Terminando de ver “The Sandpiper” (1965) de Vincente Minelli con Elizabeth Taylor, Richard Burton, Eva Marie Saint, Charles Bronson, Robert Webber, entre otros.

Drama ganador del premio Oscar a La Mejor Canción Original por “The Shadow Of Your Smile”, sigue a una madre soltera de espíritu libre cuando forma una conexión con el director casado de un internado episcopal en el Big Sur, California.

La secuencia de apertura, un montaje de empinadas colinas esmeralda y un mar azul profundo tomada desde un helicóptero, está particularmente bien hecha, con un ciervo corriendo por una de las laderas cubiertas de robles, construyendo olas rompiendo en la orilla rocosa y una o 2 ardientes puestas de sol rojas; escenas similares continúan reforzando la sensación de ambientación a lo largo de la película en una historia, aunque interesante, no puede estar a la altura de la espectacular ubicación natural.

Ambientada a mediados de los 60s, cuando las morenas sexuales se aflojaban, todavía estábamos en las garras de un moralismo eclesiástico, esta tenía que ser una película controvertida, y lo fue:

Una película sobre un clérigo involucrado en una aventura adúltera, habría sido una violación impensable del Código de Producción; pero en 1965, El Código, aunque no del todo muerto, ya no gozaba de buena salud, y una película sobre este tema, aunque todavía muy controvertida, ya no era imposible.

De los personajes, el propio niño no juega un papel importante, siendo más un dispositivo de trama que un personaje por derecho propio; y sentí que esto era una debilidad, dado que uno de los temas de la película son 2 filosofías diferentes de la educación:

La opinión de Laura es que todos los establecimientos de educación formal, en particular los internados conservadores son indeseables porque existen para convertir a los niños en conformistas convencionales; sin embargo, su propia solución, educar a Danny en casa en una parte remota del mundo y lejos de cualquier otro niño, sin una figura paterna en su vida; me pareció que probablemente lo convertiría en un solitario egocéntrico; aunque la película más bien evita criticar a Laura en este punto...

Pero todo se decanta en la relación entre los Burton-Burton, no se basa simplemente en la atracción sexual, sino en una creciente darse cuenta de que, a pesar de sus diferencias, son almas gemelas.

Curiosamente, la incrédula Liz, y paradójicamente también, tiene más en común con el idealismo cristiano de Richard que la convencionalmente piadosa Eva Marie; el problema es que uno nunca siente realmente en la actuación de Burton al creyente religioso idealista que se esconde detrás de la máscara del maestro de escuela formal y pedante; y La Taylor siempre da la impresión de ser un poco demasiado glamorosa para ser del todo convincente como proto-hippie... en fin, la hipocresía.

El título original, “The Sandpiper”, hace referencia al pájaro andarríos que cuida la protagonista y que tiene un ala rota; ese pájaro vivirá en la casa de ella hasta que está curado y se marcha volando, aunque vuelve ocasionalmente... en ese sentido, el ave es el símbolo central de la película, y representa los temas de crecimiento y libertad.

Técnicamente, la película contiene algunas fotografías atractivas del paisaje costero de California, aunque los colores en las escenas interiores a menudo son bastante apagados; y hay una partitura musical notable; y como drama psicológico y emocional, tiene sus puntos de interés:

La película se reproduce en ambos sentidos, admirando la libertad de la mujer y su justa autojustificación, pero ¿haciendo que el clérigo pague caro por su complacencia con la fruta prohibida?

¿Es un viejo romance de Hollywood que intenta hacerse pasar por una historia de amor de la manera moderna?

Además, el diálogo sobre los sentimientos personales también es profundo y toca sentimientos que la gran mayoría de las películas nunca se acercan; pero en general es una pieza de época, más interesante como un registro de “la pareja de oro oficial” de esa década.

“The Sandpiper” fue la 3° de las 11 películas en las que Dame Elizabeth Taylor y Richard Burton protagonizaron juntos; no es causal que se estrenara en el momento de mayor fama de ambos y se aprovechó de esa notoriedad, conocida como una pareja de escandalosas aventuras románticas.

Y aunque en la película interpretaban a unos amantes adúlteros, ellos se habían casado realmente el 15 de marzo de 1964, poco antes de iniciarse el rodaje; por lo que el tema del adulterio reflejaba de cerca sus propias vidas personales en la época, ya que Taylor tenía un romance bastante público con Burton, mientras ella estaba casada con Eddie Fisher, y él con la actriz galesa Sybil Williams.

Del resto del reparto, Charles Bronson hace una de sus primeras interpretaciones como un escultor bohemio sarcástico; mientras que Robert Webber tiene su papel estándar de un canalla rico codiciando a Laura.

La curiosidad viene de Morgan Mason que interpreta a Danny de manera insípida, aunque crecería hasta convertirse en El Jefe de Protocolo de Ronald Reagan, y se casaría con Belinda Carlisle de los Go-Go.

Finalmente, la pobre Eva Marie Saint se queda varada por la frigidez y la ignorancia... un papel para nada desarrollado.

Nos queda que la ficción, imita la realidad:

“Desde el principio, sabían que estaba mal... pero nada podía separarlos”

RECOMENDADA

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Terminando de ver “Blonde Venus” (1932) de Josef von Sternberg con Marlene Dietrich, Herbert Marshall, Cary Grant, Dickie Moore, Gene Morgan, Rita La Roy, Robert Emmett O'Connor, Sidney Toler, Morgan Wallace, Dennis O'Keefe, entre otros.

Drama e historia original llamada “Mother Love” escrita por la propia Dietrich; sigue a una cantante de un club que se vuelve la querida de un mujeriego para sacar adelante a su hijo y su esposo enfermo, en medio de escándalos, engaños y mentiras, celos, giros y vueltas, el amor de una madre y un gorila, hacen de esta película un verdadero elemento esencial para la historia del cine.

Y muy a pesar de esta premisa de telenovela, la película casi se juega como un cine negro, con diálogos agudos, gran cinematografía y personajes duros; pero diablos... es Marlene Dietrich haciendo lo que mejor hizo:

Hipnotizar a su audiencia con glamour, encanto e ingenio; tanto que está considerada una película de culto, siendo la 5° de 7 películas donde trabajaron juntos Marlene Dietrich y Josef von Sternberg.

El aspecto técnico de la realización de películas había avanzado a pasos agigantados; y el material cinematográfico se estaba volviendo mucho más uniforme y de alto contraste, mientras la grabación de sonido había mejorado mucho en solo unos pocos años; por lo que von Sternberg pudo hacer un uso completo de esto; y así la película se siente ágil y de ritmo estrecho, y en su mayoría, ya ha abandonado los gestos del cine mudo; sin embargo, esta es una de las mejores películas que muestran la vida en la gran depresión.

Aunque el tema dramático es tratado en términos de comedia excéntrica, con 3 números musicales diseñados para resaltar el talento de cantante de la Dietrich; el filme a perdurado por el famoso número “Hot Voodoo”, una larga pieza de 8 minutos, en cuya primera parte que es puramente instrumental, Dietrich se exhibe en una danza donde llevaba un traje de gorila... porque el encanto de la actriz alemana, aquí actúa bajo la extravagante dirección de su mentor, y fascina como una tierna madre que protege ferozmente a su pequeño hijo, que pasa sus noches como una seductora sirena escénica, cautivando al público en Estados Unidos y Francia; siendo igualmente buena en ambas posturas, con su rostro perfecto, registra un profundo amor maternal y un encanto de esfinge, como una “femme fatale” o mujerzuela.

Pero el valor artístico de la Dietrich es increíblemente gentil cuando canturrea una vieja canción de cuna alemana junto a la cama de su hijo, mientras que la imagen contrastante de ella, saliendo de un traje de mono en un club nocturno, es una de las imágenes más extrañas e hipnóticas de La Era Pre-Code.

Por otro lado, el valiente trabajo de Herbert Marshall en un papel ingrato, con una voz como miel líquida, es idealmente elegido como el conflictivo marido de Dietrich; interpretando a un químico envenenado por radio, su rostro revela su humillación por tener que ser apoyado por su esposa; aunque más tarde manifiesta rabia reprimida cuando descubre su “traición”, pero a la vez, entre líneas se deja ver un problema de cama que el mismo Marshall no puede actuar como lo demanda su esposa... y bueno, lamentablemente, “Blonde Venus” resultó ser la única colaboración de Marlene Dietrich y Cary Grant; aquí a punto de convertirse en una gran estrella de cine, interpreta a un poderoso jefe político, cuya arrogancia se suaviza mientras persigue los afectos de Dietrich.

Y el corazón de todos queda en Dickie Moore como el joven Johnny, un niño que realmente podía actuar y tirar de las fibras del espectador; sin olvidar de algunos cameos no facturados:

El tonto Sterling Holloway; Clarence Muse como cantinero tartamudo; la querida Mary Gordon como la casera informativa de Marshall; el gran Dewey Robinson como dueño de un cucarachero; la maravillosa Hattie McDaniel como la criada de Dietrich en Nueva Orleans; y la remilgada Marcelle Corday como la doncella de Marlene en París.

Posteriormente, La Dietrich haría películas más barrocas y escandalosas hacia el estilo fantástico, con excesos y mostrando la decadencia europea que dejaron a los estadounidenses en el polvo, y ayudaron a Dietrich a aterrizar en la infame lista de La Censura; porque si bien esta es una película anterior al Código Hays y habitualmente modifica la moral convencional; el filme es claro en mostrar mucho de lo que estaría luego prohibido:

¡Los puteros!

SIGO EN LA ZONA DE SPOILERS POR FALTA DE ESPACIO

Terminando de ver “A Storm in the Stars” (2017) de Haifaa al-Mansour con Elle Fanning, Douglas Booth, Bel Powley, Maisie Williams, Joanne Froggatt, Tom Sturridge, Stephen Dillane, Ben Hardy, Ciara Charteris, Hugh O'Conor, Dean Gregory, Gilbert Johnston, Jack Hickey, Sarah Lamesch, Michael Cloke, entre otros.

Drama conocido con el nombre de “Mary Shelley”, relata la historia amorosa de la escritora con el poeta Percy Bysshe Shelley, relación que la inspiró para crear “Frankenstein; or, The Modern Prometheus” (1818), la novela gótica más aterradora, y a la vez encontrar su propia voz y exorcizar sus demonios más íntimos.

La película es en algunos lugares ridículamente mala; pero me gustó bastante, sobre todo desde el momento en que se emplaza en Villa Diodati hasta el final, pues el inicio, que cuesta arrancar, es muy romántico casi para adolescentes; y eso que se toma grandes libertades al dramatizar la vida de la autora antes de que ella escribiera el libro; y lo hace bastante bien, hasta el punto de incomodar la forma en que se veía y se trataba a las mujeres en esos tiempos, intelectualmente estimulantes pero socialmente oscuros; con el clima de Inglaterra y las áreas circundantes era de intolerancia, desigualdad y prejuicio extremo, algo que no ha cambiado del todo.

Y en eso la directora Haifaa al-Mansour, da en el clavo; no solo porque ella es una de las más conocidas y controvertidas del país, y es la primera cineasta saudí en su primera producción británica para Hollywood; sino porque ella crea una crónica conmovedora que defiende la ficción de género y la creatividad femenina; pues ella claramente sostiene que es muy importante empoderar a las mujeres en una historia de mujeres que sobreviven, que persiguen sus sueños.

No es casual que las biografías exitosas de grandes figuras literarias son generalmente estudios de personajes, más que narraciones basadas en la trama; y desde el punto de vista de la historia literaria, el mayor logro de la película es mostrar, cómo el monstruo destructivo del Dr. Victor Frankenstein era en sí mismo la encarnación del mundo emocional de Mary.

En cuanto a las actuaciones:

Elle Fanning me hizo creer totalmente en su personaje, ella nunca me ha defraudado y considero que su actuación no es de Oscar, pero si muy digna en retratar a Mary; aunque Tom Sturridge como Lord Byron se roba sus pocas escenas como un ser notoriamente lujoso, extravagante y voluble, que vivía una vida de excesos, incluso para un poeta romántico, y era bien conocido por usar y descartar a las mujeres y a los hombres; y en eso, el desempeño de Sturridge es algo digno de contemplar.

Booth no es perfecto como un Shelley frustrado y librepensador; es bastante flojo como actor en general, no así Ben Hardy que es magnífico como Polidori, cuya tragedia desafortunadamente se pasa por alto demasiado rápido; un personaje y un actor totalmente desaprovechado; y Bel Powley como Claire es casi un pretexto para hacer avanzar la trama.

En el fondo, aquí hay una gran cantidad de omisiones, inexactitudes e interpolaciones no deseadas; y el mayor problema viene del guión, pues trata de cubrir demasiado, y en lugar de decir mucho sobre algunos eventos, dice poco de interés sobre muchos eventos; de ahí que se detiene en el intento de vincular pasajes de “Frankenstein” a eventos específicos en la vida de Mary a través de “flashbacks” es casi cliché y predecible; pero no me castiguen, esta es solo una historia, y no pretende ser un relato autobiográfico de la vida de Mary Shelley.

Eso sí, el detalle de la época es excelente, la partitura de Amelia Warner es conmovedora en algunos lugares; el vestuario de Caroline Koener está bien diseñado; el diseño de producción de Paki Smith es impresionantemente detallado y la cinematografía de David Ungaro es adecuadamente valiente.

Sobre el final, la decisión de presentar a “Frankenstein”... de lo contrario la novela se habría convertido en el tema, y habría perdido el enfoque de la película en el escritor; pues aquí hay una gran narración en juego aquí: }

Equilibra el drama de época, la historia feminista actual, el romance y un retrato del genio creativo; sin olvidar una deconstrucción psicológica satisfactoria de cómo una obra literaria puede ser un espejo de la vida de un escritor.

Por tanto, si tienes la paciencia y la empatía para unirte a una joven en el descubrimiento y la persecución de sus pasiones, las alegrías, las dificultades y las amargas desilusiones que la llevaron a producir una obra maestra atemporal, entonces las 2 horas estarán bien gastadas.

“Hemos creado monstruos, Mary; no dejemos que nos devoren”

RECOMENDADA

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Terminando de ver “酔いどれ天使” (Drunken Angel – 1948) de Akira Kurosawa con Takashi Shimura, Toshirō Mifune, Reisaburo Yamamoto, Chieko Nakakita, Michiyo Kogure, Noriko Sengoku, Eitarō Shindō, Taiji Tonoyama, Sachio Sakai, Choko Iida, Katao Kawasaki, Yoshiko Kuga, Shizuko Kasagi, Masao Shimizu, Sumire Shiroki, entre otros.

Drama y cine negro japonés, primera película en representar la yakuza de la posguerra; aunque no sigue los temas comunes del género; si sigue a un médico borracho y dedicado que atiende a un hombre de la mafia japonesa muy enfermo; a partir de este momento se iniciará una extraña relación entre ambos.

Considerada una de las primeras grandes obras de Kurosawa, destaca por ser la primera de las 16 colaboraciones entre el realizador y Toshirō Mifune; y con el compositor de muchos años, Fumio Hayasaka.

El personaje principal se inspiró en un médico alcohólico de la vida real, que trabaja sin licencia en el distrito del mercado negro de Tokio con el que se encontraron Akira Kurosawa y su compañero de redacción y amigo de la infancia, Keinosuke Uekusa; pero aunque Mifune profundiza en el gánster y esto lleva a muchas escenas bien interpretadas, incluida la del borracho, en la que el gánster finalmente debe darse cuenta de la gravedad de su enfermedad; Shimura claramente se roba la película como el doctor borracho enojado, y muchas veces amargado, aunque todavía se preocupa... de ahí la cantidad de ira que muestra con su personaje, y al mismo tiempo nos hace entender por qué le importa tanto, la hace perfectamente el actor; mientras Cheiko Nakakita y Reizaburo Yamamoto también son muy buenos en sus papeles secundarios de enfermera y jefe de banda.

Técnicamente la cinematografía también es de primera categoría, especialmente una secuencia de ensueño, en la que el gánster moribundo se invisibiliza a sí mismo como una criatura parecida a un zombi; y en general se combina comentarios sociales audaces con tierna simpatía hacia personajes imperfectos y oprimidos; porque la película es esencialmente un lamento por el estado de la sociedad japonesa de la posguerra; y no solo concierne a las víctimas de esa época, sino que también es una alegoría extendida que usa la enfermedad y la contaminación como metáfora del estado de La Nación.

El título de la película, parecería referirse al doctor Sanada, sin embargo, nuestro ángel no es perfecto, como casi todos los personajes de Kurosawa, sino un hombre más próximo a la realidad; es decir, dotado de virtudes pero poseedor también de vicios y capaz de cometer errores.

Entre mucha de la simbología presentada, esta el pantano como un reflejo de la corrupción en el pueblo, y es la forma en que Kurosawa presagia el futuro, ya que la ciudad está controlada por gánsteres inmorales; en este sentido, la historia da una notable cátedra de valores morales en estado puro; además viene fuertemente cargada de los ricos matices que hacen a la vida; y desde la sencillez, Kurosawa alcanza en este film la complejidad y la profundidad de los temas que trata.

Pero también sufrió por los censores, al presentar prostitutas sin licencia conocidas como chicas “pan pan” que atendían a los soldados estadounidenses; los gánsteres y sus novias que visten ropa y peinados occidentalizados...

La señalización en inglés tampoco estaba permitida, pero los mercados en el set tienen varios ejemplos del uso del inglés en sus carteles; y la gloriosa escena de baile en la discoteca, presenta una composición original, “Jungle Boogie”, cantada por Shizuko Kasagi con letra del mismo Kurosawa, satirizando la música de jazz estadounidense.

Por dicha, la junta de censura no pudo detectar estas infracciones debido al exceso de trabajo y la falta de personal; y es que el tema que se muestra en la película, es que las personas sacrifican cosas por razones estúpidas, incluso cuando saben que las consecuencias de esos sacrificios son profundas.

De ahí que la tristeza y la derrota impregna la historia con un final relativamente optimista, aportando una grata esperanza a las imágenes de una sociedad devastada por la guerra, que tiene que reconstruirse examinando primero sus valores.

“A los japoneses les encanta sacrificarse por estupideces”

RECOMENDADA

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Terminando de ver “Faraon” (1966) de Jerzy Kawalerowicz con Jerzy Zelnik, Andrzej Girtler, Krystyna Mikolajewska, Piotr Pawlowski, Leszek Herdegen, Stanislaw Milski, entre otros.

Drama polaco basado en la novela homónima de 1895, siendo la 4° y última novela del escritor polaco, Bolesław Prus; que es un estudio del poder político y del destino de las naciones, ambientado en el antiguo Egipto, en la caída de la XX Dinastía y El Nuevo Reino.

La acción se emplaza en el siglo XI a.C., una época de decadencia para Egipto porque se encuentra en una difícil coyuntura:

Por una parte, los asirios amenazan con invadir el país, y por otra, el empobrecimiento del pueblo es cada vez mayor.

Así, una vez proclamado Faraón, el joven Ramsés XIII decide poner remedio a esta situación, sirviéndose de las riquezas de la casta sacerdotal, que concentra en sus manos el poder económico, religioso y de hecho también el político.

Boleslaw Prus, el autor, fue un partidario del positivismo, un movimiento sociocultural que privilegia la razón sobre la emoción y la progresividad sobre la tradición; de hecho, los positivistas polacos apoyaron la obtención de la igualdad de derechos para los campesinos y las mujeres, y vieron a la sociedad como un “organismo social” de ahí que algunas de sus ideas se derivan de las obras del filósofo Herbert Spencer; y sus creencias políticas influyeron en una obra profundamente política.

Por ello, El Faraón del título aprende que aquellos que desafiarían los poderes existentes son vulnerables a la cooptación, la seducción, el soborno, la difamación, la intimidación y el asesinato; y quizás la lección principal, absorbida tardíamente por Ramsés como faraón, es la importancia, para el poder, del conocimiento.

La película fue tratada como una superproducción que socavó las reglas del cine peplum de Hollywood, que algunos consideraron una desventaja, otros una ventaja; y también hubo interpretaciones que lo apuntaban como una película “con un significado anticlerical”

Y es que la creciente amenaza al poder de los faraones durante ese tiempo era el ambicioso sacerdocio; y durante el siglo XI a.C., una dinastía de sumos sacerdotes de Amón, por ejemplo, tomó el control de gran parte de Egipto; gobernaban como reyes de facto mientras que nominalmente estaban subordinados a una serie de faraones políticamente débiles.

Así, los argumentos políticos presentados todavía parecen bastante razonables:

No confíes en los sacerdotes, los políticos y especialmente en los sacerdotes políticos; eso es porque “Faraon” lanza preguntas fundamentales sobre el poder, la religión y un elemento no tan habitual en las películas, la economía.

Y desde un enfoque muy realista, rodeado de intrigas y supersticiones; lo que surge es una historia trágica de la confianza excesiva de un joven en su destreza, contra algo mucho más siniestro, engañoso y despiadado, que él alguna vez ha imaginado

Así era, muy probablemente, el mundo del Antiguo Egipto.

No es casual que haya sido hecha bajo el lente de estrictos egiptólogos, que la convirtió en una de las películas polacas más taquilleras de todos los tiempos, haciéndolo sobre todo, un análisis penetrante de un sistema de poder, basta ver la escena del eclipse, donde se muestra de forma magistral, cómo los resortes de poder han ido utilizando los avances en el campo del conocimiento para la manipulación de un populacho, ignorante y supersticioso.

Pero aun con el rigo histórico de la producción, Ramsés XIII es un personaje de ficción:

Si bien el nombre Ramsés era relativamente común para los faraones de las dinastías XIX y XX, solo había 11 faraones históricos con ese nombre:

2 de ellos eran miembros de la dinastía XIX, y 9 de la dinastía XX.

Por tanto, lo mejor viene de la impecable cinematografía con efectos visuales poderosos y ritmo lento; sin olvidar de una actuación que lleva a la audiencia a estados de angustia, incertidumbre, miedo, rabia y a menudo sensualidad, con una actuación teatral perfecta de primera clase y economía de medios.

En contraste con Hollywood, aquí la puesta en escena se caracteriza por una sobriedad que se aleja de la pompa y el cartón piedra; con una ambientación hiperrealista, destacando un vestuario parco y liviano, claramente influido por los frescos de la época, y una banda sonora que se limita a determinados cánticos rituales.

Pero sobre todo, se hizo estudios en profundidad de los trajes y objetos comunes de la vida en el antiguo Egipto; y lo mejor, como todas las epopeyas antiguas que se remontan a La Era del Cine Mudo, no hay CGI o de apariencia falsa como el cine moderno tiene todo el tiempo... de ahí que se diga que este es el mejor espectáculo de las realidades antiguas que se creó en toda la historia del cine.

“La locura es tan grande como el mar, rodeará cualquier cosa”

RECOMENDADA

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