Tras haber trabajado con Dario Argento como asistente en Inferno y Tenebrae, ambos tuvieron la oportunidad de trabajar codo a codo en la que es sin duda la colaboración más conocida de ambos cineastas. La historia de Demoni no es la gran cosa y se trata de algo bastante sencillo que se sigue de principio a fin. Lo interesante de esta película es su lore que llega casi a lo metafísico. La película hace un juego muy interesante con la máscara que puede convertir a quien la use en demonio. La película que es proyectada en el cine avisa lo que va a suceder y no se siente como una casualidad que la máscara que aparece en la película sea la misma que Rosemary se coloca por un breve segundo. La película que los personajes ven puede estar basada en una antigua leyenda sobre la máscara y que se vincula bastante con las profecías de Nostradamus. Esa película brinda información breve, pero esencial, que ayuda a entender el lore de Demoni. Cuando se desata el caos, se siente como si todo que está sucediendo en la película proyectada esté sucediendo en la vida real. Eso es lo primero que los personajes sospechan y creen que deteniendo la proyección detendrá todo el caos. Eso es desmentido por el hombre ciego que desde entrada se da indicio que es un posible vidente. Este personaje tuvo muy poca participación, pero al menos aporto algo esencial para entender lo que está sucediendo. Lo más obvio es que el cine es un lugar maldito y no era casualidad que los personajes estuvieran reunidos ahí. El misterioso hombre con máscara que repartía los boletos ya levantaba sospechas y era alguien que había planeado todo para poder reunir víctimas en el cine y poder liberar a los demonios en la tierra. Los indicios de que algo estaba mal en el cine ya se preveía cuando al intentar escapar, los personajes se llevan la sorpresa de que las puertas fueron reemplazados por muros. Algo que no parece tener sentido, pero es fácil deducir que existe presencia sobrenatural en el cine. Demoni narra bastante bien su trama y usa los personajes en el momento adecuado para que la experiencia se mantenga interesante. La película no tiene agujeros de guion y mucho de lo que sucede se entiende fácilmente. Es una película que está a la altura de muchas obras de horror de los años ochenta. Su nivel de horror es muy prometedor gracias a la ambientación, la fotografía que tiene bastante del estilo de Argento y los efectos especiales de Sergio Stivaletti. El maquillaje y el gore están muy bien hechos y aún mantienen su sensación grotesca. El maquillaje es un fuerte punto a favor para la película y cumple las expectativas de cualquier amante del cine de horror. La película viene sumada con algunos huevos de Pascua en el cine donde transcurre los eventos. Claramente, se pueden ver pósteres de otras películas como Metropolis, Quattro Moschie Di Velluto Grigio y Nosferatu. Eso es porque el edificio utilizado para realizar la película es el famoso edificio Goya, que es conocido en Berlín por sus exhibiciones relacionadas con el cine de horror. La película cuenta con una excelente banda sonora y lo mejor de ella es la partitura de Claudio Simonetti. Una partitura que ocupa un lugar entre las mejores bandas sonoras de las películas de Argento. Demoni es una película bastante agradable y llega a ser una de las más destacables del terror ochentero. Se podría decir que todo está bien y no tiene fallas hasta que llegamos cerca del final. Debido a que la película fue hecha con dos doblajes, hay diferencias en los diálogos. El doblaje italiano suena mucho más adecuado, mientras el doblaje en inglés peca de unos diálogos poco sutiles que están adaptados para la audiencia norteamericana. A pesar de esos detalles, Demoni cumple su papel como una película de horror bastante disfrutable y no decepciona. Es una película bastante buena y una obra del cine de horror italiano que vale la pena ver. Mi calificación final para esta película es un 8/10.

Debido a que Argento se consagró como una de las figuras más admiradas del cine de horror, era cuestión de tiempo para que la industria de Hollywood comenzara a fascinarse en él. Comenzó a trabajar en suelo estadounidense junto con George A. Romero en Two Evil Eyes y Trauma fue su siguiente película hecha para el mercado norteamericano. Aunque Terror At The Opera fue la película con la que Argento concluyo su época dorada, Two Evil Eyes fue un buen inicio para el periodo nóventelo de Argento. El asunto es que exceptuando su colaboración con Romero, las demás películas de Argento que empezaron a llegar tras Terror At The Opera estaban dejando de generar la misma sensación que tenían sus películas más populares. Trauma iba a ser otro gran salto para Argento en el cine norteamericano y las expectativas parecían prometedoras. Aunque no se trata de una mala película, se esperaba que fuera algo mucho más de lo que se vio. Tiene la dirección y el estilo de Argento presente. Es una trama intrigante con un giro argumental inesperado. La visión en primera persona del asesino y el engaño visual de un personaje protagonista son cosas que tampoco faltan. Es una película que está bastante bien y entra en los parámetros del giallo con una narrativa estable, pero no tiene mucha de esa energía y esencia que ha caracterizado las películas más populares de Argento. Se siente casi tan débil como Tenebrae y pareciera que el aire de Argento hubiese sido intervenido por un productor de Hollywood. Eso no es sorpresa debido a que la película ha sido modificada al ser lanzada en territorios anglosajones. Es por esa razón que la versión que más se conoce tiene algunas escenas con diálogos en italiano que fueron extraídas del metraje original. La trama de la película es disfrutable, pero se siente como algo un poco más convencional de lo que Argento está acostumbrado a hacer. Hay momentos que mucho no encajan con la película como el grito melodramático de David y la banda de reggae durante los créditos finales. Hay cosas poco claras como la relación entre la madre de Aura y el Dr. Judd o el amor tan repentino que surge entre David y Aura. Esto es un cliché bastante que decidieron sacarse de la manga. El director aprovechó esta película como una oportunidad para que Asia Argento tuviera un papel más protagónico. Ella ya había tenido participación actoral en Demoni 2 y La Chiesa. Aunque Asia ha sido criticada, pues la verdad no hace un mal trabajo y su personaje tiene un nivel de histeria bastante creíble. Además, Aura es un personaje anoréxico que se basó en la media hermana de Asia que también sufría de anorexia. Aunque esta joven llamada Anna tuvo un cameo, al menos hicieron algo bueno en inmortalizarla en la película porque ella terminó falleciendo al año siguiente. La película usa a Aura y su familia para hacerle al título de la película. Aura es alguien que sufre de un serio problema psicológico que empeora cuando es testigo de la muerte de sus padres. Un trauma que la va atormentando a lo largo de la película haciendo que sienta culpa por las personas que van muriendo en el resto de la historia. Esto es algo que irá chocando con el trauma del misterioso asesino una vez que se descubre quien es y cuál es su motivo. El concepto de la película quedo bien elaborado para tocar el tema central que es el trauma. La película tiene muertes aceptables que estuvieron a cargo de Tom Savini y es un buen trabajo hecho a base de efectos prácticos. Argento quiso darle más prioridad al misterio que al gore, así que la película no abusa de un uso excesivo de sangre. Aunque las escenas de muerte son buenas y se pueden admirar, hay que admitir que tienen momentos bastante irreales. Algo que hace que la película funcione más como un producto de serie B en vez de una película de alto nivel que busca ser más realista. No es solo el hecho de que la película se hizo con un presupuesto que no llega a los 10 millones, sino que tiene dos escenas irreales donde vemos las cabezas decapitadas de las víctimas haciendo un sonido oral. Una cabeza diciendo algo y otra gritando en una secuencia que recuerda bastante a una conocida escena de Vértigo de Alfred Hitchcock. El arma que utiliza el asesino pretende ser algo que actualice el tradicional uso de armas blancas, pero no es suficiente. Es un arma que no sorprende muchísimo a pesar de que las decapitaciones están bien. La banda sonora de Pino Donaggio no está mal, pero se queda corta comparada con la música que él compuso para Two Evil Eyes. Argento quería que la banda Goblin compusiera la banda sonora y hubiera sido algo que mejorara más la atmósfera de la película, pero los productores americanos lo rechazaron. Lo mejor de la banda sonora de Pino Donaggio en esta película es la canción Ruby Rain y es digna de ser considerada una de las mejores piezas musicales de las películas de Argento. La película incluso decidió incluir a Brad Dourif como un huevo de Pascua para los fanáticos del cine de horror. La película tiene sus cosas buenas y funciona como una historia de intriga. Es solo que al tratarse de una película hecha por alguien de renombre, eso hace desear que hubiese sido algo más que solo otro thriller. Trauma es una película de intriga que está bastante bien para disfrutar, pero es una película menor que solo se destaca por ser una las primeras películas americanas de Argento. Mi calificación final para esta película es un 7/10.

Con la nueva moda que las adaptaciones de Sonic The Hedgehog, Super Mario Bros y Five Nights At Freddy's han desatado, era cuestión de tiempo para que Minecraft fuera el siguiente videojuego popular en ser adaptado a la gran pantalla. Era algo que ya se tenía planeado desde los 2010 cuando el videojuego era bastante popular entre los niños y en parte se debe a que varios youtubers hicieron que Minecraft ganara cada vez más popularidad. Es por eso que la película dejo que algunos youtubers famosos tuvieran la oportunidad de aparecer teniendo cameos. A pesar de los años que tardaron en materializar la idea al fin lo consiguieron. Aunque en un principio Shawn Levy iba a estar a cargo tras haber hecho un excelente trabajo con Deadpool & Wolverine, al final decidieron que Jared Hess estuviera al mando. No fue una mala elección, ya que este director se inició en el cine con la película de culto Napoleon Dynamite y luego paso a trabajar con Jack Black en Nacho Libre. Aunque las películas y series que produjo después no tuvieron tanto reconocimiento como sus primeros dos largometrajes, A Minecraft Movie termino siendo su nuevo trabajo mejor valorado.

Adaptar el mundo de Minecraft a una película de acción viva no parecía algo probable dado que el mundo de Minecraft era más fácil de adaptar a una película animada. Pero gracias a los efectos digitales lograron materializar el mundo del juego a algo bastante real. Siguieron el ejemplo de Detective Pikachu y Sonic The Hedgehog al usar un arte hiperrealista para poder hacer que los personajes de Minecraft parezcan seres de carne y hueso. No se puede negar que el CGI es asombroso y ha logrado materializar el mundo de Minecraft de una manera inimaginable. En lo visual la película es un excelente retrato del mundo de Minecraft y ha logrado mantener el espíritu del mundo del juego. Al principio se pensaba que la película haría lo mismo que las secuelas de Jumanji. Se esperaba que fuera una historia sobre jugadores siendo transportados al videojuego de Minecraft, pero decidieron convertir el mundo de Minecraft en una especie de dimensión paralela en la que los personajes del mundo real se aventuran tras descubrir el orbe. Las adaptaciones de Super Mario Bros hicieron lo mismo al convertir el mágico mundo de los juegos de Mario en una dimensión paralela para darle coherencia al viaje de los personajes humanos a un mundo bastante irreal. Minecraft siguió ese mismo camino y fue una idea que funciono bastante bien. El mundo de Minecraft en los videojuegos no tiene una lógica exacta porque es un mundo muy irreal y la película pudo mantener eso al convertir ese mundo en una dimensión que desafía la visión que tenemos sobre la realidad. En ese aspecto, la película es una digna adaptación del universo del juego.

Lo que ha dividido a la crítica, a los fanáticos del juego y a los eruditos del cine es que la película carece de un buen y desarrollo de personajes. Eso se debe a que la película le da prioridad a su tono humorístico y caricaturesco. La película no busca una lógica porque el mundo del videojuego tampoco tiene una lógica al ser un mundo irreal. La película lo que hace es más bien ser una caricatura que busca divertir y lo consigue. De principio a fin la película se siente como un dibujo animado y utiliza un humor que se basa en los dibujos animados sin aferrarse a la lógica. Las caricaturas estilo Looney Tunes, Ren & Stimpy o The Amazing World Of Gumball no suelen contar mayormente con un guion profundo o un buen desarrollo de personajes. Su único enfoque es narrar una historia alocada aferrada al humor absurdo y surrealista con el fin de que sean divertidas. A Minecraft Movie hace lo mismo y solo da breve información sobre quienes son los personajes para tener una breve idea sobre sus motivaciones. La película no explora el trasfondo de estos personajes, pero se entiende que la mayoría son personas que en el mundo real son menospreciadas, pero que en el mundo de Minecraft se vuelven unos héroes. Eso hace que los personajes sean identificables para los fanáticos del videojuego porque hay que recordar que los niños que jugaban Minecraft solían sufrir de bravuconeo. Eran niños que se sentían menospreciados y el videojuego era su lugar seguro. Así es como la película logra conectar con aquellos que jugaron con el juego en su niñez. El carisma y el humor de Jack Black es otro punto a favor que hace de la película una divertida experiencia.

La reacción extremadamente positiva que ha generado en los fanáticos del juego ha sido comparado con el fenómeno que han provocado películas de culto como The Rocky Horror Picture Show y The Room. A Minecraft Movie no se diferencia de esos casos porque tiene un irresistible encanto. El guion y la falta de desarrollo de personajes ha hecho que sea catalogada como una mala película y paso lo mismo con la película de Five Nights At Freddy's. Pero en el mundo del cine de serie B existen películas malas que se han ganado el cariño del público haciendo que se ganen un estatus de culto. Películas como Basket Case, The Toxic Avenger, Troll 2, Robot Monster o Plan 9 From Outer Space tienen muchos fallos, pero tienen un encanto que a veces no se encuentran en las películas de mayor prestigio. Eso prueba que a veces las malas películas son mejores que las buenas películas y por eso muchas películas de serie B se convirtieron en obras de culto. El caso de A Minecraft Movie no es diferente porque esta película tiene el encanto y la esencia que tienen muchas obras de culto del cine de serie B.

En conclusion, A Minecraft Movie es una divertida película que no invierte tiempo en un buen guion ni en desarrollo de personajes. Sacrifica todo eso para brindar la divertida experiencia que promete ser y logra ser la adaptación que el videojuego se merecía. Sin importar lo ilógica o lo incoherente que luzca, su encanto es lo que la ha convertido en una obra de culto al instante. Mi calificación final para esta película es un 9/10.

Después de Shangai Surprise, Madonna decidió regresar a la comedia con su cuarto largometraje tras Desperately Seeking Susan. En esta ocasión decidió que su director de confianza James Foley estuviera a cargo debido al buen trabajo que había hecho con los videos musicales de la artista. Su tercer largometraje Who's That Girl? se volvió un caso inusual por ser la primera vez en que James Foley intentaría hacer una comedia. Su segundo largometraje At Close Range fue una estupenda película dramática que consagro al director, pero Who's That Girl? se convirtió en su segundo tropiezo ante la crítica cinematográfica tras haber debutado con Reckless. Who's That Girl? se caracteriza por ser una comedia desenfrenada que se siente como una caricatura. La secuencia animada de los créditos iniciales ya es un adelanto de que esta comedia será más bien una especie de caricatura hecha con personas y escenarios del mundo real. No es una comedia que tenga mucha lógica debido a que tiene muchos momentos irreales dignos de una caricatura. Lo que a muchos les ha podido parecer poco creíble es la forma en que los protagonistas desarrollan su relación. Loudon trata de cumplir su promesa de asegurarse de que Nikki se marche de la ciudad a cualquier costo y lo hace arriesgándose a sufrir todo el tormento al que Nikki lo expone. Nikki es una especie de mezcla entre Marilyn Monroe y Betty Boop, pero manifestado de acuerdo al estilo pop que ha caracterizado a Madonna durante los 80. En vez de su usar su voz natural, Madonna emula una voz muy similar a la de Berry Boop para brindar un personaje bastante caricaturesco. Eso ha hecho que Madonna fuera bastante juzgada al encarnar este personaje, ya que la personalidad y comportamiento de Nikki es muy alocado como si fuera un personaje de los Looney Tunes. Lo que no ha podido ser tomado en serio es como Loudon se va enamorando de Nikki y hay que admitir que se siente como algo que se ha decidido utilizar como último recurso. Desde luego no tiene mucho sentido que un hombre se enamore de una mujer que le está haciendo vivir un tormento, pero hay que tener en cuenta que la película es una comedia screwball. Este tipo de comedia se caracteriza por ser una sátira a las historias de romance tradicionales y lo que hace es invertir los roles de pareja. Mientras en una historia de romance tradicional el hombre tiene más fortaleza y la mujer es más delicada, en la comedia screwball sucede al revés. En este tipo de parodias la mujer es la que tiene más fortaleza ocupando el rol masculino mientras el hombre es el más delicado y frágil. Viéndolo desde ese ángulo, se podría decir que Nikki vendría a ser la figura masculina con toda la fortaleza y Loudon la figura femenina frágil que termina siendo cautivada por la fortaleza de Nikki. Si esta fuera una comedia romántica tradicional, Loudon sería quien tendría que ocupar el rol de Nikki y Nikki tendría que ocupar el rol de Loudon. Las comedias screwball también se caracterizan por tener muchos momentos ridículos, una trama central orientada al noviazgo y el matrimonio, y una trama secundaria basada en el cine noir. Who's That Girl? tiene todos esos elementos y por eso involucra a dos personajes con objetivos diferentes. Un abogado comprometido obligado a cumplir una promesa y una ex-convicta en busca de quienes la incriminaron. Ambos tratando de cumplir sus objetivos y acaban entablando un vínculo. James Foley de cierta manera sabia que no iba a poder hacer una comedia más convencional y prefirió recurrir a la parodia. Debido a que la comedia screwball fue usada de los años 30 hasta los años 40, este subgénero había dejado de tener relevancia. Pero muchas comedias posteriores fueron capaces de renovar la fórmula para que siga funcionando. Who's That Girl? tiene los elementos más básicos que la hacen una buena sucesora de este tipo de comedia, pero no todos fueron capaces de apreciar eso. El error fue tratar de verla como una comedia más común de lo habitual porque su verdadera intención es ser lo suficientemente ridícula para divertir. Desde luego puede parecer una película tonta, pero es esa tontería lo que le da gracia. Eso sumado al sentimiento de nostalgia que provoca por la época ochentera hace que la película tenga su encanto. Aunque sus chistes no sean muy memorables exceptuando al puma Murray que fue muy bien entrenado, lo más memorable de esta película ha sido su banda sonora. Madonna al menos pudo brindar en esta película otra de sus mejores canciones y otro de los álbumes más populares de su discografía. Aunque la película falló en la gran pantalla, al menos pudo redimirse gracias a su música. Entonces, Who's That Girl? es una película que no pudo ser valorada en su momento, pero al menos encontró a su público por parte de los fans de Madonna y de aquellos amantes de la época ochentera. Es una película que debajo de su humor caricaturesco tiene un encanto nostálgico. Mi calificación final para esta película es un 9/10.

Después de haberse aventurado en el mundo sobrenatural con las primeras dos entregas de Las Tres Madres, Argento decidió regresar al giallo con esta película. Tenebrae no es diferente a lo que Argento ha estado haciendo, pero sigue el ejemplo de Profondo Rosso al ser una historia de misterio con elementos de horror. La única diferencia es que esta película se acerca bastante al cine slasher. Mientras más la película va avanzando, más sangre comienza a correr y la película va sorprendiendo con escenas impactantes. Tenebrae mantiene un buen balance entre el horror y el policial. En un principio, parece que es solo otro giallo convencional y da la sensación de que es predecible. Los flashbacks del misterioso asesino que involucran a alguien del pasado ya tiene una idea de la razón por la que el asesino comete sus crímenes. Así que para que esto no sea tan predecible, Argento apuesta por tratar de confundir al espectador y dar un giro argumental que derrumba las sospechas más obvias. Argento decidió torcer lo que se podría esperar en el final de un giallo y dar una revelación más original como se había hecho en L'Uccello Dalle Piume Di Cristallo. Lo que Argento propone con la revelación final es para contrastar con la temática principal de la película sobre la perversión humana influyendo en la sociedad. Para eso la película recurre al dualismo por medio de Neal y el misterioso asesino. Se entiende que el asesino uso el libro de Neal como inspiración para cometer sus crímenes. Lo hace aferrado a la idea de que las víctimas, al ser personas con estilos de vida moralmente cuestionables, son seres aberrantes y su eliminación está justificada. El asesino lo hace influenciado por lo que está escrito en el libro de Neal. Después de eso, Neal se da cuenta de que su libro ha corrompido a este individuo, pero la revelación plantea algo más profundo. Cuando parece que nada ha estado resuelto hasta el final, la sorpresa es ya todo estaba resuelto a la mitad de la película y el resto conduce a al núcleo que provoco todo al inicio. Se entiende después que ha habido una especie de reacción en cadena, donde el libro es una manifestación del lado oscuro de Neal por algo que vivió en el pasado y eso termina influyendo en el asesino que tenía una especie de doble moral. Es como si el asesino se hubiese convertido en una manifestación del lado oscuro de Neal. El título del libro y el de la película hacen más bien referencia a la oscuridad en el interior de Neal. La película confunde bastante al espectador al hacerle creer que este es un giallo predecible, pero que tiene algo más a plena vista que no se puede notarse, por lo que la película pretende hacerle creer al espectador. Esto luego conduce a otro análisis que se ha hecho sobre esta película y es sobre cómo usamos el arte para materializar nuestro lado más oscuro. Para ello se han comparado algunos momentos de la película con las críticas que los trabajo de Argento han recibido en su momento. Tilda acusando el libro de Neal de ser sexista y misógino es similar a las acusaciones que las películas de Argento han recibido. Además, la película fue fuertemente censurada en Reino Unido en su momento debido a la preocupación de que el contenido violento pudiera influir negativamente en las personas. Aquí ya se puede notar bastante el paralelismo que la película hace sobre el contenido violento, influyendo a un potencial asesino, pero más que nada en como al reflejar nuestro lado oscuro en una obra puede influir en alguien que también esté dañado por dentro. Por lo general, un artista del género de horror busca materializar sus miedos en su obra y lo que puede aplicar en esto es el miedo a la posibilidad de que tengamos una naturaleza siniestra en nuestro interior. Algo que rayaría bastante en el concepto de Jekyll y Hyde y como la perversión forma parte de la naturaleza humana, esto haría que la persona más moralmente correcta comience a preguntarse que clase de actos indescriptibles podría llegar a cometer. Debido a que todos tenemos un lado oscuro, lo aterrador sería pensar que tan monstruosa podría ser esa otra mitad. Algo que intentamos explorar y materializar cuando creamos a un monstruo para nuestras obras de ficción. Tenebrae termina planteando cuestionamientos bastante profundos una vez que se escarba la superficie. A simple vista es un giallo que parece sencillo, con nulo desarrollo. Es breve en bastantes cosas esenciales y no brinda tantos detalles esenciales como en las películas anteriores de Argento. Luce predecible y toma la buena decisión de distorsionar eso para ofrecer una revelación inesperada y una reflexión sobre el lado oscuro del ser humano. No es una película muy profunda, pero sus ideas sí lo son. No falla como una película de horror y termina siendo un giallo bastante interesante. Tenebrae es otra buena opción para escoger de la lista de películas más populares de Argento y también es bastante satisfactoria para los amantes del cine de horror. Mi calificación final para esta película es un 8/10.