Film realizado por Orson Wlles, es su ópera prima. Escrito por Herman Mankiewicz y Welles, se inspira libremente en datos biográficos de William Randolph Hearts. Se rueda, en B/N, entre el 30-VII-40 y el 23-X-40, durante 3 meses, en exteriores y escenarios naturales de California (San Diego, Pasadena, Malibú, LA, etc.) y NY (Long Island, NYC) y en los RKO Studios (Hollywood, CA), con un presupuesto de medio millón de dólares. Nominado a 9 Oscar, gana uno (guión original). Producido por Welles, se estrena el 1-V-1941 (NYC).

La acción tiene lugar en Colorado, NY, Florida, Chicago y otras localidades, entre 1880 y 1941. El protagonista Charles Foster Kane (Welles) se relaciona, sobre todo, con su apoderado general, Sr. Bernstein (Sloane), primera esposa, Emily (Warrick), segunda esposa, Susan (Comingore), amigo de la infancia Jedediah Leland (Cotten), la madre Mary (Moorehead). El periodista que realiza la investigación es Jerry Thompson (Alland).

El film combina los géneros de drama, misterio y periodismo. Desarrolla una buena historia, interesante y sugestiva. Aporta una novedosa profundidad de campo, que permite enfocar al mismo tiempo el primer plano, los planos medios y el fondo. De este modo se amplía el campo visual, el punto de atención se desplaza del centro óptico al lugar donde se produce el movimiento, introduce efectos ópticos sorprendentes y hace posible que se vean los techos de los escenarios. Hace uso, además, de una nueva concepción de la estructura narrativa, apoyada en una sucesión de "flashbacks", a los que añade brillantes elipsis. Utiliza los elementos de estilo como medio para explicar la acción (luz que titubea en el teatro, símbolo de la inseguridad de Susan). La narración es compleja, densa y de gran brillantez.

La investigación sobre el significado de"rosebud" sirve para poner de manifiesto que nada puede ser explicado, porque es imposible alcanzar la verdad. Son escenas memorables, entre otras, el desafiante aplauso de Kane en solitario, el plano general sobre los objetos embalados para ser subastados, la cámara que asciende desde Susan a dos tramoyistas con gesto de desaprobación, plano superior del mitín electoral de Kane. Welles deja constancia de su preocupación por la vejez y la muerte.

La música, de Bernard Herrmann, ofrece 40 cortes descriptivos: de misterio ("Prelude"), temor ("Rain"), lúgubres y tétricos ("Letany"), alegres e íntimos ("Theme and Variations"), etc. Añade las marchas fúnebres de Chopin y Mendelsohnn, un fragmento de "El barbero de Sevilla" (Rossini) y canciones populares como "A Hot Time in the Old Town" y otras. La fotografía, de Gregg Toland, presenta imágenes muy contrastadas, reflejos en espejos, movimientos de cámara espectaculares (desde cartel de Susan la cámara asciende, sobrevuela el tejado, baja y funde), planos picados, contrapicados y de detalle (boca de Kane), encuadres generales grandiosos (hall de Xanadú) y sugerencias explicativas. Las interpretaciones son muy buenas.

Primera entrega de la “trilogía samurai”, de Jean-Pierre Melville (1917-73) y uno de sus mejores trabajos. El guión, de J. P. Melville y Georges Pellegrin, se inspira en la novela “The Ronin”, de Joan McLeod. Se rueda en escenarios reales de París y en los Studios Jenner (París). Producido por Eugene Lépicier para Filmel (París) y Frida Cinematográfica (Roma), se estrena el 25-X-1967 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en París, a lo largo de un día y medio (desde el sábado 4 de abril a las 18 horas hasta el domingo 5 de abril a las 22/23 horas, de 1967. Jeff Costelo (Alain Delon), asesino a sueldo, recibe el encargo de matar al propietario de un club de noche (“Martey’s”). Retenido por la policía junto con otros muchos sospechosos, y posteriormente puesto en libertad gracias al testimonio de Valérie (Rosier) y de Jeanne Lagrange (Natalie Delon), es perseguido a la vez por el superintendente de la policía (Périer) con todos sus hombres y por los hampones que le encargaron el último trabajo. Costelo, de unos 30 años, frío, imperturbable, implacable, de pocas palabras, serio, hierático y orgulloso, no refleja a través del rostro ninguna emoción. Valérie, mulata, es la teclista de la orquesta del club de noche Martey’s y vive en una lujosa mansión. Jeanne practica la prostitución de lujo, es la amante de Jeff y nunca hará nada que pueda perjudicarlo.

El film suma thriller, crimen y drama. Está considerado como una de las mejores obras de cine negro (polar) francés. La historia se narra con minuciosidad, atención al detalle, meticulosidad y sin elipsis. Este hecho se hace particularmente patente en la larga escena de la persecución de Jeff en el metro de París, tantas veces imitada en películas posteriores.

La estilización del relato, su desnudez y esencialidad, le dan un aire abstracto, intemporal y categórico, que eleva su nivel de consideración e interés. El personaje principal, construido con riqueza de matices y bien definido, vive en una situación de extrema soledad, acepta su destino con serenidad y dignidad casi religiosas, hace su trabajo con pretensiones de perfección y se sitúa ante la eventualidad de su muerte con una serenidad insólita y un enorme autocontrol psíquico y emocional. Encarna el sentido del honor y de la dignidad, a la manera del samurai japonés. Al mismo tiempo encarna al superhombre de Nietzsche. No hay lugar en su espíritu para los sentimientos humanos. Su figura austera, silenciosa, distante, rigurosa y trágica, ha servido de modelo a numerosas réplicas e imitaciones posteriores.

(sigue en el “spoiler” sin desvelar partes del argumento)

Segundo largometraje de Sergei M: Eisenstein. El guión de Eisenstein, sobre argumento propio y de Nina Agadjanova-Shutko, mezcla ficción y realidad. Se rueda en exteriores de Odesa y alrededores y en estudio. Producido por Jacob Bliokh para Goskino, se estrena el 21-XII-1925 (Moscú).

La acción tiene lugar en Odesa a lo largo de una semana, en junio de 1905. A causa del trato inhumano y de una comida con parásitos, los marinos del Potemkin, que regresa de la guerra con Japón, se amotinan y se ganan la simpatía de la población de Odesa, que les envía víveres.

El film es una película muda clásica que suma los géneros de drama, historia y guerra. Mientras termina el montaje de "La huelga" (1924), Eisenstein, de 27 años, recibe el encargo oficial de rodar 8 episodios de las revueltas de 1905. El proyecto inicial se concreta en el rodaje de una de las obras más destacadas del cine.

Como las tragedias clásicas, se divide en 5 actos. Prescinde de los dramas individuales y centra la atención en los personajes colectivos: marinos, habitantes de Odesa, mandos zaristas, flota rusa, soldados cosacos. Su objetivo es exaltar los ideales de la Revolución de Octubre (1917). El trabajo del realizador acusa la influencia del teatro, la ópera y la pintura constructivista.

Eisenstein aporta al film una concepción innovadora del montaje, que confiere a la narración una gran fuerza y que influye decisivamente en el cine posterior. El film contiene 1.209 planos, una cifra muy superior a la habitual en 1925. Su juxtaposición crea secuencias que aceleran el ritmo (planos por tiempo) en los momentos culminantes; mantiene ritmos constantes y obsesivos para crear sentimientos de temor (cosacos en escalinata); ofrece ritmos cambiantes para sugerir caos y desorden (civiles en escalinata); suma varias narraciones en paralelo para ofrecer visiones del cuadro completo, etc. El montaje es una forma de estilo y, a la vez, un medio de trasmisión de ideas, sentimientos y actitudes.

Aprovecha el encuadre para orientar la expresividad de las imágenes (zaristas sin cabeza en cuadro, sombras inquietantes de cosacos...). Presenta juegos visuales (3 leones de piedra vistos sucesivamente parecen levantarse) y composiciones imaginarias (visión de marinos ahorcados en las vergas del mástil). Mezcla actores profesionales y no profesionales y rueda en exteriores. La obra ha sido fuente de numerosas citas visuales cinéfilas: "Los intocables", "Bonnie y Clyde", "Bananas", "Brazil", "El padrino", "Star Wars", "Titanic", etc.

La música, de Edmund Meisel, compuesta en 12 días, incluye reiteraciones, que en la sonorización de 1950 se obvían con fragmentos de Shostakovich y Krioukov, a cargo de una orquesta de cámara. La fotografía, de Eduard Tissé, está impregnada de sentido documentalista. Crea composiciones de magnífico dibujo, sin vacíos. Ofrece primeros planos que trasmiten emociones. Usa algunas maquetas. Film de gran fuerza, imprescindible.

Poco después del inicio del rodaje, el director Bretaigne Windust tuvo que ser sustituido por Raoul Walsh a causa de enfermedad. Basado en el caso real "Murder Inc.", el guión es escrito por Martin Rackin ("Tambores lejanos", 1951). Se rueda en estudio con un presupuesto de serie B. Producido por Milton Sperling, es uno de los 4 films rodados por la productora Santana Pictures, de Humphrey Bogart. Se proyecta en público por primera vez el 25-I-1951 (NYC).

La película construye un relato de cine negro que ofrece a Walsh la oportunidad de exhibir sus habilidades en el género, acreditadas por medio de realizaciones tan notables como "Los violentos años veinte" (1939), "La pasión ciega" (1940), "El último refugio" (1941) y "Al rojo vivo" (1949). Walsh impone al relato un ritmo intenso, que fundamenta en una narración ágil y rápida, y en el desarrollo de una acción trepidante, portadora del sello propio del realizador. Además envuelve la acción en una atmósfera de fuerte tensión, mediante el uso de recursos tales como la carrera contra reloj y la amenaza de un enemigo sanguinario, cruel, poderoso y sin conciencia. Imprime a la obra un tono convincente de tragedia (existencia de peligros graves, inmediatos y terribles para la comunidad), que otorgan trascendencia y grandeza al film. El relato adopta el punto de vista de la policía, dejando de lado el de los criminales, como corresponde a una pieza de cine negro de los años 50. Se incluyen escenas e imágenes destacadas, como la secuencia de vértigo, el rastreo del pantano, la llegada del testigo protegido (Rico) a la sede de la policía, etc. Otros 2 films llevan el mismo título original: "The Enforcer" (1976), de James Fargo y Robert Daley, protagonizado por Clint Eastwood, y "Jet Li's The Enforcer" (1995). La cinta de Fargo y Daley en español lleva por título "Harry el ejecutor".

La música, de David Buttolph ("Misión de audaces", 1953), aporta una emotiva banda sonora de jazz que conmueve y tensa el ánimo del espectador. La fotografía, de Robert Burks ("Vértigo", 1958), en B/N, sitúa la acción en ambientes oscuros, opresivos y en ocasiones claustrofóbicos. En escenas de exterior proyecta sombras expresionistas. La narración hace uso del "flashback" y del "flashback" dentro del "flashback". La caracterización y la interpretación de Humphrey Bogart son espléndidas. Bogart trabajó a las órdenes de Walsh en otras tres ocasiones.

Film clásico de cine negro americano, poco conocido, dirigido e interpretado con singular maestría.

Tercer largo de Mankiewicz, basado en la novela homónima (1945) de R.A. Dick, pseudónimo de Josephine Aimée Leslie. Se rodó en Carmel-by-the-Sea y Palos Verdes (California) y en estudio. Fue nominada al Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro. Se estrenó el 26-VII-1947. El productor fue Fred Kolhman.

La acción tiene lugar en los primeros años del s XX, en Londres y en el chalé "La gaviota", situado frente al mar en el término de Whitecliff, en la costa sur de Inglaterra. Narra la historia de una viuda joven, Lucy Muir (Gene Tierney), madre de una niña de unos 5 años, Anna (Natalie Wood), que decide dejar la casa de la suegra en Londres para ir a vivir en un lugar próximo al mar. Elige una vivienda aislada, acristalada y luminosa, en la que vive el fantasma de su antiguo propietario, el capitán Daniel Gregg (Rex Harrison).

La película muestra cómo una relación entre un hombre y una mujer puede evolucionar desde el enfrantamiento a la amistad y al amor. En ello tiene un papel determinante la fortaleza y la habilidad de Lucy para dominar a un fantasma iracundo. La exploración de los arcanos del amor humano es objeto de tratamiento en obras posteriores del autor. Lucy debe elegir entre el amor físico y tangible de Miles y el amor intangible y espiritual de Daniel. En el primero encontrará satisfacción carnal y en el segundo, un amor lleno de pasión emocional y plenitud espiritual. No se aclara si Daniel es un producto de la mente de Lucy y Anna, alimentada por el entorno, o es una realidad sobrenaural auténtica. La película combina varios géneros: comienza como una pieza de horror, continúa como una comedia romántica ligera y termina como un relato fantástico. Son destacables las escenas del baño en la playa, el primer encuentro visual de Lucy y Daniel y la despedida de la suegra y la cuñada.

La música, de Bernard Herrman ("Vértigo") se integra de tal modo en la narración que pasa a formar parte de ella. La partitura es de aire intensamente romántico. Evoca misterio, intriga, turbulencias, calma y amor. La fotografía, de Charles Lang, luce un excelente dibujo, marcado por la combinación de luces, sombras, reflejos, brillos y contraluces. La cámara se mueve con agilidad para encontrar los detalles a destacar. Las vistas panorámicas amplias son fuente de imágenes de gran hermosura. Resalta la belleza serena y limpia de la protagonista. El guión explora las relaciones amorosas con brillantez. Puntea el metraje con humor, que humaniza al fantasma y hace grato el relato. La interpretación de Gene Tierney es, posiblemente, la mejor de su carrera. Harrison y Sanders ofrecen intervenciones magníficas. Se agradece la presencia de Natalie Wood, de 8 años, como Anna niña. La dirección construye una obra sorprendente, que sumerge al espectador en un mundo cautivador de amor y fantasía.

Película de magnífica fotografía, excelente música y grandes interpretaciones. Pletórica de fantasía y fino humor, cuenta una singular historia de amor.