There is only one sun es un producto publicitario para la marca Philips con el fin de promocionar el televisor Philips Aurea. Como anuncio es una pequeña gran obra, al igual que puede ser el Lady Blue Shanghai de David Lynch.

There is only one sun esta cargado de simbolismo. Si el sol es la Luz pura y mirarlo es cegador, debido a pantallas futuristas podemos ver esa luz con protección. Las pantallas futuristas serían los televisores Aurea a través de los cuales sentiremos las diferentes emociones de la vida.

Lejana es mi intención de promocionar cualquier producto. Sólo quiero valorar esta obra de Wong Kar Wai, por su idea clara, su estética referida a su film 2046, su uso del montaje y sus reminiscencias a las chicas Godard, Amélie Daure como Anna Karina al igual que en Chungking Express la espléndida Faye Wong como Jean Seberg.

Mikklós Jancsó tiene un gran dominio de la técnica cinematográfica. Su contribución al cine destaca por la narración en largos planos-secuencia, asemejándose a Andrei Tarkovsky.

La función de ese movimiento de la cámara es dar veracidad a la historia, te sientes como un combatiente más de esa guerra, siguiendo el movimiento de los soldados, alejando la mirada de los fusilamientos, algunos en fuera de campo y sorprendidos de repente por un ataque sorpresa del ejército enemigo.

Los planos-secuencia tienen otra función en el cine de Jancsó, aparte del realismo, es el simbolismo. Sus movimientos de cámara revelan una estructura circular, a veces están en el poder los rojos y otras veces los blancos. Jancsó muestra que la diferencia de ideales de los dos bandos difieren poco cuando consiguen el poder. Las decisiones morales de los jefes en el poder o superhombres del momento dan muestras de arbitrariedad y violencia para frenar el poder del otro bando.

Este nuevo cine húngaro experimenta con la imagen cinematográfica para poder hablar del papel poco reconocido a los húngaros en la URSS o del fracaso del régimen comunista en crear un régimen mejor para los ciudadanos, ya que queriendo eliminar los abusos del Antiguo Régimen los nuevos dirigentes cometen los mismos abusos a los oprimidos.

En estas últimas décadas la nueva ola asiática nos ha traído un nuevo lenguaje cinematográfico, un lenguaje críptico cuyos máximos exponentes son Kim-ki-duk en Corea del sur y Takeshi Kitano en Japón.
Este cine se basa en perder el realismo o la credibilidad de ciertas situaciones para crear un lenguaje simbólico que nos permita entender a los personajes. Lo que importa es el significado de la escena. Estos directores han desarrollado unos recursos valiosos muy importantes. Kitano emplea el montaje mezclando imágenes del pasado con el presente, son recuerdos que marcan el devenir del personaje.
Por último el final de hana-bi me parece digno de entrar en la historia del cine, por mezclar en el mismo plano, representaciones del pasado, del presente y del futuro, y por la decisión que toma el personaje.

A pesar de la asociación, por cierto del todo normal, de Tod Browning con el cine de terror y los “monstruos” o por usar una palabra más adecuada que popularizó el propio Browning “freaks”, las películas del director de “The unholy three” son auténticos melodramas que escudriñan el significado del amor.

Historias de amor novedosas aún a día de hoy, porque indaga en los sentimientos del no deseado y las diferentes variantes que puede tomar al respecto. No sólo, porque también lo ofrece, es el amor entre una pareja de jóvenes que se quieren y necesitan vencer las adversidades para estar juntos, sino que es el amor del que tiene todas las de perder.

“The unholy three” es la primera gran obra de Tod Browning tras el aprendizaje conseguido en sus anteriores films. El uso de personajes de los bajos fondos como estafadores y carteristas se pone más interesante en esta película por utilizar personajes circenses: Lon Chaney como Echo el ventrílocuo, Victor McLaglen como Hércules y Harry Earles como Tweedledee, un enano de muy malas pulgas. A esto hay que sumar una mejora de Browning en el uso de la narración y en el ritmo del thriller. Por ejemplo el uso del periódico para explicar una elipsis anterior o las escenas de la cabaña en el bosque realizadas con mayor habilidad que las mostradas en la cabaña de “White tiger”, su anterior película.

Película a reivindicar dentro de la historia del cine por innovar en el género de terror, destacando su habilidad para las situaciones ingeniosas y bizarras; además de piedra angular en la filmografía de Tod Browning respecto al tratamiento de las emociones y sentimientos de los freaks.

Hausu compite por ser unas de las películas más bizarras de la historia del cine. Una película controvertida que no deja indiferente a nadie tanto para bien como para mal. A pesar de que la premisa es muy sencilla, un grupo de chicas adolescentes que visitan una casa que resulta estar encantada, la libertad con la que Nobuhiko Obayashi rueda esta historia es apabullante. Todo tipo de recursos cinematográficos y plásticos: escenarios o fondos artificiales, planos detalle en círculo, aumento de la velocidad de fotogramas por segundo para escenas cómicas, efectos especiales imaginativos pero de bajo presupuesto, flashbacks rodados como las películas mudas, etc.

Todo esto sirve para deconstruir un género muy típico en Japón, el “kwaidan eiga” (cuentos de fantasmas), como si se tratara de una spoof movie moderna tipo Scary Movie, pero con una belleza plástica e innovación mayor. Ya que Hausu aprovecha el movimiento postmoderno que cuestiona el lenguaje del cine rompiendo las leyes que establecían “una realidad convencional” admitida por los espectadores y los artistas. Debido a esto y añadiéndole una dosis de alucinación psicodélica, Hausu puede resultar irritante, sin asideros en normas lingüísticas o con efectos demasiado artesanales que disgustaran a los amantes de un cine realista y lógico.

Los elementos que convierten a Hausu en un film de culto son: en primer lugar el gato Snowflake, autentico icono del film; escenas de kung fu, pianos hambrientos, esqueletos bailarines, escenas horteras y acarameladas unidas a escenas cómicas y de terror.

Cuidado con Hausu, si ya de por sí la cultura japonesa nos produce en muchas ocasiones extrañeza y encima el director se esfuerza en hacer un film raro. El resultado tiene que ser una película de culto con disparidad de opiniones.