trama o guión, que es a fin de cuentas lo que hace que una película tenga calidad o no. Lógicamente quien lograba estrenar primero jugaba con ventaja. 1998 fue el año de los meteoritos y la batalla estaba entre la aburrida (y perfectamente olvidable) “Deep impact” y la adrenalínica (pero igual de vacía) “Armageddon”.

Michael Bay siempre ha sido un director de constantes fijas. Desde que se presentó al mundo con “Dos policías rebeldes”, a mitades de la década de los noventa, su cine se ha basado siempre en un formato muy característico que sin fallarse a sí mismo se ha convertido en una seña de identidad y en un adjetivo para el propio cine. A medida que ha ido estrenando películas, Bay no ha fallado en ningún momento a su idiosincrasia particular donde una explosión resume lo que otros preferirían utilizar diálogo. En esta ocasión, amparándose en una referencia bíblica, sigue manteniéndose en sus 13 para dar rienda suelta a todo tipo de pirotecnias y cabriolas ya no sólo en la tierra sino fuera de ella (años después vendrían los Transformers de Hasbro para darse cuenta que aunque se pueda estancar en lo visual su ambición no tiene límites). La película que aquí se nos presenta siempre ha sido pasto del cine blockbuster con la única intención de servir al espectador una dosis ingente de efectos especiales realmente espectaculares, una trama emotiva (y bastante sentimentaloide) y siempre al servicio del sello distintivo “Made in America” que tanto le gusta enarbolar al director mientras que con una mano agita la bandera con la otra detona toda la artillería pesada.

Puede decirse que “Armageddon” fue un antes y un después para el propio Bay. Tan sólo hay que seguir un poco la filmografía del director para darse cuenta que el germen de lo que ha deparado su cine se encuentra encerrado en este meteorito mastodóntico. Esa espectacularidad por destruir todo a su paso, esa sobredimensión de la épica del héroe anónimo y esas ganas de hacer volar todo por los aires a ritmo de explosiones machaconas, todo eso que define al hombre que ansía detonar un efecto dominó en todos y cada uno de sus planos partió de aquí. La constante cámara lenta hipertrofiada que sirve para convertir a sus películas en la más grande epopeya del cine contemporáneo, donde el presupuesto de cada nueva propuesta está acorde con todo el circo que ofrece iba perfilándose como una de las constantes de sus odiseas. En este caso subrayándolo todo con una solemnidad muy marcada para colocar a la humanidad en una posición de desamparo absoluto ante una amenaza mayor. Un cine que intentaba ser mucho más emocional que racional pues de esta forma, si uno analizaba fríamente el guión podría pasar por alto cualquier error o desperfecto pues todo cuanto contemplamos está al servicio de salvar al planeta y a sus habitantes. Pero como suele decir el dicho: por mucho que la mona se vista de seda mona se queda. Por mucho que se le quiera dar cierta sofisticación y dramatismo romántico no deja de ser un filme vacío de contenido y cargado de un exceso que poco arreglo tiene.

Muchos dicen que este tipo de cine es mejor verlo con el piloto del todo vale, analizarlo críticamente es hacerle daño. Pero me cuesta admitir esa teoría como válida. Una película debe tener validez por sí misma, no necesita que yo sea permisivo para poder disfrutarla. Y es que darle el visto bueno simplemente porque es un espectáculo visual apasionante es hacerle un flaco favor porque todo, hasta lo más moderno acaba teniendo fecha de caducidad. Aún así, también hace falta reseñar que se ha quedado desfasada. Estamos ante una historia trillada, aburrida, pasada de vueltas (y no me refiero a los distintos momentos donde se puede ver los resultados de los impactos de meteoritos en distintos lugares de la tierra). Es por la sencilla razón de que a pesar de intentar ser una especie de drama de facturación cara todo está al servicio del porqué sí aunado además de una colección de personajes que poco ayudan y todos están al servicio del postureo rural que tanto le gusta emplear a Bay en sus películas para dar cabida a lo que él considera un héroe que disfruta siéndolo porque sirve a su país y ante todo lo hace porque debe hacerlo.

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