Un clásico de la ciencia ficción de Serie B, considerado de culto para muchos pero que siento discernir en esa afirmación, puesto que es una película que ha envejecido de mala manera. La premisa es bastante sencilla, un doctor consigue crear un colirio que al echarlo en los ojos consigue traspasar la barrera de la visión humana, obteniendo un porcentaje de graduación visual mucho mayor al estándar del ojo humano estipulado en una capacidad visual de 10%. Gracias a su superdotada visión consigue salvar la vida a una chica que en contra de sus pretensiones, desembocará en una carrera policial detrás del monstruoso doctor donde le dará tiempo a ejercer de vidente, empresario en alza y apostador en casinos. Por supuesto, la capacidad visual será acumulativa, con lo que a lo largo de la cinta veremos el lado más ansioso por la obtención de poder sin pensar en sus nefastas consecuencias.

¿Incoherencias científicas? No importa, esto es ciencia ficción. Además de ofrecer un punto de vista fantástico dotado de cierta calidad para la época, también intenta trasmitir una despiadada crítica hacía la obsesión y voracidad por perseguir una meta demasiado atrevida y peligrosa. Efectos especiales austeros aunque convincentes para la época en donde predomina la pausada trama, encontraremos un guión flojo e irregular, diluyente frente a los acontecimientos que quieren mostrar y muy previsible. Personajes planos, inconsistentes dentro de la historia, repetidos hasta la saciedad. Como cabía esperar dentro del desenlace aparecerá la carga filosófica que intenta transmitir, señalando la abominación del ser humano hacía la gula y el perdón por los pecados. Realmente encontraremos una aventura aceptable en donde muchas situaciones nos harán esbozar una sonrisa por su cómica acción, mientras que otras se olvidarán de nuestra memoria al ser tal sumamente irregulares en su concluencia.

Dentro de la ficción de serie B es una película a tener en cuenta, puesto que a pesar de haber envejecido de manera deficiente algunas escenas y su idea principal serán recordadas por los amantes del género. Una historia, personajes, guión y desenlace irregulares empañan el resultado final, que aún con todo esto, consigue entretener por momentos.

Neil Jordan (En compañía de lobos, El hotel de los fantasmas, Los Borgia...) vuelve al mundo vampírico 18 años después de trasladar a la gran pantalla la excelente obra literaria escrita por Anne Rice, 'Entrevista con el vampiro'. Creando una historia a caballo entre el terror y el drama más romántico con un resultado final dispar por diferentes motivos. La trama nos introduce en la vida de una madre y su hija, que tras abandonar la escena de un violento crimen consiguen establecerse en una nueva propiedad para ellas llamada Hotel Byzantium. En ese lugar vamos conociendo todos los secretos que otorga la inexporable existencia de Clara y Eleanor, sus vivencias como seres vampíricos y su deambulante recorrido por la oscuridad de la inmortalidad. Consigue retratar una ambientación especial, con toques "vintage" entrelazados con un aspecto más moderno. A pesar de contar con una buena fotografía y una excelente música, las localizaciones suelen ser repetitivas a lo largo del desarrollo. Las piezas de piano tocadas dentro de la película son exquisitas, mucho más destacables que los efectos especiales y música ambiental. La explosivamente atractiva Gemma Artenton (RocknRolla, Quantom of Solace, Runner Runner...) queda eclipsada en todo momento por la interpretación de la joven Saoirse Ronan (The Lovely Bones, The Host, El gran Hotel Budapest...), un personaje abstracto, con mucha sensibilidad y empatía, atrapada en la eterna adolescencia y en los dilemas que ello conlleva, que a raíz de sus cartas que se pierden en el viento encontramos la línea para seguir el camino de la trama.

El guión bebe de otras historias similares, intentando obtener esa identidad propia merecedora de permanecer en nuestro recuerdo, sin conseguirlo. Los personajes secundarios no tienen alma, aún consiguiendo permanecer inmunes en el teatro dramático que ofrece, no están a la altura de una inexorable protagonista. Inyecta una dosis de originalidad narrando la historia en dos épocas bien diferenciadas, la vida de las no muertas en la actualidad y dos siglos antes, donde se transformaron en inmortales. Varias escenas sobrantes que alargan el metraje sin ofrecer nada a la trama, un desenlace atropellado y convencional que no sorprende. Múltiples detalles que dan todo masticado al espectador restando esa capacidad de pensamiento que generan esas importantes historias contadas del mundo del cine. Una estupenda Saoirse Ronan, una trama con gran contenido romántico, lirismo poético pragmatizados con una narración entre dos épocas muy diferentes es lo mas destacable del film. Sus puntos negros son la repetición de situaciones, la poca variedad de guión con escenas estériles y unos personajes secundarios que son meras figuras dentro de la pantalla. Se agradece una nueva historia de trasfondo vampírico huyendo de bobadas amorosas como las que se han estrenado en los últimos tiempos, pero que no llegan a igualar en calidad a otras obras más influyentes y reconocidas como 'Déjame Entrar' (Tomas Alfredson, 2008).

"¿Te importa que me ponga cómodo? Estar cómodo es el lema que tenemos en mi tierra." Stanley Kowalski (Marlon Brando)

La adaptación cinematográfica de la obra teatral de Tennessee Williams es una película de peso, nació para ser un clásico y esa vocación se ha cumplido sin reparos. Una eclosión de comunión cine y teatro casi perfecta, pero, sobre todo, el triunfo de la generación del prestigioso Actor's Studio y Marlon Brando, su capacidad interpretativa y y su fuerza expresiva.

El encuentro de dos formas de actuación, centrado en el desesperado y poético heroísmo de Blanche DuBois, merecido Óscar para la neurótica, frágil y debilitada belleza de Vivien Leigh, opuesto al sudoroso magnetismo animal de Kowalski, un Brando que domina el espacio con un siniestro naturalismo que llega a asustar, el más famoso e influyente exponente del "método". Rodeados de unos secundarios de lujo, UN TRANVÍA LLAMADO DESEO es más teatral que cinematográfica tras descartar un primer guión con exteriores y apostando por la fidelidad a la obra de Williams.

Su poder radica en las interpretaciones, la clásica y teatral Leigh y el explosivo instintivo Brando, tan diferentes en su forma de actuar y personalidad como sus personajes. Gracias a la atmósfera magnética que Kazan entreteje, mantiene los espacios reducidos, produce claustrofobia que se proyectan en los tormentos de Blanche, llega a ser tan magnifica como la obra de teatro.

Las versiones cinematográficas de obras de teatro tienen mala fama, pero UN TRANVÍA LLAMADO DESEO le dio un nuevo rumbo al arte escénico del siglo XX, tanto al teatro como al cine. El desgarrador grito "¡Stella!" de Brando hizo temblar la noche de Nueva Orleans y ya es un icono del séptimo arte.

"Diga lo que diga la gente, las palabras y las ideas pueden cambiar el mundo."

Carpe Diem. La película de Weir es un canto a la libertad de espíritu y expresión. Hay muchos filmes sobre estudiantes de instituto y sus tribulaciones, donde las propias instituciones son un personaje más como esta Academia Welton evocadora al viejo mundo británico envuelto en niebla y cuevas donde chicos pueden ser héroes de sus propias aventuras, pero ninguno tan elocuente como este club de poetas. "Tradición, disciplina, honor, excelencia" reza la inscripción de sus estandartes.

Ambientada en 1959, la historia se enmarca entre la era McCarthy y las protestas estudiantiles de los sesenta, Weir no situó su película en esa época por casualidad ya que tenía la misma edad que los alumnos de Welton. Cabe destacar el excelente guión de Tom Schulman, galardonado con un Óscar, en que consigue reflejar el compañerismo y la superación de esas barreras sociales que coartan este grupo de alumnos.

¿Quién no se moriría por haber tenido un profesor como Robin Williams? Su interpretación es una contribución extraordinaria a la película, un "entrenador" que aúna cuerpo y alma para llevar a su equipo a la Victoria académica, capaz de adaptar las grandes obras de arte a un contexto cotidiano. Al evitar lo abiertamente didáctico, el filme resulta apasionante y destila un encanto que se nutre del carácter eterno de las obras a las que tributa homenaje.

LA JUNGLA DE ASFALTO es una de las grandes películas del cine noir. Planos exquisitos y un guion fiel a la obra original de Burnett. Reparto coral maravilloso, el espectador anhela una visión humanizada del gangster, gracias a la humanidad shakespeariana que reflejan los mismos. Todos tienen sus sueños, su familia y sus inquietudes, son personas pese a su dudosa profesión. La metáfora de la ciudad, es una jungla de asfalto, ambientes sórdidos donde no existen los códigos morales pero si es un campo de sombras, en la que el fatalismo comparte protagonismo a partes iguales con el concepto de sueño americano, quizá el sueño de volver a los orígenes. El canon del cine negro en su máximo esplendor.