Luca Guadagnino dirige a Taylor Russell y Timothée Chalamet en este relato sanguinolento sobre una pareja y su camino de búsqueda de libertad, madurez y carne de la que alimentarse. En definitiva, buscan un destino que de sentido a sus aciagas existencias. Este espectáculo de sangre y vísceras, acompañado de altas dosis de romance teen, marca el esperado reencuentro cinematográfico entre Guadagnino y Chalamet tras Call Me by Your Name. Aunque en esta película los personajes carezcan de esa naturaleza lírica y esa delicadeza que sí caracterizó la relación entre Oliver y Elio, habrá momentos que erizarán la piel del espectador.

Como he mencionado anteriormente, se presenta una historia de amor entre los protagonistas. Sin embargo, no podemos definirlo como un romance corriente y afable, sino como una historia gore que puede generar repulsión en muchos momentos. Guadagnino presenta, en una atmósfera triste y asfixiante, una especie de alzamiento de la dimensión metafórica del canibalismo para tejer un drama romántico de rebeldes sin causa. La sensación adolescente de ser diferente a los demás es llevado aquí a un espacio en el que los caníbales son nómadas solitarios que luchan contra su propia naturaleza. Los personajes de Russell y Chalamet se encuentran por el camino durante esta huida de si mismos hasta entender que su condición les perseguirá hasta el último de sus días.

Los protagonistas fascinan con su interpretación. Russell y su ingenuidad en un mundo que devora, mientras que Chalamet emana con su presencia un aura que inspira una combinación del espiritu de la Generación Beat y de los hipsters actuales. El es realmente electrizante. A pesar de ello, la mejor interpretación ha sido la del villano perturbador y provocativo Mark Rylance. Detrás de su inquietante personaje, también se esconde alguien triste y solitario que tan solo quiere a alguien con quién compartir su travesía. Sus apariciones son escasas pero su calidad interpretativa hace que nos quedemos pegados a la butaca.

Por otro lado, me gustaría mencionar la hermosa puesta en escena y señalar lo meritorio que resulta ser capaz de extraer la belleza de lo sucio y lo sangriento, la sensualidad y lo sentimental del desmembramiento y la mordedura. Mediante la fotografía, Arseni Khachaturan ha sido capaz de dulcificar una historia que, teniendo en cuenta la premisa inicial, no parecía fácil. Como defecto principal, resaltaría que la película ha estado ligeramente desacompasada en algunos momentos y, por consiguiente, ha propiciado que la historia de amor se quedase un poco insustancial.

Drama de corte independiente protagonizada por una excepcional Jennifer Lawrence en el debut como directora cinematográfica de Lila Neugebauer. Nos encontramos ante una conmovedora cinta que narra el proceso de recuperación y adaptación de Lynsey, una soldado norteamericana, a su hogar tras haber sufrido una lesión cerebral en combate. La trama se desarrolla en el lugar que vio nacer a Lynsey, Nueva Orleans, pero ella se siente disociada y desconectada. En su camino, encontrará a un mecánico llamado James, interpretado por Brian Tyree Henry. Este hombre también libra su propia batalla personal.

La cinta nos muestra que sanar en compañía duele menos, que una persona no tiene por qué pasar dolor sola si encuentra a una persona empática que sea capaz de desnudarse emocionalmente también. Causeway va sobre esto. En una atmósfera lúgubre y triste, Lynsey y James entablan un vínculo afectivo sanador de todas las desventuras que cada uno ha sufrido. Se encuentran así mismos en la mirada del otro. Son personajes dañados, cansados y llenos de culpas que, como imanes, buscan fervientemente conectar con otros iguales para buscar consuelo, sanar juntos y aprender a vivir sin culparse. Es realmente admirable la manera genuina en la que se construye su relación, sin sentimentalismos ni sobresaltos dramáticos hollywoodienses.

La cinta está cocinada a fuego lento. Se toma su tiempo para profundizar en los traumas de su protagonista y en cómo poco a poco Lynsey va lidiando con su condición actual. Todo ello está realizado con un sentido lógico y debidamente condensado en la corta duración del filme, aunque su ritmo lento puede no agradar a muchos espectadores. La melancólica banda sonora de Alex Somers es fantástica, al igual que la química y los diálogos entre los dos protagonistas. No obstante, se ha de decir que la narrativa es quizás demasiado sencilla y cauta, muy poco atrevida, pero capaz de mantener un climax sólido. Neugebauer le da importancia a pequeños gestos cotidianos como comerse un helado, bañarse en una piscina o viajar en coche escuchando viejas canciones de blues.

En definitiva, no es una obra sorprendente, sino modesta y delicada, que llega a lo profundo desde la austeridad. Que habla del poder de la amistad y de huir de la soledad, del autodescubrimiento y de la superación personal. La directora tiene el mérito de haber sido capaz de contar una historia de una manera lo suficientemente orgánica y convincente como para entretener al espectador y poner sobre la mesa que hay una verdadera crisis sobre la salud mental.

Conmovedor thriller basado en la historia real de Charles Cullen, un enfermero que asesinó a numerosos pacientes en distintos hospitales de Estados Unidos. Cullen, de apariencia angelical e inofensiva, fue capaz de acabar con cientos de vidas sin inmutarse y convertirse en uno de los asesinos más prolíficos del país. Partir de esta premisa es un aliciente más que seguro para ver esta película.

Tanto Eddie Redmayne, en el papel del criminal, como Jessica Chastain, la enfermera protagonista, están realmente soberbios en papeles de mucha complejidad. Ambos siguen demostrando su versatilidad en los distintos papeles que escogen. Chastain dota a su personaje de un contraste entre fragilidad y rotundidad que destaca sobre el ambiente triste y apagado en el que se desarrolla la trama. Redmayne, en cambio, combina la espeluznante realidad de su personaje con un lado abiertamente cálido y afable en una interpretación cargada de matices. Sus gestos y sus miradas hipnotizan y dan escalofríos a partes iguales.

Personalmente, me ha faltado un poco de agilidad, aunque no me ha resultado monótona o aburrida. La trama funciona muy bien por si misma y Tobias Lindholm maneja con maestría y precisión los momentos de sigilo y tensión. Todo se filma entre las sombras porque únicamente en la oscuridad es cuando nuestro asesino se atreve a actuar. Esa fotografía grisácea acompaña con solidez al tono triste y elegante de la obra, aunque puede que en algún momento se haya abusado de la oscuridad.

Para concluir, me gustaría hacer una mención de la crítica política que hace Lindholm, poniendo en evidencia las grandes deficiencias del sistema de salud estadounidense, marcado por su alto coste y por el trabajo forzado y mal pagado al que se encuentran sometidos los empleados.

Inocencia rebelde (Lawn Dogs) me ha resultado una grata sorpresa. Mischa Barton y Sam Rockwell interpretan a una niña aburrida de clase adinerada y a un pobre jardinero, respectivamente, que forman una relación de amistad única y sorprendente. Ambos son extraños e inadaptados. Ambos se han enfrentado a la muerte y han salido victoriosos. Ambos son espíritus libres que buscan la oportunidad de volar. Rockwell como el locuelo de Trent está más que decente, pero quien realmente impacta es Barton con una interpretación genuina y encantadora que impide quitarle los ojos de encima, y hemos de tener en cuenta que tan solo tenía 10 años en el momento del rodaje.

He de reconocer que el ritmo es lento, pero el filme posee una mirada inteligente y satírica a la angustia suburbana que te atrapa. Describe de forma vívida la animosidad de la lucha de clases y la triste situación de aquellos que se atreven a oponerse al conformismo. A su vez, la obra trata de confianza, no de la muerte de la inocencia o de la corrección política enconada que nos rodea y que ve peligro en cada relación no convencional. Realmente se respira una atmósfera más europea que americana en la historia.

Blonde nos trae el retrato ficticio de la mujer que se escondía tras el símbolo, Marilyn Monroe, para mostrarnos que no es oro todo lo que reluce. Esta película se adentra en la figura más íntima y personal de Norma Jeane (nombre real de Monroe) y muestra lo que podría haber ocurrido detrás de las sonrisas y posados perfectos de este sex symbol mundial. La obra parte desde su niñez, pasando por la ascensión al éxito y por sus idilios amorosos, para enseñarnos las diversas ocasiones en las que fue maltratada y explotada a lo largo de su vida, provocando en la actriz norteamericana un sentimiento de debilidad y, en momentos puntuales, de verdadero desquiciamiento.Toda la película en su conjunto es triste, con un aire melancólico y destellos de esperanza de que la rubia de Hollywood pueda encontrar la felicidad.

La fotografía de esta obra es realmente sublime. Mediante cascadas de imágenes y mezclas de atmósferas y tonos, saltos entre escenas en blanco y negro y color, o entre planos en distintos formatos, y con partituras delicadamente lúgubres; se esclarece un mundo perturbador con una Marilyn frágil, vulnerable y atemorizada que se aleja del estereotipo de "rubia tonta" que le acompañó desde su triunfo en los años cincuenta. Aunque este estilo extravagante puede llegar a saturar al espectador en algunos momentos, se ha de reconocer que cumple con creces el fin de difuminar la imagen icónica de una Marilyn Monroe sujeta a los deseos de una sociedad que eleva el mito. En su lugar, se hace hincapié en mostrarnos la cara de una mujer con sed de libertad y grandes carencias emocionales que buscaba desesperadamente sentirse amada. Ahí se encuentra el eje vertebrador de Blonde: la desconexión entre el mito sexual y la mujer que intenta sobrevivir aplastada por él.

Andrew Dominik dirige de forma audaz y valiente un proyecto que no pintaba nada fácil, pues se ha de recordar que la obra original escrita por Joyce Carol Oates tiene más de 900 páginas. Respecto al guión, he de admitir que la continua reiteración del padre ausente y los lamentos por los bebés perdidos me ha llegado a cansar en algunos momentos. Por otro lado, quiero destacar en este escrito el trabajo de Ana de Armas que, con su brillante e hipnótica interpretación de la mujer delante y detrás del mito hollywoodiense, ha sido capaz de mostrar las dos caras de la misma moneda, la Marilyn glamurosa y centelleante en la alfombra roja y la Norma Jean rota y despedazada en sus momentos de dolor e intimidad. Todo esto realizado de una manera tan portentosa que me impide imaginar a otra actriz interpretar a esta leyenda de la historia del cine.