Relato verídico en el que padre e hijo deciden inmiscuirse en la venta de armas en los barrios de la costa Este, que está altamente relacionado con el tráfico de drogas y toda la relevancia que eso conlleva en el Estado de Michigan.

Como marco personal el filme expone de entrada la situación problemática y complicada que vive la familia, donde se acrecenterán los problemas a medida que se desarrolla la historia. El transcurso de la obra está relatada en tres años (1984-1987). La película posee unas intenciones claras y un tratamiento del argumento centrado en el relato, alejado de dudas que se puedan generar con respecto a su material biográfico.

Lo más crudo es que un mundo que generalmente está vinculado con personas adultas, es compartido por un adolescente, por lo que la historia se vuelve importante porque se refleja muy bien la etapa de la adolescencia ligada a un mundo turbio y violento. La tensión dramatica se exalta a medida que transcurre el argumento, con un énfasis por parte del relato verídico desde una perspectiva más intimista. La carga problemática se intensifica y se logra exuberar el tono dramático de la historia de Rick Wersher, utilizando unos giros argumentales muy bien encajados, poseyéndo a su vez una naturalidad impecable.

Allá donde esté Matthew McConaughey habrá un sello de calidad, el actor posee una fuerza interpretativa increíble y ejemplariza el sentimiento de destrucción y pérdida que posee el filme en todo su metraje.
La película se describe como un relato sórdido y conmovedor que pone en evidencia otro de los casos más polémicos e injustos del sistema judicial de los EEUU. Si bien no se adentra de forma crítica en la realidad sociopolítica del país, es cierto que se presenta con la ligera pretensión de contar una historia trágica basada en hechos reales.

Tras el fiasco que fue la adaptación del 2017, por petición del fandom llega este nuevo montaje que pretende demostrar algo que para muchos es difícil de ver y para muchos otros no: la película es el mismo fiasco. Es cierto que hay agujeros de guion que se han arreglado con este nuevo montaje, pero no es algo suficiente para salvar ni la historia ni el guion de la película, por mucho que se amplien los actos y se estructure mejor las directrices del argumento.

El filme gana espectacularidad gracias a la figura de Darkseid. No parece haber muchos cambios, salvo el agobiante uso del slow motion en todo momento. Se aprovecha el corte de Snyder para desarrollar mejor la significancia de los nuevos héroes y una visualizada trayectoria argumental a sus orígenes y características.

La película está hecha para contemplar un mayor desarrollo de sucesos en torno a los personajes y sus elementos de ficción, como la aparición de Darkseid y la existencia de las cajas madre. Sin embargo, no parece haber mayor diferencia: el grupo de héroes y el grupo de villaos están aislados en su argumento, vienen a juntarse cuando las acciones que cada bando quiere llevar a cabo se cruzan por propósitos distintos.

Por otra parte, en este corte el ahondamiento sobre el impacto de la pérdida de Superman es más realista, mejor construida y se han escogido las escenas correspondientes para ello. La resurrección de Superman no consigue ser otra cosa que una nueva selección de escenas y un traje comiquero que emula el vuelo extraordinario de "El Hombre de Acero" para parecer igual de potente.

El final no deja atrás una gran lucha final llena de sentido y vehemencia, ni tan siquiera esta nueva remesa de arreglos supondrá una gran ventaja en cuanto al producto original. La cerrazón que se adjunta antes del epílogo muestra la exaltación total de un fanservice que, si bien es interesante, no deja de ser un completo absurdo para la coherencia de los personajes, principalmente porque se siente frío, pretencioso e iverosímil.

El problema de Zack Snyder es él mismo, su insistencia en crear historias con fundamentos de videoclips pendencieros y cocinados como muestras de lo grandioso que puede ser una factura técnica sin alma y epicididad comprometida. Después de las intensas cuatro horas de duración el mal cuerpo sigue ahí, aunque haya bajado la fiebre. Ha quedado claro la peligrosidad que habita en el fanservice y el conocimiento general de que Zack Snyder se ha ganado el destierro del súbgenero a pulso.

La fase 4 empieza con un nuevo formato que cambiará la forma de atender la construcción del UCM, sirviéndo la nueva serie de Wanda Maximoff como base de pruebas para remarcar su trayectoria. En esta nueva historia, serán los diferentes espacios poseedores de información contextual los que explicarán la situación en la que se encuentran los personajes mediante tipificaciones representativas. No es extraño que a raíz de esta metodología metalingüística se sitúe la ruptura de la cuarta pared como posible plot twist para conocer el misterio acerca del argumento real de la trama.

Será el buen manejo de las características que se realizan a los personajes a través de la sitcom lo que formalice las premisas narrativas y los actos en el desarrollo de los primeros capítulos paralelos a la naturaleza del subgénero. La implementación del humor absurdo escenifica el esperpento, de forma que sirva para extrapolar una realidad grotesca manipulada por las habilidades excepcionales de Wanda. Estos aspectos vanaglorian los primeros capítulos de la serie.

Luego será la dependencia a los anteriores sucesos del UCM los que desarrollen un desarrollo propio, lo que demostrará que el argumento es extremadamente necesario de elementos anteriores de los personajes para poder construirse de manera funcional. El humor desajustado y la poca credibilidad hacia los personajes para ejemplarizar las diferentes circunstancias que arreglarían la presencia del misterio recrea en el espectador una especie de sensación de relleno superficial.

El plot twist es una constante, la cual demuestra la falta de cohesión estructural de un guion que parece necesitar alargar el suspense para que sea la expectación del espectador lo que alimente el interés por visualizar la serie. Incluso el uso de la sitcom se vuelve insignificante, logrando permanecer como un recurso meramente superficial para poseer un formato que diferencia la ficción de la realidad. Es un producto de consumo extendido en el tiempo que necesita complementarse con las películas.

El fanservice que utiliza el plot twist se vuelve absurdo, haciendo caso omiso del desarrollo natural entre los personajes. El éxito de la serie se basa en la inoperancia de un fandom deseoso de satisfacer su histera colectiva y sus sueños como fan. Al final ese fanservice tan mal ejecutado y tratado con burla para jugar a ser grandes ilusionistas de un producto de merchandising audiovisual trata a la serie como una mera sucesión de situaciones argumentales que no será consciente de la correcta resolución final.

Será la repetición de los sucesos previos con el fin de mostrar el trauma psicológico del personaje y la denominación identificadora en cuanto a sus habilidades lo que romperá los moldes de lo previamente esperado. Da igual la paradoja mitológica o científica que rodee la la forma de arreglar el conflicto de la trama, porque lo importante no es la simplona resolución con la que se termina la producción. Será la emotividad y la superación del duelo lo que puede significar innovador. El "tie-in" de este post-endgame se trae consigo una nueva dimensión, en la que La Bruja Escarlata se convierte en un elemento que inserta al mundo del UCM en una especie de puerta hacia otros estilemas que conseguirán retroalmentar la ficción de sus personajes.

Lo arrebatador de este producto de masas es el increíble refuerzo con el que se enngrandece la serie desde la masificación de un fandom capaz de idealizar cualquier producto que señalice el sello de identidad que los describe como partícipes de una fantasía empresarial.

Después de haber ganado el éxito indiscutible con "Cadena Perpetua", Darabont vuelve a realizar una película donde la emoción y la magia escrita de Stephen King están aseguradas.

Se instaura para con el espectador la importancia de la fuerza expresiva en el relato, unido a los momentos cómicos que naturalizan el costumbrismo que supone ser un carcelero, con la bondad y la belleza del ser humano por bandera. No falta lo contrario para integrar con naturalidad la situación de la trama, mostrando también el lado malvado y grotesco del funcionariado, el cual se ridiculiza para posicionarse de forma positiva ante la ética.

Se dibujan las emociones de forma que sean fáciles de percibir y de sentir, conecta con el espectador de forma extraordinaria, lo cual es un aspecto que resaltara la concepción de la silla eléctrica como algo inhumano mediante el uso de la tensión en la puesta en escena. Lo mágico que acompaña la realidad de la trama se dirige como purificador del dolor, transmitiendo esa oportunidad fantástica de reconsiderar el sufrimiento y reconducir al hombre en la esperanza, la sanación y la vitalidad.

La aportación actoral de Clarke Duncan es esencial para percibir el concepto primerizo del hombre culpable como ser incorregible, sin oportunidad de rehabilitarse por su condición asocial. Sin embargo, demostrará su empatía y la sensación de sentir el dolor y la tristeza que atrapa al ser humano. Es consciente de que el mundo es cruel, con una visión fatalista del mal que lo expusiera como algo incurable e irremediable.

A nivel técnico el juego de luces en las escenas más dramáticas resalta el salvajismo del ser humano. Existe un impacto impresionista en esa sucesión de imágenes que producirá la reacción más dolorosa y trágica en la mirada del espectador. El amor por el cine es recreado mediante el descubrimiento, de forma que sea el uso de la luz iluminando un primer plano la vía por la que el espectador se sienta partícipe del asombro, como una ruptura indirecta de la cuarta pared.

"La larga e interminable inmortalidad con la que el ser humano sueña sólo es una carga que nos aleja de lo efímera duración del amor entre nuestros seres queridos. Nuestro mundo no puede olvidar que el milagro existe mediante la reproducción de la esperanza." Algo parecido quería connotar el filme, si bien Darabont y King plasmaron la emotividad a partir de un leit-motiv espiritualizado por un pequeño roedor que nos convertirá en seres minúsculos, seres que no están a disposición de dejarse dominar por el vértigo que nos distancia.

Una de las obras más importantes del cine de ciencia-ficción. En el contexto de su tiempo se aprecian los grandes avances que se produjeron respecto a los efectos especiales e innovaciones dentro los relatos de ficción distópicos. Dejando a un lado las icónicas aportaciones actorales de Schwarzenegger y la célebre presencia de Linda Hamilton como idealizada superviviente dentro del subgénero, la película se corresponde con un guión excelente.

Un argumento que dispone a contar con la premisa de que el futuro de la raza humana no ha ido a parar a buen puerto tras lograr mejorar la ingeniería informática que tanto haría evolucionar a las civilizaciones del mundo. Dentro de esa distopía que refleja simbólicamente la percepción que se tenía de los nuevos procesos científicos y cibernéticos, está presente la intención por reflejar el contexto social de los años 80. La parte negativa, violenta y cruda de una industria cibernética que no viene a mejorar los grandes cambios que se han llevado a cabo en los modelos productivos económico-sociales, sino que exagera de forma terrorífica un futuro subyugante.

Otro de los puntos importantes del filme es su banda sonora, capaz de abducir al espectador y ponerle en el contexto de la ficción, con una fuerza enorme para lograr empatizar con un drama distópico. El filme provoca también, o al menos para servidor, unas formas en el tratamiento de la acción y el horror propias del slasher, donde vemos como la protagonista femenina es víctima de un asesino en serie con el único objetivo de acabar con ella.

Sin embargo, este factor es sólo reminisciente, dado que no son compatibles debido a que en " The Terminator" todas las motivaciones de cada personaje están justificadas por las dos líneas temporales que explican el porqué de los hechos que acontecen. La estética que retrata James Cameron de este universo se vuelve atractiva e interesante después de ver todos estos aspectos y saber apreciarlos en su forma y contexto. De ahí puede explicarse el gran impacto que tuvo la película para la ciencia ficción de forma general.

"The Terminator" es uno de los grandes precursores de que a día de hoy se consuma y se expanda todo tipo de producción de ciencia ficción. Una de las muchas razones por las que le debemos a James Cameron nuestro amor incondicional al cine y al género.