Las expectativas previas sobre una comedia española cuyo tema central es el sexo o la sexualidad son, a priori, muy bajas. Acostumbrados a los chistes zafios al grito de ¡Que vienen las suecas!, a los evidentes juegos de palabras con doble sentido y a la carne servida en lonchas, la última comedia de Paco León, ‘ Kiki, el amor se hace’ es jugosa, fresca, sensual y muy divertida; todo ello sin necesidad de caer en estereotipos ni darle más vueltas a la manida fórmula de la comedia española repetida hasta la extenuación.

Para empezar, el guión de ‘ Kiki, el amor se hace’ se aleja de lo convencional. La película se divide en cinco historias que se van encadenando entre ellas a modo de gags, la fórmula, es más cómica que cinéfila, y obviamente repara en situaciones exageradas o fuera de contexto, pero el humor casi siempre requiere de estos artificios. Sin ser lo mejor de la película, lo importante es que el guión hace reír, de hecho, puede hacer que te desternilles de risas.

El denominador común de todas estas historias son las filias sexuales que los personajes atesoran, rarezas con sus nombres científicos incluidos (Dacrifilia, Elifilia, Somnofilia o Harpaxofilia) que pone a sus protagonistas en situaciones difíciles. Pero lejos de ser una comedia de enredo, en ‘ Kiki, el amor de hace’ se aborda la temática con cierta sensibilidad y aunque el humor termina aflorando, no es menos cierto que el guión se involucra en la problemática de sus personajes y respeta y asume la condición sexual de cada uno de ellos. ‘ Kiki, el amor se hace’ es además de una comedia, un gran canto a la diversidad, al respeto mutuo y a la comprensión más íntimas de las aptitudes y deseos del ser humano y romper tabúes siempre es algo de admirar en una película.

No encontrarás humor inteligente ni trascendental, pero si algo más fresco y con cierto sentido de la responsabilidad a la típica comedia española, al fin y al cabo, la película emana de ‘The Little death’ y es un remake mejorado de esta comedia australiana que sorprendió a muchos en el año 2014.

Todo esto marca el fondo de la película pero, las formas son aún mejores. ‘Kiki, el amor se hace’ sabe apelar a los sentidos con la cámara. La fotografía es especialmente llamativa para una comedia, las composiciones coloristas, con la fruta en muchas ocasiones como protagonista, la utilización de planos detalle para despertar la imaginación del espectador y una gran iluminación que hace resplandecer los elementos más idóneos para cada escena. Nada ha quedado al azar en el aspecto técnico y se nota un gran trabajo detrás de las cámaras.

El enorme reparto de Kiki

Otro de los grandes logros es el reparto coral con actores ya de sobra conocidos por el público español y que en esta película están incluso por encima de la media de sus actuaciones, especialmente las actrices, sin menospreciar al propio Paco León. Al ser un cruce de historias no hay ningún papel protagónico por lo que pueden elegir a su favorita, por lo general la crítica ha alabado el papel de Alexandra Jiménez en esta cinta, a mi me encandila el trabajo cómico de una Natalia de Molina que parece dominar todos los registros y que parece el presente y futuro del cine español, en ‘Techo y comida’ hace una de las mejores actuaciones de la historia del cine español. Belén Cuesta, Candela Peña o Ana Katz también hacen un trabajo por encima de sus registros habituales, lo que convierte a Paco León en un gran director de actores.

Y a todos estos motivos para ver ‘ Kiki, el amor se hace’ hay que sumar una increíble selección musical tan variada como certera para presentar la película y que te hará buscar en Spotify o YouTube algunos de los temas. Sorprendido especialmente por este tema de Pedrino y Rio llamado ‘Enamorada’.

Así que vayan al cine, hagan el amor, reclamen su orgasmo.

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La imagen de un imaginario Beethoven cruzando un campo de fútbol en un partido de solteros contra casados, bien podría servir de resumen para esta desconcertante, enigmática y elegíaca película de Raúl Ruiz llamada La noche de enfrente, un filme que sorprende, evoca, sueña, pero no podrás hallar un razonamiento, una deducción simple, seguramente porque no la necesita.

“Los espejos no mienten, son las luces las que nos engañan” es una de las premisas de una película donde la lógica se desmorona entre exabruptos. En La noche de enfrente verás personajes imaginarios que imaginan la realidad, muertos que hacen espiritismo para llamar a otros muertos, tiempos que se mezclan y deambulan, siglos que se entrecruzan, relojes que andan a su ritmo adelante o hacia atrás. Situaciones absurdas que se toman como sagradas, surrealismos, objetos imposibles, sueños y mucha poesía… ¿No se la imaginan? Yo tampoco. Porque esta extraña y sutil película rodada como en la distancia, plagada de planos-secuencia virtuosos y un guión que no avanza ni retrocede, si no que se mantiene suspendido en la idea de la muerte y de la vida como un retruécano fílmico, es realmente difícil de empacar en una crítica.

La película rezuma libertad, vive como una retorcida broma hacia al espectador que más que ver, sólo podrá vislumbrar las complejas relaciones que se establecen dentro de una trama fantasmagórica y voluble.

Sólo si escarbamos podremos deducir en cierta medida que es una película sobre la vejez, sobre la certidumbre de la muerte (el personaje principal espera cada día ser asesinado por uno de sus huéspedes) y sobre la futilidad del tiempo. Una temática compleja que Raúl Ruiz engarza de una manera exquisita pero débil, en un conjunto mucho más tendente al lirismo excelso que a la profana realidad.

Muchos podrán ver en estos excesos oníricos y en esas frases altivas, un producto de mampostería, más cercano a una autoafirmación pedante que a un elemento cultural.

Lo cierto es que en La noche de enfrente, hay muy buenas maneras de un veterano director, interesantes secuencias, juegos de espejo, realidades que se ocultan de las cámaras y que aparecen en ágiles movimientos y eso, ya es de agradecer, porque la construcción de cada plano tiene un agudo sentido de filigrana. Otro de los elementos a destacar es el de la sorpresa, en una película donde todo se puede esperar, aunque sea a base de absurdos, ya hay tensión narrativa por saber que truco mortal saldrá de tan agitado guión y eso mantiene y entretiene.

Es por ello que pese a sus ínfulas, su machacona pose intelectual y su ininteligible argumento, La noche de enfrente también puede ser una película disfrutable y elocuente, que deja sensaciones y se labra las retinas ajenas con sus curiosos juegos de cámara y su cuidada escenografía. Un viaje de dos horas en el éter puede llegar a ser agradable porque al fin y al cabo, como se dice en uno de los poemas que se recitan en la película: “No deis a las palabras el derecho de decidir el curso del poema”.

Raoul Ruiz, extensa carrera en la sombra

Raúl Ruiz (Raoul Ruiz para los franceses) ha sido un cineasta brillante, muy popular entre las vanguardias europeas, bien conocido en ciertos ambientes, tratado como un mago en su oficio y como un intelectual entre sus eruditos compañeros cineastas. Sin embargo, un ambiente tan sumamente restringido no le ha permitido tener el favor del gran público aunque sí de la crítica. En los grandes festivales obtuvo un escaso bagaje para sus méritos. Una Concha de plata al mejor director en San Sebastián, un Oso de Plata en Berlín por su contribución artística y cinco participaciones sin premio en la sección oficial de Cannes.

Entre 1964 y 2011 filmó más de 150 películas, principalmente en Chile, Francia y Portugal, ya que desde el golpe de estado de Pinochet en 1973 Raúl Ruiz se exilió a Francia donde a desarrollado la mayor parte de su cinematografía.

Además de esta película, la última, que estrenó posteriormente a su muerte, destacan de entre la obra de Raúl Ruiz películas como Misterios de Lisboa, Las tres coronas del marinero, Klimt o Genealogía de un crimen.
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Eisenstein en Guanajuato es un biopic sobre un personaje soviético, el director fetiche de la revolución Serguei Eisenstein. Conocer esta etapa de la vida de un personaje tan desconocido en lo personal como Eisenstein ya merece la pena. Sus locuras, su pasión por la muerte, su temor al sexo y su personalidad irreverente estalló en México, alejado de la rusa soviética.
La película cuenta este tramo de poco más de un año en la vida del director que revolucionó el cine con la invención de las técnicas de montaje moderno. Durante ese año rodó más de 60.000 metros de película que jamás llegaron a ver la luz tal y como la concibió el director, ya que ese año de frenesí no fue suficiente para dar por concluido el rodaje. Su amigo Grigori Aleksandrov, sería el encargado de realizar un montaje aproximado a la idea que el genio ruso tenía en su perturbada mente y que es la que hoy se conoce con el nombre original de ¡Que Viva México!, la película, rodada en 1931, vio la luz así en 1979. Aunque existen otras cinco películas realizadas con los despojos de ese mastodóntico rodaje, ninguno de ellos fue ensamblado por el propio Eisenstein que murió en 1948.
Guanajuato fue el epicentro de la revolución interior de este director que descubrió en México la sexualidad, la adoración a la muerte, la libertad y la pasión por el dibujo entre otras cosas.
Eisenstein en Guanajuato, cuenta esta historia con el espíritu de Eisenstein, pues si algo tiene de bueno la película al margen del personaje extrovertido y con un punto de majadería optimista, es el montaje.
La cinta de Peter Greenaway tiene una factura moderna, con estética de videoclip en algunos momentos y con un soberbio trabajo de montaje para engarzar de una manera amena y briosa esta locura de historia.
Una historia sin prejuicios, con diálogos cargados de interés intelectual y cosida con maestría que supone sin duda uno de los mejores trabajos de Greenaway ( El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante) y que además sirve para conocer una faceta bastante desconocida del director soviético y recrear parte de ese mágico México de los años 30.

Cuando el cine argentino se pone serio nos deja joyas inteligentes y muy a tener en cuenta. Es el caso de una de las últimas producciones argentinas que ha dado el salto a Europa y se ha podido ver en los cines españoles. En varios países de América Latina la palabra Patota alude a “Grupo, normalmente integrado por jóvenes, que suele darse a provocaciones, desmanes y abusos en lugares públicos”, algo que en España preferimos traducir por el nombre de la protagonista para no darle demasiadas vueltas a la cabeza.

Paulina es la historia de una violación, de una mujer que una noche es atacada por una patota (léase la definición arriba) y que es forzada sexualmente. Siendo este el eje central de la película, el guión tiene un hábil ardid convierte el suceso en la excusa, en el dramático McGuffin para hacer una reflexión política y social, poniendo en jaque a la conciencia del espectador, sembrando dudas, empujando contra las cuerdas los conceptos de la izquierda y la derecha política.

Es pues una película bien aprovechada, con sensibilidad y con un tejido de subtramas muy elaborado y con reflexiones sesudas en torno al suceso que dividirá a un juez que busca la justicia y a una hija que buscará la verdad (tal y como el trailer de la película promete).

Dolores Fonzi (a la que el público español ya conocerá por su papel en Truman) hace un papel magistral y vital para sostener la difícil decisión de la protagonista y hacerlo creíble, una interpretación llena de energía, coherencia y con un guión que el aporta mucho diálogo para conseguirlo, haciendo de la palabra hablada la verdadera esencia de la película.

Santiago Mitre, tiene altibajos en la dirección, tras un comienzo esperanzador con un plano-secuencia narrado en las voces de los dos protagonistas que reflejará los pensamientos antagónicos que a la postre darán consistencia al filme, hay momentos en los que la narración se espesa y otros en la que los acontecimientos se atropellan. El ritmo narrativo y un punto más certero en la dirección artística, separan a La Patota de la maestría.

Aún así, la Patota, se alzó con el premio FRIPESCI en la Semana de la Crítica de Cannes y con 3 premios ‘Horizontes Latinos’ del Festival de San Sebastián. Lo que la convierte en una de las cintas argentinas más interesantes del año 2015 y que se ha podido disfrutar en los cines españoles.

Stockholm fue probablemente la gran revelación del cine español durante el año 2013, una cinta sorprendente, de escasos recursos pero elaborada con mucho talento que, como mínimo, cumple el tópico de señalar que es una de esas películas que no te dejará indiferente. Sus bruscos cambios, sus sorpresas inesperadas surgidas de lo más sencillo, son una ráfaga de viento fresco en el panorama del cine español.

Y es que Rodrigo Sorogoyen tenía mucho que decir… literalmente. Stockholm es una película de diálogos en tres partes, donde se dice mucho pero apenas se cuenta nada. Las pistas de lo que ocurre realmente se dan de forma sutil y en realidad el concepto que cada uno tenga de la historia que se desarrolla puede tener muchas variantes ya que hay mucho de libre interpretación en esa trama tan enigmática y a la vez fabulosa.

Palabras, palabras y más palabras que fuerzan situaciones que te dejan extrañados, pero que entretienen y permiten evolucionar a los personajes. Las palabras, los extensos diálogos son el enorme McGuffin que utiliza Sorogoyen para despistarnos de una trama más compleja de lo que se muestra y que nos deja boquiabiertos con un final inesperado.

En principio Stockholm podría parecer algo extrema en sus ideas, poco verosímil, pero eso solo te sucederá cuando pienses a posteriori en la película, durante el metraje todas las propuestas parecen tener sentido. Es una trampa sí, parole, parole, parole (diría Mina Mazzini) pero a veces es mejor dejarse engatusar, dejarse seducir y esperar el resultado.

La propuesta guionística parece sencilla en un primer momento, chico conoce a chica ella en principio lo rechaza, pero ante la insistencia de él y el encanto que demuestra finalmente accede tras muchas idas y venidas (giros de guión basados exclusivamente en las palabras) a pasar la noche con él. A la mañana siguiente esa relación cambiará por completo.

Y por ahí pasa gran parte de la genialidad de esta película, ese punto de inflexión inesperado que supone el cambio radical de la perspectiva de los personajes. Esa evolución de los personajes hacia su contrario, esa quijotización progresiva y dramática de los personajes, son un logro sensacional para un guión desquiciante, pero interesantísimo que te será una enorme sorpresa para el espectador.

Esta trama basada exclusivamente en los dos personajes necesitaba de dos actores con capacidad de echarse a cuestas toda la película. Y se acierta tanto en él como en ella, los dos jóvenes, con poca experiencia pero muchas ganas hacen interpretaciones más que solventes en unos papeles nada fáciles y fundamentales para que la película salga a flote. Javier Pereira y Aura Garrido pasan con notable la interpretación de sus personajes (y sus antítesis) en situaciones muy diversas que van del amor, al odio, de la tristeza a la alegría de la tranquilidad a la desesperación.

Su interpretación llevó a ambos a obtener galardones por su trabajo en esta película. Mejor actriz Aura Garrido en el Festival de Málaga, mejor actor novel Javier Pereira en los premios Goya del cine español. Dos estatuillas que dan buena cuenta del buen nivel interpretativo de una cinta, joven, fresca, diferente, entretenida y que yo recomiendo encarecidamente.

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