Una vuelta de tuerca a las películas de amor.

Tregua(s) es, como dice su Director, Mario Hernández, una anti historia de amor, donde los enamorados son los infieles, los que engañan (Festival de Málaga, marzo 2023)

Es una película que tiene como escenario el mundo del cine, pero que la puesta en escena es teatral. Con sólo dos protagonistas, en una habituación de hotel, la terraza-bar o una discoteca, con un breve paseo por la calle que rodea la catedral de Málaga.

Tiene un guión muy bien escrito, con situaciones de comedia, excelentemente interpretado, con ese gracejo natural de Salva Reina y con la buena réplica de Bruna Cusí, que también canta una canción completa de forma solvente y emotiva.

La historia plantea una relación clandestina de una actriz y de un guionista que, desde que debutaron en sus oficios y durante 10 años, se encuentran brevemente unos días al año, con la excusa y tapadera de un Festival de Cine, el de Málaga, engañando a sus respectivas parejas, con las que ya tienen una relación consolidada.

Es una historia sencilla, pero profunda, donde su trascendente guión y conversaciones plantean la pasión, los celos, el entendimiento, la complicidad, el cariño enfrentado a la pasión, la necesidad personal de mantener un reducto, una ilusión que te permita ser auténtico o lo que sueñas ser, para dejarse llevar en una fantasía. Es una tregua de pocos días que sirva para mantener el equilibrio en la vida real durante el resto del año.

Lo difícil comienza cuando te dices “Te quiero”. Donde el amor, a veces, es la complicación. No tienes por qué ser feliz porque te hayas casado o porque vayas a tener un hijo. Hay que tener espacio para ser tú mismo o para vivir tu fantasía, es una tregua.
Tal y como explica Mario Hernández, en un momento de la película se dice “no creo en la fidelidad, pero sí en los celos y en la posesión”, mostrando muy atinadamente el guión que no es lo que nosotros queremos sino lo que nos molesta es lo que la otra persona desea y no somos capaces de darle.

La película mantiene muy bien la tensión y la diversión con sólo dos actores en pantalla.
Excelentes diálogos con unas interpretaciones muy a la altura.
Disfrutable.

Un matrimonio, sin dinero suficiente para repatriar el cadáver de su hijo, fallecido en EEUU, para conseguir dinero se hacen pasar por vendedores de videos de dibujos animados de los 80” (Enrique Otero, su director en el Festival de Málaga)

Honeymoon fue presentada en el Festival de Cans (Porriño – Vigo), es una película con mucho acento gallego (secundarios) rodada en Ourense, Coruña y en paisajes de Valladolid y Zamora.

Es una película que sorprende y engancha, tras su aparente sencillez, pero al mismo tiempo tiene situaciones rocambolescas. Unos protagonistas, el matrimonio desavenido, desilusionados, con reproches y hartazgo; unos secundarios enigmáticos, raritos, a veces truculentos.
Una “road movie” con un coche recorriendo carreteras rectas infinitas, unos personajes que se juntan por casualidad, una policía con una actitud ingenua y aparentemente bobalicona, pero sagaz y perseverante, como la de Fargo, en conjunto recuerda un poco a las películas de los Coen.

Lo mejor de Honeymoon, además de las interpretaciones de Nathalie Poza, Javier Gutierrez, María Vázquez y resto de buenos secundarios, es lo sorprendente de su trama. La historia va por caminos que no te esperas y, a veces por rocambolesca, va por vertientes que no hubieras imaginado, sin llegar a convertirse en una historia surrealista ni absurda, sino que mantiene la atención y en la que a veces puedes sentirte reflejado, sobre todo en la relación de la pareja.

Tiene un comienzo dramático, con la pérdida de un hijo por parte de una pareja en declive. Prosigue con situaciones de comedia negra, incluyendo referencias de dibujos animados de los años 80 (Mazinger Z). Es una historia de amor atípica, de un matrimonio distante a punto de destruirse, que sufre la desgracia de perder a un hijo y que esto les lleva a viajar para conseguir dinero y, sin pretenderlo ni buscarlo, quizás se reconcilian. Por el camino una historia impredecible, no tanto por los giros de guión sino por el desarrollo mismo de la trama, siendo a la vez un trhiller, una comedia negra, una road movie y un drama familiar.

“La gente cree que puede empezar de cero cuando quiera, pero la gente es gilipollas”.

La película merece la pena. Distrae, divierte y sorprende.

Esta película de 29 minutos es necesaria y didáctica.
Hace visible el acogimiento familiar especializado: jóvenes que han sufrido desprotección infantil, adversidades, en su infancia y, estando en centros de acogida, pasan a formar parte de una familia en la que por lo menos un adulto tenga formación especializada (psicología, pedagogía, trabajo social) para integrarles en la familia, en la sociedad, e igualmente importante, realizando terapia para reconstruir su vida, protegerles de sus miedos, de sus estallidos, y ayudarles a superar su desregulación emocional, con una especial y constante dedicación de 24 horas los 7 días de la semana, de forma incondicional.

La historia muestra, ficcionando situaciones reales ver spoiler), cómo es una acogida, cómo la decisión implica consecuencias en la familia que lo recibe, en la pareja, pero también en la situación y superación de un joven emocionalmente truncado, con las dificultades del acogimiento (no es una adopción), de la relación con la madre biológica, de los recursos imaginativos y la paciencia, determinación, voluntad y sentido del humor que deben tenerse.
Igualmente la historia contiene la evolución de otra acogida, la del abuelo con su triste viudedad. El abuelo (Ramón Barea) es otro acogido. Además es el que representa la opinión mayoritaria de la sociedad, incluso de las personas cercanas a esta familia, personificando el punto de vista de casi todo el mundo: “¿para qué te metes en estos follones?, ¿qué necesidad tienes de complicarte la vida?” y a través del que finalmente también se muestran las respuestas, la forma de entenderlo y posiblemente aceptarlo e implicarse.

Un punto destacable son las interpretaciones:
- Sobresaliente Manuela Velasco, natural, contundente, traslada emoción y firmeza.
- Ramón Barea, siempre impecable, esquivando su dolor y su soledad
- Raúl Fdez de Pablo que, siendo un secundario, consigue el matiz necesario, porque las pocas ocasiones que entra en escena no puede desafinar, tiene que modular su participación integrándose en la situación de alrededor y en el tono del resto, y lo hace excelentemente.
- Hugo Montilla, el adolescente protagonista, desde su juventud e inexperiencia, es solvente.
- La madre biológica (Raquel Guerrero) hace un papel brevísimo, pero crucial. Con esa mirada que representa la mirada de todas esas madres que pasan una situación similar. Espectacular mirada.
- Y, pudiéndose considerar parte del elenco, la botella !: una bonita botella de vidrio, azul clarito, con un relieve como de pequeños michelines, que cobra importancia cuando explican su cometido de ser un recurso familiar, no sólo para beber agua. (ver spoiler).

Respecto a los trabajos del Director, Santiago Requejo, resaltar la capacidad que tiene para mostrarnos situaciones o cuestiones sociales de las que normalmente no se habla y que son importantes sacarlas a la luz y lo bien que hace empaparse de ellas y plantearla y mostrarlas a los demás. Sin caer en lo que podría clasificarse como cine social o cine denuncia, él sin embargo aporta su maestría con la perspectiva emocional, evitando lo melindroso. Dibuja muy bien a los personajes y es hábil para hacer una velada denuncia social manejando las emociones. Para ello puede verse “Votamos”, “Abuelos” y “24 siete”.

Sin embargo, en esta película es la música la que desentona. Unos violines con demasiado volumen acompañan dos momentos de intensidad emocional. En el instante final llegan a sonar chirriantes. Da la sensación de que no hay confianza en el espectador para que sepa cuándo emocionarse, o que no se fían de la imagen, muy bien rodada, para transmitir la fuerza que tienen.

(sigue en spoiler)

Una mujer contra un mundo directivo de hombres: hoy es culpable porque antaño fue víctima.

“La sindicalista” es la historia real, llevada al cine, de Maureen Kearney.
La historia de esta mujer, fuerte, autodeterminada, con convicciones sobre los derechos de los trabajadores y que físicamente es muy parecida a Isabelle Huppert.

Maureen Kearney, una irlandesa que fue contratada como profesora de inglés de los técnicos y directivos de una multinacional de energía nuclear y que acabó como líder sindical del grupo Areva, defendiendo los intereses de 50.000 trabajadores en Francia. En 2012 destapó las negociaciones secretas con China que implicaba transferencia de tecnología nuclear y la pérdida de empleos, alerta que implicaba a directivos y a políticos franceses y que, al comienzo se la tildaba de locura, manipulación correspondiente a un mundo de hombres que se vió atacado por una fémina, seguidamente comenzó a recibir amenazas telefónicas mientras su marido e hija notaban que eran seguidos y que fue agredida en su propia casa, donde unos encapuchados la violaron, ataron a una silla, la marcaron una A en el vientre a cuchillo, que le dejaron metido en la vagina hasta que le descubrió su asistenta 6 horas más tarde. Lo terrible de la historia no acaba ahí, puesto que en el juicio se puso en duda su testimonio, argumentando que a sus 20 años había sido violada, que en la actual agresión no se encontró ADN, se sospechó de ella como autora de autoagresión y acabó siendo juzgada por denuncia inventada, con la fórmula de que hoy era culpable porque antaño fue víctima, siendo sentenciada con 5.000 euros de multa y 6 meses de prisión. Cuando apelaron, gracias a la ayuda del testimonio de otra mujer a la que habían agredido de forma similar hace unos años, después de que su marido destapara una corrupción en una gran multinacional eólica. Igualmente se demostró que ninguna de las pruebas de ADN recogidas en la escena del crimen no fueron conservados y que las pruebas enviadas al enviadas al laboratorio nunca fueron devueltas y todas desaparecieron y que era imposible que ella se hubiera automaniatado por una dolencia grave que tenían en el hombro. El proceso judicial duró hasta 2018, en que fue absuelta.

No obstante, el devenir siguió su curso, en 2016 se desmanteló Areva y la actividad de los reactores fue transferida a una empresa que sólo conservó 1200 de sus ingenieros técnicos y un par de años más tarde fue absorbida por una empresa china que desde 2020 construye centrales nucleares que vende a todo el mundo, incluida Francia.

La historia está bien desarrollada en la película, Isabelle Huppert es casi “hermana gemela” de la protagonista real, con su tamaño menudo y similar parecido físico, además de ir siempre vestida impecable, más del estilo del colectivo directivo que del sindical, siempre con los labios pintados, con unos pendientes bonitos y originales, sus gafas de colores, su siempre bien peinada melena, muy habitual recogido en un moño en espiral al estilo de Kim Novak que, por cierto, en esta película el recogido tiene su propio plano recordando el de “Vértigo”.

Llama la atención que Isabelle Huppert, siempre más que solvente en su interpretación, a sus actuales 70 años, tenga su rostro permanentemente retocado digitalmente en la película. Su faz no tiene ni una sola arruga, ni pliegue, siempre de un color blanco geisha y que, cuando está al lado de otra persona en cualquiera de los planos de la película, incluida la actriz veinteañera que hace de su hija, éstos tienen los pliegues habituales que dan las facciones y que, por el contrario, se han borrado de la Huppert. Tiene un resultado extraño a la hora de ver la película, donde la protagonista sale casi permanentemente en plano, el que se note tanto que ésta tenga su rostro recompuesto por ordenador.

Acetato de medroxiprogesterona.

El título de esta reseña está elegido por ser algo desconcertante como título y al mismo tiempo algo relacionado con la historia, de forma sutil.

Pablo Maqueda el Director pide que no se destripe nada de esta película, puesto que el argumento tiene varios giros que se disfrutan mucho cuando son del todo desconocidos. Ya solo conociendo esto dan ganas de verla y, por lo tanto, por esa petición de forma personal y directa y por la confianza que nos da a los espectadores, seguiremos su consejo y no habrá referencias al contenido y habrá que explayarse en la forma.

La historia está contada, según otras opiniones, de forma que recuerda a Hitchcock, Haneke o Fincher. En realidad se hace un pequeño tributo a Hitchcock contando pasajes de alguna de sus películas o mostrando admiración por él dando referencias de su apellido. Por mi parte, relacionándolo con otros Directores y seré más entusiasta con lo “nuestro”, haré patria y defensa del buen cine español y, aconsejaré encarecidamente, ver esta película junto con MANTÍCORA (2022), de Carlos Vermut. (disponible en Movistar+, Filmin, Amazon…)

Mantícora me parece una genialidad donde no todo está explicado, deja lugar a interpretaciones, pero la película se cierra al mismo tiempo que abre al espectador un abanico de opiniones para después generar debate. Es Mantícora una película muy disfrutable tanto en el momento del visionado como en las cavilaciones que genera y mantiene después.

Sin embargo, La desconocida, siendo una buena, muy buena historia, no queda cerrada. Por otro lado, y lo más irritante, es que a nivel técnico es algo pretenciosa: tiene varios planos eternos, de más de un minuto, de diferentes elementos, como la cara de alguno de sus protagonistas, de algún objeto (arena de gato, árboles), de un enorme zoom sobre un ojo, una ceja, un abdomen… todo ello se percibe como querer mostrar el virtuosismo del manejo de la cámara o de un montaje modernísimo, de los que últimamente se prodigan entre los nuevos estudiantes de cine, que resta intensidad a la trama y te lanza a pensar “vale, sí, ya me he enterado hace rato de que no llega, sí”…

Por otro lado, la interpretación de Manolo Solo es espectacular, magnífica. Es tan natural que se mimetiza con su personaje y te hace sentir verdadera intensidad en las emociones que van surgiendo de los diálogos y con el avance de la película. Desde los primeros minutos, donde Manolo Solo tiene un monólogo sobre temas variados, su interpretación te atrapa y te genera muchas sensaciones. Es él y su buen trabajo como actor quien da una gran solvencia a los buenos diálogos.

Casi a su altura está la interpretación de Laia Manzanares, que más allá de su aspecto físico, aporta tanto la sensación de fragilidad como de autodeterminación necesarias para su personaje.

Sin embargo, el resto de personajes secundarios tienen, en sus escasas apariciones, unas interpretaciones fingidas, como cantarinas y recitando, que rompen totalmente el clima que consiguen las escenas entre Solo y Manzanares. En el caso de Eva Llorach, actriz a la que adoro, me resulta muy sorprendente que interprete de la manera que lo hace y, conociendo otros de sus trabajos, se deduce que le han pedido que sea así y en realidad no es ella la que defrauda, sino que el resultado ha sido intencionadamente buscado. Es desconcertante verla actuar de esa forma y una pena que sus diálogos tengan un soniquete fingido, salvo en el momento en el pasillo de su casa, en el que sí es todo lo natural que ella consigue habitualmente.

Como curiosidad, la escena inicial de la película está rodada en Madrid en una ubicación que figura descrita en el libro de Fernando Aramburu “Los vencejos” y que, casualmente, estoy leyendo estos días en los que he visto la película y he tenido una sensación entre déjà vu y desconcierto en el que no sabía si estaba inmersa en la película o en el libro. “en La Elipa, cerca de la calle San Donato, en una pequeña área de juegos infantiles. Allá bosteza un dragón verde, bastante alto, invadido de niños. (…) con la boca del dragón formando una especie de repisa pintada de rojo (…)” - Los Vencejos, Fernando Aramburu –

Como reiteración final, muy recomendable ver Mantícora después (o antes) de ver esta película de La desconocida, para tener diferentes puntos de vista, diferentes reacciones que marcan la vida e historias de las personas, ante similares cuestiones, sobre las que no se puede contar más para no destripar.