Grace (Julia Roberts) y su marido Eddie (Dennis Quaid) son la imagen de la felicidad. Son jóvenes, guapos, se conocen desde siempre, han nacido en la misma ciudad sureña, son conservadores, tienen una hija preciosa, ambos vienen de familias de buena posición económica, tienen una bonita casa, y son queridos y respetados en su comunidad. En otras palabras son el sueño americano.
Pero un día por pura casualidad Grace descubre que Eddie le está siendo infiel. Que todo el mundo lo sabía menos ella y se rompe su cuento de hadas.

Hacía cinco años que Julia Roberts había protagonizado “Pretty Woman” y estaba en su reinado en la comedia romántica, así que yo esperaba un poco más.

En un principio me pareció interesante el planteamiento de la película y la primera reacción de la protagonista, pero este interés pronto se tornó para mí en decepción al ver los derroteros por los que iba pasando la película. El final me pareció bastante decepcionante.

La verdad es que cuenta con un buen reparto encabezado como ya he dicho por Julia Roberts y Dennis Quaid, por esa época también habitual de las comedias románticas y si entre ellos hay química he de admitirlo.
Entre los secundarios están Robert Duvall y Gena Rowlands, los padres de Grace (Julia Roberts) el modelo que su hija tenia de un matrimonio perfecto y que ella también aspiraba a seguir.

Kyra Sedgwick, la actriz que años más tarde se convertiría en la subjefa de policía Brenda Johnson de la serie “The Closer”, aquí es la hermana de Grace su mayor aliada cuando ella le cuenta lo ocurrido con su marido.

En general están todos bien, pasables aceptables pero sin ser interpretaciones notables.

La película tampoco tiene como tema único la relación del joven matrimonio hay otras tramas como la del matrimonio de los padres, el ir haciéndose mayor, los problemas con los hijos aunque estos ya sean maduritos o hayan volado del nido.

Aunque a mí la verdad,ni aun con todo ello, debo confesar que en el fondo me pareció más una película para televisión de esas que ponen las cadenas en la sobremesa que una película de cine.
Sin desmerecer a las películas para televisión que conste, que hay de todo, pero es que me pareció demasiado convencional por así decirlo.

Es la última de las cinco versiones que se hicieron en el cine de la novela de Rex Beach “Los usurpadores” publicada en 1906, fue un gran éxito de ventas en Estados Unidos. Primeramente se hizo una obra de teatro y después las películas, dos en la época del cine mudo y tres ya con sonido. Como curiosidad las otras dos anteriores a está estaban protagonizadas por Gary Cooper y Betty Compton (1930) y Marlene Dietrich y John Wayne (1942).
Es un western en el que la acción transcurre más tabernas y en despachos que en la naturaleza, con el problema de la burocracia y el robo de minas a principios del siglo XX en Alaska, cuando aquella parte de país estaba aún en estado salvaje, y en el que yo destacaría también la parte romántica que está muy definida y en torno a la cual gira gran parte de la película.
Esta versión de 1955 es la única en color y bueno no está del todo mal, la dirección corrió a cargo de Jesse Hibbs, un director que estuvo muy ligado al género western en el que rodó gran parte de sus películas y series, aquí está aceptable, es una película bastante ágil. Pero en cuanto a la interpretaciones, aunque Anne Baxter está bastante bien al igual que Roy Calhoun , Ray Diston y John Mcintire, que imprimen bastante carácter a sus personajes y les dan bastante autenticidad , flojea porque Jeff Chandler uno de los protagonistas, dibuja un personaje bastante soso, y no le imprime el carácter suficiente al que se supone un buscador de oro que lleva 10 años en la inhóspita Alaska. Además en la parte romántica también tiene un carácter demasiado tibio y si lo comparo con Wayne, la verdad, no hay color.
Yo he visto también la versión de Dietrich y Wayne y me llamo la atención lo parecidas que eran ambas versiones, son casi un calco en cuanto a los diálogos y en las situaciones. Entonces me di cuenta de que ambas tienen los mismos guionistas Lawrence Hazard y Tom Reed. No obstante a mí me gusto más la versión de 1942 donde las interpretaciones de los protagonistas van más a la par y en el que los diálogos aunque parecidísimos en ambas, están más cuidados.

Fue la primera de una saga de 5 películas protagonizadas por Clint Eastwood. Interpretando al inspector Harry Callahan. Un policía viudo, solitario y con bastante mal carácter al que le duran poco sus compañeros de trabajo, con unos métodos de trabajo “poco ortodoxos” y con él que conocí la existencia de un departamento de la policía llamado “Asuntos internos”.

En un principio se le ofreció el papel de Harry a John Wayne, pero después de leer el guión declino la oferta, no le gusto el personaje, y así fue como el papel fue a parar a Clint Eastwood. Error de Wayne, yo creo que no, pero lo cierto que este personaje catapulto la carrera de Eastwood. Y marco el inicio de una gran proliferación de películas sobre policías en los años 70 y también de series de televisión.

Es una película con ritmo y bastante acción, con persecuciones por todo San Francisco, buscando un francotirador/secuestrador/ psicópata , que trae de cabeza a la policía de la ciudad.

Yo la vi hace muchísimos años, y lo que más recordaba era el carácter hierático de Harry (Eastwood) y su mala leche. La he vuelto a ver, entre otras cosas, porque también he visto la de McQ , y quise hacer la comparación.
A mí personalmente y pasado el tiempo me gusta más McQ , para gustos colores. Pero tengo que reconocer que a principios de los setenta tuvo que ser una verdadera revolución sobre todo en Estados Unidos ver a un policía tomarse casi la justicia por su mano como en el antiguo oeste. En este sentido me parece que los norteamericanos son bastante sentimentales.

El argumento parece bastante básico, pero es efectivo, de hecho es casi un calco de casi todo el cine policíaco que se hizo a partir de entonces. No obstante lo que más vidilla le da a la película según mi opinión, es Harry. Estábamos acostumbrados hasta entonces a un poli bueno, amable, educado, que sigue al pie de la letra la ley y llego Harry para mostrarnos que un buen policía es que coge a los malos, y punto. Y ya es bastante.

La recomendaría, porque después de Eastwood vinieron muchos más, pero, esa mala leche al hablar, en un rostro tan inexpresivo , solo la tiene Eastwood

Basada en una obra de Mario Puzzo, coguionista aquí, al lado de Francis Ford Coppola, narra el día a día de una familia mafiosa en la Norteamérica de los años 40-50 del siglo pasado.

El patriarca Don Vito Corleone, un hombre ya maduro , es el padrino dentro de su familia mafiosa y el cabeza de familia dentro de la suya propia, formada por su esposa de toda la vida y sus 4 hijos, alguno de los cuales ya le ha dado algún nieto.

Acostumbrados a las películas de los años 30-40 sobre los gansters, muchos de ellos con raíces italianas y con una vida llena de matanzas, alocada vida nocturna con mujeres fatales y regado todo ello con licor, en 1972 Francis Ford Coppola, al igual que hiciese John Ford en 1952 con “El hombre tranquilo” y los irlandeses, rindió esta vez, homenaje a los italoamericanos y la familia italoamericana cogiendo esta visión que los americanos anglosajones tenían de los italianos “La Mafia”.

Estados Unidos es un país de emigrantes , pero es un país principalmente anglosajón, que mira un poco por encima del hombro a las demás nacionalidades de inmigrantes que lo integran. Y una de las virtudes de la película es darle esa naturalidad a la familia mafiosa, dotándolos de humanidad y hasta de integridad.

En el caso de la familia Corleone , sino fuera porque se dedican a negocios al margen de la ley, serían una familia ideal, mejor que muchas anglosajonas, en la que los padres están pendientes de los hijos, los hijos respetan a los padres y en la que por encima de todo está la familia.

Otra de las virtudes a mi parecer de la película, es que además de humanizar a los personajes también los dibuja perfectamente, a mi me pasó que alguna vez, ya sabía de antemano cuál iba a ser la reacción de algún personaje, porque nos los muestra muy detalladamente, y ya sabes hasta como piensan.

Mención aparte, la historia está perfectamente ambientada te transporta a los años 40, con su música, sus coches, sus peinados, sus costumbres…

No hay ningún género de duda, el director hizo esta película, con mucho amor y mucho cariño a sus raíces italianas y quitándole, gran parte de la sordidez propia de los bajos fondos, esta exposición de la familia italiana, hace que se la encuentre entrañable.

La vida sonríe al joven matrimonio formado por Hutter ( Gustav von Wangentein) y su amada esposa Ellen ( Greta Schöeder).

Pero todo esto cambiará, de la noche a la mañana cuando el jefe de Hutter ( Alexander Granach ) le comunique a este que tiene que viajar a Transilvania para tramitar la compra de una casa cercana a la suya, por un noble transivano, el conde Orlock ( Max Shreck).

Lo primero que puedo decir de esta película es que no debería haber llegado hasta nosotros. La viuda de Bram Stoker, el autor de Drácula demandó a la productora por no haber solicitado permiso para usar la obra ni haber mencionado a su marido por ninguna parte. Y exigió que se destruyera el original y todas las copias de la película. Pero "afortunadamente " alguna copia se salvo.

De la película destacaría el personaje del conde Orlock, tan alejado de Draculas posteriores con sus capas , sus modales exquisitos y aires de conquistador.
Aquí su aspecto es totalmente demacrado y con unos rasgos teóricos y horripilantes.
La única coincidencia con Draculas posteriores es que a su paso sólo dejan muerte.

También destacaría el personaje de Ellen, la esposa de Hutter, pues es el contrapunto del conde Orlock, ella es la personificación del amor y la bondad. Ella es la luz y el conde las tinieblas.

La ambientación también está muy bien lograda , hay muchos escenarios naturales y no de cartón - piedra, tan característico de este cine, lo que le da credibilidad a la película . Al igual que los edificios exteriormente, hasta el castillo del conde Orlock parece muy auténtico.

Y como no esos primeros planos , propios del expresionismo alemán y que enfatizan tanto los estados de ánimo de los personajes como le dan un aire todavía más siniestro al conde Orlock.

Para finalizar diré que no es la mejor película de cine mudo que he visto ni tampoco de terror, pero me quedaría con todo lo bueno que he dicho anteriormente.