Zaya Hayes se cambia del documental a la ficción y debuta con Shane Atkinson como guionista. Su propuesta pretende ser una de esas películas que los americanos llaman feel-good movies por su tono positivo y su intento de generar buenos sentimientos.

Hay una parte encomiable y, afortunadamente, frecuente de hablar de esa primera fase de la tercera edad (a la que ahora se llega en un buen estado) como de una etapa para crecer y, todavía, apostar por cosas nuevas y sueños no alcanzados.

Ese aspecto motivacional domina el film, junto a la idea de compadreo femenino. Sin embargo, el encuadre comercial y el esquema simple y ligero impiden que tengamos personajes realmente interesantes y una visión algo más trascendente de esa fase de la vida.

Estamos ante lo que estamos: unos minutos de entretenimiento, para muchos ciertamente banal, pero aceptable para quien, ese día, no busque mucho ante la pantalla.

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Paul Weitz presenta este film basado en la novela de Ann Patchett que intenta tratar varios temas a la vez entre las cuatro paredes de una mansión.

El relato se inicia enfocado en la música y, en concreto, en la cantante de ópera, pero el argumento pronto quedará interrumpido por el segundo gran tópico: un conflicto diplomático. Sin embargo, cuando empieza a parecer que la política es el asunto central de la cinta, se introduce una historia de amor sobre la que recae gran parte de la atención.

Esta pretensión de relacionar contenido tan diverso desemboca en una consideración un tanto superficial de grandes cuestiones y un final urgido que procura cerrar sin éxito todas las materias. Por un lado, el forzado romance es muy apresurado e intranscendente, debido al marco en el que se desarrolla. Por otro, a causa de que el foco va cambiando a lo largo de la narración y no se centra en el régimen, las negociaciones políticas se ven interceptadas por el acelerado desenlace. De esta manera, el largometraje no ahonda en el dilema de los guerrilleros ni en su denuncia a la dictadura.

De todas maneras, el excelente reparto junto con la puesta en escena y la música logran, en algunos momentos, pasar por encima de la trama. Julianne Moore es impecablemente convincente como artista lírica y el elenco multicultural del que está rodeada hace un gran trabajo interpretativo. Asimismo, se puede apreciar la evolución de algunos personajes a lo largo del secuestro y, todo ello, coronado por una soberbia banda sonora.

La grandeza de la película reside, de alguna manera, en las escenas pequeñas, como las clases de inglés, las breves actuaciones de la soprano retenida o las conversaciones entre rehenes y secuestradores. Es ahí donde se aprecia la belleza de los detalles y se capta el cambio en los personajes.

Un contundente trabajo técnico se superpone a la caótica temática, que mantendrá en tensión a la audiencia hasta el final. Además, Bel canto: la última función realza el poder de la música incluso en circunstancias dificultosas.

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El alemán Marc Rothemund se pone al frente de este largometraje extraído de la novela de Daniel Meyer y Lars Amend, la pareja real a la que dan vida los actores Philip Schwarz y Elyas M’Barek.

Basada en un suceso reciente, la trama se asemeja a muchas otras que últimamente se han hecho un hueco tanto en el mundo del cine como en el de la televisión. No es una idea original el relato acerca de la adolescencia vivida desde el punto de vista de un enfermo terminal. Sin embargo, eso no es un impedimento para un trabajo bien hecho que evite un guión flojo o frivolizar la situación y convertirla en un romance superficial, como suele suceder.

Quizá la ventaja de la película reside en los personajes y la relación que se plantea entre ellos. Lenny, con 30 años, no ha hecho más que dejar inacabada la educación en la que tanto ha invertido su padre y gastar dinero en fiestas. Por otro lado, David, un chico de quince, padece una enfermedad de corazón que no tiene cura y está empezando a perder la esperanza. Ambos encarnan estereotipos conocidos, con la virtud de que no están demasiado caricaturizados, sino que fácilmente se muestran predispuestos a abrir su mente y reflexionar. La diferencia de edad entre los protagonistas les aporta experiencias y perspectivas diferentes, algo que les permite aprender varias cosas el uno del otro. Entre los dos surgirá una amistad muy interesante que les invitará a salir de su comodidad y a encontrar a un hermano.

A pesar de no estar centrado en el hospital, sino en las vivencias de David y Lenny, el film no endulza la enfermedad y presenta también sus consecuencias tanto para el protagonista, como para los de su alrededor. Destaca la relación de David con su madre, quien se desvive por él, pero aparece como “la mala”, ya que es quien le obliga a seguir sus tratamientos. De todas maneras, queda reflejado cómo el niño es consciente de ello y siente también la responsabilidad de hacer que ella sea feliz. Aunque eso no veta que, como cualquier otro adolescente, también sienta curiosidad por el insustancial mundo de su amigo y quiera experimentarlo.

Sin profundizar en tópicos filosóficos, ni abundar en la tragedia de la enfermedad Un corazón extraordinario afronta con toques de humor una situación dura y conocida, subrayando el valor de la amistad. Los simpáticos personajes se ganarán al público, sobre todo adolescente, que disfrutará de sus comunes andanzas y quedará con el corazón ablandado ante una narración tan humana.

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The innocents, cuyo título es irónico, sigue el estereotipo recurrente en el género de terror de los niños malvados. Este tópico no es nuevo, pero la película intenta innovar al añadir que estos cuenten con poderes sobrenaturales y que haya un personaje autista entre ellos.

El dilema del film parece ser que la inocencia aparente de los niños puede ser engañosa y que ellos también pueden ser tan malvados como los adultos. No obstante, el argumento no destaca y el objetivo no acaba de quedar claro. Así, la cinta parece simplemente un despliegue de violencia in crescendo que al principio se presenta como un juego hasta que deja de serlo.

Independientemente, los actores realizan actuaciones remarcables y la ambientación está muy bien lograda. Pero las constantes secuencias desagradables que apelan más al morbo que al terror, hacen de esta entrega repulsiva y obscena sin un sentido de fondo que acabe de justificarlo.

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Miguel Ángel Vivas dirige, prácticamente a cámara en mano y con muchos planos secuencia, una brutal disertación sobre la violencia, los límites entre el bien y el mal y, sobre todo, la gestión policial en cuanto a los desahucios. Su primera escena es magistral.

La cinta se muestra frenética y caótica, pues Dani (Natalia de Molina) ve y graba un caso de corrupción entre sus compañeros de policía. Y como en el juego del cazador y la liebre, para salvar el pellejo deberá correr y esconderse. Su madriguera es un edificio laberíntico lleno de huecos y un sinfín de luces y sombras que angustian y aturden a la vez. No obstante, durante su huida, enemigos, cómplices y aliados van alterando su comportamiento y sus acciones.

No cabe duda, de que Asedio es una ambiciosa apuesta, pero que en hora y cuarenta, expone muchos temas que dejan demasiados frentes abiertos. Los desalojos, la inmigración ilegal, la crueldad policial, la corrupción, la lucha de clases, el racismo, incluso el machismo dentro del cuerpo, etc. Todo esto provoca algo de confusión en un guion que ya brillaba inteligentemente desde su simpleza.

En definitiva, con una mirada muy crítica, el film se enfrenta de manera mordaz e implacable a las autoridades. Y crea una interesante reflexión final, sobre la protección y la seguridad ciudadana.

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