Como un fan enérgico de “Seinfeld” (la mejor sitcom de todos los tiempos) y de su protagonista, estaba muy emocionado por la idea de tener nuevo material del comediante que hoy tiene 65 años y realmente no los parece.

Hacía más de dos décadas que Jerry no hacía un especial de comedia, sin contar las breves apariciones en varios shows de televisión a lo largo de los años. Luego, en 2017, tuvimos “Jerry Before Seinfeld”, que es probablemente lo más cercano a una bio-pic de Jerry Seinfeld que un verdadero especial de comedia.

Su serie de Netflix “Comedians in Cars Getting Coffe” nunca me copó demasiado, pero acá el formato era volver a lo que él sabe hacer mejor. El tipo podría estar literalmente en cualquier lugar del mundo y eligió estar arriba del escenario (de hecho, se ríe de eso). Y durante una buena parte de su monólogo me reí lo suficiente.

El tema es que “Jerry Seinfeld: 23 Hours to Kill” funciona sólo en partes. En materia de humor, no le llega ni a los talones a lo que fue su especial de 1998 (“I’m Telling You for the Last Time”) que era un “greatest hits” lleno de observaciones tan graciosas como sociológicas.

Acá la audiencia parece estar pasando la mejor hora de su vida, y supongo que yo estaría igual de estar ahí. Pero mirando en casa sentí una importante desconexión (y ni siquiera creo que sea culpa de Seinfeld). El show abre con un chiste sobre cómo apesta tener que salir de casa y hoy la situación mundial es absolutamente diferente. Es un desafortunado chiste muy “enero 2020”.

De nuevo: varios chistes me sacaron una buena carcajada. Pero se me hace que Seinfeld se ha quedado sin cosas interesantes para decir. Su emblemático “humor observacional” ya no es tan filoso como cuando tenía 40, quizás porque el mundo se transformó y él no tanto.

Así y todo, Jerry en el escenario se mueve como pez en el agua. Camina recorriendo el espacio, reflexiona sobre la vida (teléfonos, casamientos, vejez y todo lo demás) y es tan divertido desde el lenguaje físico como siempre lo fue. Eso sí, no entiendo el título del especial y creo que no tiene ningún tipo de sentido.

==> CONCLUSIÓN: A sus 65 años, Jerry Seinfeld demuestra que podría hacer un monólogo de stand-up mientras duerme. Es realmente natural. Su habilidad y tacto para la comedia siguen vigentes, pese a que el material no resulta ser de su repertorio más entretenido. <==

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“The Gentlemen” es un excelente retorno del Guy Ritchie que nos voló la peluca en aquel momento con “Lock and Stock” (1998) y “Snatch” (2000). “Aladdin” había sido un proyecto fallido en el que tuvo las manos atadas por el malvado Raton Mickey y “King Arthur” en 2017 (también con Charlie Hunnam) recuerdo que no me había convencido para nada.

Nadie hubiera creído que el realizador británico acabaría realizando encargos de mercenario para Hollywood después de “Rocknrolla” (2008), que si bien era un título menor, fue críticamente alabada. En ese sentido, lo mejor de la película es sentir que el director tuvo manos libres para ser juguetón con el género que conoce mejor. Welcome home, Ritchie. Welcome home.

Acá demuestra que sigue sin un as con la pluma. Además, regresa al humor políticamente incorrecto y la narrativa hiperkinética que lo volvieron famoso. “The Gentlemen” es uno de esos thrillers frenéticos a lo “Lucky Number Slevin” (2006) o, más especialmente, “The Usual Suspects” (1995) donde los giros llegan rápido y de forma constante.

Creo que no llega a la genialidad de “Snatch” –que nos tomó a todos por soprpresa porque era única en su tipo– pero sí presenta una mirada madura al mundo gánster en relación a los diálogos y personajes, incorporando su buena dosis de comedia, cerdos, gánster xenófobos, violencia, drogas y mucho té inglés.

Se siente bien volver a tener a este artista sin los filtros de Disney, quien no tiene problemas en utilizar todos los estereotipos del submundo criminal para abordar el relato con el mayor dinamismo posible. En más de una ocasión me reí a carcajadas con las cosas desubicadas (y a veces sin sentido lógico) que ocurren durante el transcurso de la historia.

Entre el impresionante elenco que logró formarse, Hugh Grant es un gran destacado que se roba cada segundo en pantalla. Además de estar irreconocible y ser el más gracioso de todos, es quien agrega un condimento metatextual al relato. McConaughey (en un rol clásico luego de la nefasta “Serenity”), Charlie Hunnam y el siempre correcto Colin Farrell están todos muy correctos.

==> CONCLUSIÓN: Si los thrillers criminales ingleses son lo tuyo, sentate a disfrutar por dos horas de esta obra que nunca se toma demasiado en serio. Una buena y muy entretenida adición al género. <==

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“The Doom that Came to Gotham” busca responder a la pregunta de qué pasaría si H.P. Lovecraft hubiera escrito un relato del Caballero Oscuro. Se suma a los varios títulos Elseworlds del Universo Animado de DC que sitúan a Batman en otra época distinta.

En el pasado ya hemos tenido algunas obras excepcionales (como “Batman Ninja”, de 2018, que lo ubica en el Japón Feudal) o “Gotham by Gaslight” (2018), que enfrenta a nuestro antipático superhéroe contra Jack, el Destripador.

Para los seguidores de Lovecraft (como este humilde servidor), esta película es una aventura muy fiel al tipo de literatura que concebía el autor, incluidos los monstruos indescriptibles, el horror cósmico y un enfoque en la fantasía sobrenatural.

El conflicto inicia con Bruce Wayne (interpretado por David Giuntoli, quien retoma el papel de “Batman: Soul of the Dragon”) y su heterogénea tripulación investigando la fallida expedición antártica de Oswald Cobblepot. Lo que encuentran allí son criaturas mutadas que luego serán transportadas a Gotham City.

La película –al igual que el cómic en el que se basa– está diseñada para fans que no necesitan presentaciones. Hay un enorme elenco de personajes que van apareciendo como viejos conocidos y uno puede apreciar la forma en que han sido alterados para adaptarse a este escenario modificado.

Los más puristas dirán que el personaje realmente no se siente como Batman. Y es que acá no tenemos un relato detectivesco o de acción, sino un argumento basado en mitología y leyendas antiguas que generalmente no se aplica tanto al Caballero Oscuro.

La animación en sí es bastante buena. Hay varias peleas agradables a lo largo de los 86 minutos que dura "Batman: The Doom That Came to Gotham". Las imágenes también son inquietantes en los momentos más tranquilos, como un horror sobrenatural que acecha bajo el hielo o una versión bastante horripilante y trágica de Two-Face.

Los recientes títulos del DC animado han tenido resultados mixtos. Mientras que “Batman: The Long Halloween” (2021) o “Battle of Super-Sons” (2022) fueron satisfactorias, otras producciones como “Legion of Super- Heroes” (2023) o “Injustice” (2021) resultaron ser tan frustrantes como descartables.

“Batman: The Doom That Came to Gotham” quizás no sea súper memorable, pero al menos toma algunos riesgos y le da un atractivo giro lovecraftiano a un Batman que ya ha tenido mil adaptaciones. La película ofrece cierto terror inquietante, escenas de acción bien hechas y giros entretenidos para mantener la atención.

==>> CONCLUSIÓN: Si alguna vez leyeron algo de H.P. Lovecraft, “The Doom That Came to Gotham” se va a sentir íntimamente familiar. Este relato nos pone frente a un Batman casi en el punto de no retorno en lo que respecta a su cordura. <<==

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Uno de los mejores ejemplos recientes de “no juzgues a un libro por su tapa”. Si te dejás llevar por la premisa, el tráiler o incluso los primeros quince minutos de filmación, esta producción japonesa parece ser un desechable ejercicio realizado por cineastas amateurs. Pero en realidad es fackin brillante.

La escuché recomendada en un podcast de cine y me llamó la atención. Quien la sugería explicaba que era una carta de amor al cine, si bien esto sólo se vuelve evidente al llegar al clímax del relato. La vimos una tarde de domingo con mi hermano Tomás (que tiene formación real de cine… no como yo) y ambos quedamos gratamente sorprendidos.

Es difícil hablar de “One Cut of the Dead” sin spoilers su trama, que es de lo más ingenioso que vi en los últimos años. Sólo voy a decir que inicia con una fantástica toma ininterrumpida de 30 minutos que, de por sí, llama la atención.

La película tiene tres actos muy marcados, una duración de 90 minutos y un desenlace que es tan emotivo como magistral. El final, de hecho, es de esos que te replantean todo lo que venías viendo hasta el momento, como lo hizo aquella clásica “Sexto Sentido” o, más recientemente, “Parasite”.

La obra tuvo un presupuesto de solo $25,000 y metió unos $ 31.2 millones en la taquilla mundial, rompiendo récords de la relación más alta de presupuesto a rendimiento bruto. En la taquilla japonesa, por ejemplo, se convirtió en la séptima película nacional más vista en 2018.

La historia inicia con la filmación de una berreta película de zombis en una fábrica abandonada. Su director está completamente desquiciado y recuerda a Stanley Kubrick en algunos obvios guiños a “El Resplandor”. Cuando las cosas se salen de control, el argumento nos lleva a lugares insospechados.

“One Cut of the Dead” está pensada para los amantes del cine dentro del cine, aunque también la va a disfrutar al público más casual porque es verdaderamente divertida. El homenaje que se presenta al trabajo detrás de cámara es súper interesante. Nunca el desafío de conseguir un plano correcto fue tan visual como acá.

En el cine siempre hay esperanza. El subgénero zombie parece estar herido de muerte (pun intended) pero cada tanto aparecen obras que lo resignifican. La coreana “Train to Busan” (2016) o la australiana “Little Monsters” (2019) son dos claros referentes. Y ahora puedo agregar “One Cut of the Dead” a esa lista.

==> CONCLUSIÓN: Una fascinante obra de metacine que, además, se las ingenia para tener mucho corazón y humor. Una producción tremendamente imaginativa que no puedo dejar de recomendar. <==

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“The Father” es una producción extraordinaria con una de las interpretaciones más intensas de Anthony Hopkins hasta la fecha. Un actor que, convengamos, ya puede actuar hasta mientras duerme. Es otro de los nominados a los premios de la Academia.

No sólo él, todo el reparto de esta adaptación teatral está fantástico, incluyendo a la siempre genial Olivia Colman, pero también con cautivadoras interpretaciones de Imogen Poots y Rufus Sewell (el villano que amé odiar en “The Man in the High Castle”).

El dramaturgo francés Florian Zeller escribió la reconocida obra original luego de perder a su abuela por la demencia. “The Father” hecha luz sobre esta enfermedad en primer plano, si bien también expone varios otros temas que tienen mucha tela para cortar.

Por ejemplo, entendemos no sólo a la víctima de la enfermedad, sino también a las personas que tienen que sacrificar su propio tiempo y bienestar para cuidar del otro. En esencia, cualquier persona que hay experimentado el tener a una persona enferma en su casa se va a sentir muy identificado. Yo soy uno de ellos.

El aspecto más fascinante es que todo está contado desde el punto de vista del protagonista, un Anthony Hopkins que pierde constantemente registro de tiempo y espacio. Esto le incorpora un aire de ambigüedad y –me animo a agregar– de surrealismo a la narración. Uno realmente puede meterse en su cabeza y experimentar los dilemas y sensaciones de forma única.

¿Se acuerdan de “Memento”, donde el personaje de Guy Pearce no podía recordar más de un par de minutos de su vida? Aquella película fundía forma y contenido brindándonos un relato desordenado y que, además, iba desde atrás hacia adelante.

Con “The Father” ocurre algo así, donde vemos algunos loops temporales muy locos, cambios de personajes y situaciones extrañas que nos hacen sentir, a flor de piel, lo que está experimentando Anthony.

Por cierto, estos tintes de surrealismo recuerdan bastante al cine francés y fueron un soplo de aire fresco para un relato que, de haber sido contado de forma más tradicional, habría sido uno más del montón. Esas historias que buscan el Oscar exponiendo alguna enfermedad.

Si la vieron y les gustó el look and feel de la película, no se pierdan la filmografía de Quentin Dupieux (“Rubber”, “Wrong”, “Reality”, etc). A mí “The Father” me hizo acordar bastante a este director.

Vale aclarar que “The Father” bien podría ser una de las películas más tristes que vi en mi vida. Pega duro y pega fuerte, no sólo por una actuación desgarradora y poderosa por parte de Hopkins, sino porque el relato es tan íntimo como sincero.

Si puedo hacerle un comentario, visualmente no es demasiado atractiva. En general, por su condición misma, es muy difícil lograr que una obra concebida para el teatro se vea bien en otro medio completamente distinto como es el cine.

Acá la puesta en escena, montaje y fotografía son un poco chatos, los diálogos tampoco son tan naturales como uno querría. En otras palabras, se siente como ver teatro en tu pantalla chica. No es que esté mal, pero sí creo que podría haber habido un apartado técnico más inspirado.

Por lo demás, “The Father” es intachable y funciona con la precisión de un reloj (elemento que, de hecho, es uno de los leit motivs del argumento). Logra conmover al público sin ser manipuladora o caer en esos lugares comunes que buscan el llanto fácil. No le hace falta.

==> CONCLUSIÓN: A no engañarse: “The Father” es un truco de magia. Tiene un gran elemento efectista que aprovecha la fuerza de la sugestión y la edición confusa para manipular nuestros sentidos. Y, como todo buen truco, funciona, sorprende y hasta perturba un poco. Entren por Sir Anthony Hopkins y quédense por todo lo demás. <==