La animación en los años 90 estaba viviendo una nueva edad de oro gracias a Disney y a películas como 'El rey león', éxito de crítica y taquilla. Pero un animador llamado John Lasseter, que trabajó en sus estudios y posteriormente en la Industrial Light & Magic de George Lucas, quiso demostrar a todos que la animación por ordenador era el futuro.

En 1986 había fundado Pixar y nueve años después estrenó el primer largometraje animado de la historia hecho íntegramente por ordenador. El resultado fue asombroso y demoledor: 'Toy Story' entremezcla de manera formidable los elementos del cine de animación con los del de imagen real.

Técnicamente casi perfecta y dotada de un guión portentosamente ágil, su dinámica puesta en escena está repleta de personajes tan naturales que se asemejan increíblemente a la realidad. Pixar había hecho historia revolucionando este arte, como ya hiciera Disney décadas atrás.

Habían pasado 81 años desde que Gertie, el dinosaurio hambriento, se comiera un árbol. Eran unos dibujos en blanco y negro, dibujados con lápiz, que convirtieron a la animación en una forma de arte popular en todo el mundo. Una industria que sigue creciendo porque su poder imaginativo, como diría el mismísimo Buzz Lightyear, llega “hasta el infinito y más allá”.

Parábola acerca de la falta de fe del hombre moderno. Tarkovsky manifestó en sus tres últimas películas ('Stalker', 'Nostalgia' y 'Sacrificio'), una inquietud que a lo largo de los años se estaba volviendo más aguda: la muerte espiritual que estaba padeciendo la sociedad contemporánea.

En 'Stalker', tres viajeros que escenifican la representación metafórica de las vías del conocimiento –la fe, la científica y la artística–, se dirigen a La Zona, un lugar con inteligencia propia y repleto de ilusión, ya que otorga los deseos más íntimos de las personas.

Esta película, de solemne capacidad expresiva, supuso para el soviético la madurez definitiva de su lenguaje cinematográfico. Mediante lentos y largos planos secuencia, presenta la realidad del tiempo. Según él, el cine absorbe el tiempo de manera pasiva captando los acontecimientos; la imagen cinematográfica vive en el tiempo y el tiempo vive en ella.

'Stalker' es la exaltación de lo físico y lo metafísico. Donde las semillas de diente de león flotan y las almas van en busca de una felicidad y de una expectación que parecen muy lejanas. Un microcosmos en el cual la angustia y el sacrificio serán obligatorios para que los hombres logren su parte trascendental.

El único largometraje de Vigo, un malogrado director francés que murió de tuberculosis a la edad de 29 años. Su escasa obra consta de este largometraje, un mediometraje y dos cortometrajes, todas ellas impregnadas de un sentimiento lírico desesperanzado. Una pequeña filmografía que tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior del cine galo.

En su legado, podemos contemplar como supo combinar minuciosamente el lirismo y el surrealismo de Luis Buñuel, y el cine sonoro con el mudo. 'L'Atalante' se inscribe en la corriente cinematográfica conocida como realismo poético, el movimiento abanderado por Jean Renoir, desarrollado entre 1930 y 1945.

Siguiendo las pautas de este movimiento, el filme muestra un estado de ánimo y una manera íntima de observar la realidad. La historia de amor de los recién casados se cuenta con enorme sencillez, descubriéndonos la mirada de Vigo, un soñador vanguardista y sentimental, que halló en el cine, el medio de expresión de su aliento vital.

Repleta de innovadores planos para la época, tanto por la colocación de la cámara como por su duración, los inolvidables planos generales de L'Atalante, la barcaza que recorre los canales del río Sena, y la plasticidad de sus secuencias, constituyen uno de los más hermosos poemas visuales de la historia del cine.

Malick, uno de los mayores poetas y filósofos del séptimo arte y conocido por sus escasas apariciones públicas, hizo la obra cumbre del cine bélico en el mismo año que la premiada 'Salvar al soldado Ryan' –también ambientada en la Segunda Guerra Mundial–. Aunque su coetánea se llevara los galardones, fue 'La delgada línea roja' la que elevó al cine a los altares.

Con su habitual voz en off, y su desencantada y panteísta visión del mundo, Malick realiza, mediante una sinfonía de imágenes y sonidos místicos, una profunda reflexión sobre el amor y el odio. La bella descripción de la naturaleza contrasta con la crueldad que manifiesta el ser humano en una aterradora guerra.

Un conflicto bélico sin héroes ni villanos, sólo con perdedores que se preguntan sobre la muerte. Japoneses y estadounidenses se hallan perdidos física y moralmente en un entorno vegetal que les observa sigilosamente y que cobra personalidad hasta convertirse en el auténtico protagonista.

El pausadísimo ascenso a las tinieblas hará que sintamos añoranza por volver a flotar al son de un coro celestial y con despreocupación, en aquellas aguas cristalinas del Pacífico. De regresar a esa isla perdida y ser libres como ese cocodrilo que, imperiosamente, se introdujo en la marisma. Obra maestra absoluta.

Tercera película de la trilogía del dólar –precedida por 'Por un puñado de dólares' y 'La muerte tenía un precio'–, la famosa serie de películas realizadas por Leone que ayudó a popularizar el "spaghetti western", subgénero que estuvo de moda en los años 60 y 70, gracias a producciones europeas.

'El bueno, el feo y el malo' posee las características propias de este subgénero. Rodado con un escaso presupuesto, el filme, de diálogos breves y largas escenas que terminan en un emocionante clímax, tiene una estética sucia y a la vez estilizada y está repleto de personajes aparentemente duros y faltos de moral, tan épicos como caricaturescos.

Y es que las interpretaciones de Clint Eastwood y Lee Van Cleef (geniales con sus polvorientos ponchos, sus barbas de tres días, sus muecas de desconfianza y sus miradas serpentinas), como la del resto del reparto, exageran los códigos que se habían desarrollado en este género.

La extraordinaria música de Ennio Morricone se cristianizó en elemento clave para dar nervio a las escenas de acción, valiendo de impulso para convertir algunas escenas aisladas en momentos de clímax. Una técnica novedosa que hizo cambiar la forma de hacer cine. Filme de culto.