El último trabajo hasta la fecha de Pau Durà es una road movie que transita entre la comedia y el drama. Como buena historia española, cuenta con dos pícaros, dos perdedores a los que la vida les ha sacudido de lo lindo, sin llegar a tumbarles del todo. A pesar de los golpes recibidos, los dos protagonistas saben que aún les queda alguna bala, algún tiro que dar en su triste existencia. Y a ese, quizá, último resquicio, se agarran.

También es una buddy movie, con dos personajes con personalidades contrapuestas. El fullero, disfrutón y vividor Colombo, frente al nervioso, repleto de miedos, Mario. En ese choque de caracteres están algunas de las escenas más jocosas del filme. Y en su conjunto, esa disparidad entre los dos protagonistas hacen de esta una obra entrañable. Desde el primer momento conectas con ambos y a medida que sabes más de sus antecedentes, de dónde proceden y porqué actúan de esa forma, esa conexión aumenta. Entiendes sus traumas, sus tropezones y sus inseguridades y te embarcas con ellos en esa particular huida hacia delante.

De esta forma, como espectador ya formas parte de este singular viaje que nos lleva desde España a Rumania con una primera parada en Turín, Italia. En esta primera etapa con un tercer personaje, el de Elisabetta -una genial Teresa Saponangelo- ,que aporta frescura y que actúa como nexo de unión o como elemento para romper el hielo inicial entre los dos protagonistas. A partir de ese momento, Eslovenia, Hungría y Rumanía serán las siguientes paradas del dúo. Este maravilloso decorado del sur de Europa sirve también para mostrar y denunciar los dramas que se viven no solo actualmente, sino desde hace ya unas décadas en las fronteras.

Y es ahí donde el mcguffin de los pájaros toma su relevancia. Ante la frase de Mario las aves no son de ninguna parte, van vienen y vuelan, como espectador tomas conciencia, una vez más, de la precaria situación que viven muchos europeos y ciudadanos del mundo. La guerra de Ucrania como telón de fondo, refugiados en tierras eslovenas, rescoldos aún muy latentes de la crueldad vivida en la antigua Yugoslavia durante los primeros años de la década de los noventa. Estos ciudadanos no tienen alas para migrar a su antojo, no gozan de esa libertad que tienen las aves y que tanto fascinan a uno de nuestros protagonistas.

Con una banda sonora de Magalí Datzira, que recuerda a las películas de Emkir Kusturica o Angelopoulos y sustentada por la actuación de dos intérpretes sobresalientes, Pájaros se erige como una de los grandes títulos del cine español para este 2024. Una película entrañable y divertida, que te deja un gran sabor de boca y que combina dos géneros como la comedia y el drama sin artificios. Todo en ella es creíble y como espectador, durante algo más de hora y media, te das cuenta de que por muy jodido que esté el mundo, casi siempre habrá alguna corriente que te haga despegar tus alas y poder volar hacia terrenos o situaciones más favorables.

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A medio camino entre la comedia dramática y el cine de terror, Dream Scenario -Kristoffer Borgli- es principalmente un filme de denuncia. De denuncia sobre la sociedad actual, esa de la que todos formamos parte. Con múltiples lecturas, la película pone el foco sobre la cultura de cancelación, el estilo capitalista de vida que llevamos y especialmente sobre las redes sociales.

Desde principios del siglo XXI convivimos con la presencia de las redes sociales y estás han cambiado radicalmente nuestra forma de relacionarnos, de interactuar con los demás. Facebook, Instagram o Tik Tok son hoy parte importante de nuestra realidad. Memes, noticias y videos virales nos aparecen constantemente en las notificaciones de nuestros móviles u ordenadores y esto que, a priori, puede parecer positivo por la inmediatez de acceso a información, muchas veces se convierte en algo muy negativo e incluso nocivo. Especialmente con los vídeos virales.

La película de Borgli se centra en lo pernicioso que puede ser para una persona y su entorno el convertirse en viral. Ya desde un inicio, el concepto de viral es negativo, relacionándolo al virus. En la primera parte de la película, cuando el discreto profesor interpretado por Nicolas Cage se hace popular por aparecer en los sueños de miles de ciudadanos norteamericanos, el tono de la misma es cómico e incluso agradable. Las ensoñaciones en las que aparece Paul Matthews son absurdas e inofensivas.

En la segunda parte de la obra, cuando el protagonista ataca en los sueños, la comedia se torna en drama. Un drama desagradable, incómodo, ya que como espectador asistes al descalabro personal y profesional de una persona que es inocente, que no ha hecho nada. Involuntariamente aparece en los sueños de los demás y cuando estos se tornan en pesadillas, se convierte en un personaje a eliminar de la sociedad, a ser apartado de la misma.

Y para este drama humano, Kistoffer Borgli eligió al mejor actor posible para ello por dos razones. La primera y fundamental, por la calidad interpretativa de Nicolas Cage. El ganador de un Oscar por Leaving las Vegas ha brillado en todos los géneros salvo en el musical, donde por ahora no se ha aventurado. Drama, comedia, acción, terror o bélico han visto al bueno de Nic dar lo mejor de sí mismo.

¿Qué ha hecho películas mediocres para salvar el tipo y sus malas inversiones? Sí, pero eso no es óbice para decir que es uno de los más grandes intérpretes vivos. La segunda razón por la que Cage es perfecto para esta obra es que nadie mejor que él sabe lo que es ser centro de burlas, de cierta persecución a través de memes en las redes sociales.
En este sentido, podemos decir que Cage es el principal baluarte de esta obra. Una película que en la segunda mitad de la misma sufre un cierto bajón y que se mantiene a flote en gran parte por la interpretación de su estrella principal. Un trabajo que mereció sin discusión la nominación al Globo de Oro y que injustamente se ha quedado fuera de la carrera por un Oscar. Su personaje emana grandes dosis de patetismo, principalmente, y ternura, recordando en cierto sentido al papel que interpretó en El hombre del tiempo.

Dream Scenario es un filme realmente curioso y atractivo. Una peculiar muestra de drama, comedia y terror cuya mezcla de géneros sirve como envoltorio de denuncia ante la deriva que ha tomado nuestra sociedad, sin posibilidad de dar marcha atrás respecto a las redes sociales. Una ingeniosa película, que sorprenderá por su originalidad y que hará reflexionar al espectador, acerca de la época dominada por la tecnología y todo lo que se deriva de ella, incluido internet y las redes sociales, junto a esa odiosa cultura de la cancelación que nos ha tocado vivir.

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De amistad habla Kenneth Branagh en Los amigos de Peter. Dentro de su filmografía, quizá este sea uno de sus trabajos más honestos y sinceros. El retrato, durante el último fin de semana del año en vísperas de Nochevieja, un grupo de amigos que llevan sin verse una década, desde que terminaron la universidad aproximadamente. Algunos casados, con hijos, otros solteros en busca del amor, todos ellos con los problemas y preocupaciones del día a día, se reúnen en la mansión heredada del padre de Peter -magnífico Stephen Fry- antes de que proceda a su venta.

Con muchas aventuras y vivencias en común, ya no son los mismos de antes. Tanto el paso del tiempo como los años que han pasado separados hacen mella en sus relaciones. Y sin embargo, el fin de semana que pasan juntos vuelve a revivir la llama del amor, de la amistad. Porque hay amigos que aunque no veas a menudo, sabes que siempre estarán ahí.

Y eso lo dibuja y pone en imágenes Kenneth Branagh de forma magistral. Durante hora y media parece que no pasa gran cosa, un vodevil a veces divertido, otras veces sobreactuado y en algunas ocasiones dramático que, al finalizar el mismo, te deja con muy buen sabor de boca. Y lo que es mejor, días después de haber visto la película te hace reflexionar y pensar en ella, en lo que has visto, en lo que el artista norirlandés te ha contado con tanta habilidad.

Los amigos de Peter comienza con un notable repaso a la década de los ochenta con la canción Everybody wants to rule the world de Tears For Fear -cualquier película que incluya este tema en su banda sonora va mejorar sin ninguna duda- y acaba con un final sobresaliente, conmovedor, que se te agarra al estómago, ahí donde nacen las emociones.

Con un reparto de lujo, que incluye al propio Branagh y a nombres tan célebres de la esfera cinéfila británica de fin de siglo -Emma Thompson, Hugh Laurie o Imelda Staunton- el personaje que destaca por encima de todos es el de Peter, interpretado por Stephen Fry. El actor londinense emana bondad, naturalidad y mucho carisma como anfitrión de la celebración de fin de año.

Un filme notable, en el que muchos se pueden ver reflejados, ya que el paso del tiempo nos afecta a todos y así como nosotros vamos cambiando, en modo de vida, gustos o situación social, nuestras relaciones van mutando al mismo tiempo. Y aunque los años son finitos, duran doce meses, la amistad, esa que es verdadera, es infinita y eterna. Kenneth Branagh y Peter, junto a sus amigos, os mostrarán por qué.

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Basado en un relato corto de Frederic Forsyth, Alfonso Cuarón produce un mediometraje dirigido por el veterano Ian Softley, que durante algo menos de 40 minutos consigue sobrecoger y emocionar al espectador con su certera narración. Con una banda sonora perfecta que acentúa el dramatismo de la historia, Softley impregna de un clasicismo propio de Michael Powell la historia de este joven piloto que se debate entre la vida y la muerte.

Además de la gran carga dramática y emotiva del filme, este es muy potente visualmente. La acción transcurre durante la noche de Nochebuena y durante el 90% del metraje, un perfecto cielo estrellado es el fondo perfecto de la acción. Con una interpretación muy acertada de Ben Radcliffe que en una primera visualización me pareció poco expresivo, pero la segunda vez que vi la película su trabajo me convenció, desesperado cuando intenta buscar una solución y contenido cuando acepta su fatal destino.

Acompañando al joven actor, dos veteranos como John Travolta y Steven Mackintosh aportan su calidad y buen hacer llevando la carga emotiva del filme. Una película, o mediometraje en este caso, que, al ser estrenado directamente en televisión, puede pasar desapercibido y ser rápidamente sepultado en la amplia oferta de diversas plataformas a las que podemos acceder desde nuestros hogares. Esta en concreto se encuentra en Disney+.

El guía es una pequeña joya, entrañable, inquietante y conmovedora. Un relato espiritual que homenajea a todos aquellos pilotos que se jugaron el pellejo durante la II Guerra Mundial y a los que tanto debemos aún hoy en día. Un relato que podría formar parte del recomendable libro escrito por John Geiger -El Tercer hombre- o que podría haber sido un capítulo de aquella recomendable serie encabezada por Steven Spielberg -Cuentos asombrosos-. En definitiva, una muy recomendable opción para disfrutar en estas navidades frente al televisor. Cine de calidad para todos los públicos.

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Si algo tiene el séptimo arte es magia. Que todos tus problemas, preocupaciones o el runrún diario desaparezcan mientras disfrutas de una película, que la ficción parezca realidad y que el espectador pueda viajar hacia momentos del pasado o del futuro solo se consigue con el cine y con la literatura. Ambas expresiones del arte tienen esa capacidad, pero los resultados que consigue el celuloide son instantáneos, inmediatos.
Y en eso de contar historias, Joe Dante era uno de los buenos. Creador de maravillas como Gremlins, El Chip Prodigioso o Matinee, el director estadounidense dotaba a sus trabajos de algo especial, algo que no todos los cineastas poseen, y eso es encanto. El encanto como tal, no existe en las escuelas de directores. O tienes esa capacidad para plasmarlo en tu obra o no la tienes, no hay más. Y como atributo puede no parecer gran cosa desde el punto de vista artístico, desde un punto de vista puramente cinematográfico. Pero puede tapar algunas carencias. Y este es uno de esos casos.

Porque Exploradores tiene muchos puntos débiles. Partiendo de una premisa irreal pero muy interesante e incluso atractiva, el desarrollo de la idea no es acertado. El comienzo es prometedor, pero a medida que avanza se le ven las costuras a la película. De los tres personajes principales -Ben, Wolfgang y Darren-, sobre los que recae el peso de la trama, no están bien desarrollados. Especialmente el caso de Darren, del que al inicio se deja entrever problemas familiares en los que luego no se ahonda, dejando a dicho personaje incompleto. El personaje de Dick Miller, como un piloto de helicóptero, que tiene dos frases con calado que parece que le van a dar más peso en la trama y de repente, desaparece de la misma.

El filme prescinde de cualquier historia secundaria así como de todas las posibles motivaciones de parte de los protagonistas. La explicación a este hecho se encuentra en la sala de montaje, ya que más de una hora fue desechada del montaje final provocando el enfado de Joe Dante. Y aún así, funciona. ¿Por qué? Porque tiene mucho encanto.
Desde los efectos especiales ochenteros a cargo de un maestro en la materia como es Rob Bottin, la banda sonora de un histórico como Jerry Goldsmith y el trabajo de unos intérpretes que se ponían frente a la cámara, Exploradores posee una inocencia que la hacen tremendamente atractiva para el espectador. Este empatizará con la amistad entre los tres adolescentes, inadaptados en el instituto y que encuentran en el grupo que forman la seguridad para afrontar sus problemas diarios. Disfrutará con la elaboración de la nave, con la visita nocturna al desguace y, por último, la parte en el espacio con las divertidas criaturas que encuentran.

Nos encontramos con un filme para relajarnos frente a la pantalla, pasar por encima de los defectos que tiene y disfrutar como un niño. Y quizá para los niños o adolescentes actuales sea difícil empatizar con una obra de este estilo. O quizá no, y ahí resida de nuevo parte de la magia del cine. Sea como fuere, Exploradores es un título a reivindicar dentro, no solo de la filmografía de un autor clave en los años ochenta como es Joe Dante, sino del cine juvenil y fantástico que afloró durante dicha década.

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