Michael Haneke, me resulta tan icómodo y desagradable, como brillante y grandioso. Es el único director que, considerándolo un maestro, prefiero no volver a repetir sus películas. No se queda en lo sutil, sino que profundiza y nos provoca hasta generarnos emociones fuertes. Me pasó con “Funny Games”, donde se recrea con la violencia y la tortura; me pasó con “Amour”, con la decrepitud y el Alzheimer; y vuelvo a tener la misma sensación con “La pianista”, esta vez con una larga ristra de parafilias: fetichismo, exhibicionismo, voyeurismo y masoquismo.

La pianista narra la historia de Erika, una estricta y solitaria profesora de piano en Viena que vive bajo el control opresivo de su madre. La llegada de Walter Klemmer, un joven y atractivo alumno, desata en Erika una destructiva exploración de su reprimida sexualidad y de sus deseos más oscuros. La película está basada en la obra de Elfriede Jelinek, quien ganó el Nobel de Literatura poco tiempo después del estreno de esta inquietante e impactante película.

Isabelle Huppert ofrece una actuación magistral, encarnando a Erika con una precisión escalofriante. Su interpretación de una profesora que exteriormente muestra una fría intelectualidad, pero que se desmorona internamente cuando es seducida por su alumno, es impecable. Huppert logra expresar con sutileza y fuerza la evolución de su personaje, desde la contención hasta la liberación de su sexualidad viciada, con una intensidad que es a la vez fascinante y perturbadora.

Entre otros grandes premios, y a pesar de que no es una película fácil de digerir, La pianista ganó el Gran Premio del Jurado en Cannes.

Por situar esta película en el contexto político, “Missing” transcurre los primeros días tras el golpe de estado de Augusto Pinochet que derrocó al gobierno democrático socialista de Salvador Allende en septiembre de 1973. Parece ser que Estados Unidos, enfrascado en plena Guerra Fría con la Unión Soviética, era completamente reticente a la oleada de gobiernos de izquierdas que proliferaban en Latinoamérica, por lo que no dudó en ayudar en el levantamiento del General Pinochet. Sin embargo, más allá de la reticencia ideológica, obviamente, el interés que el Gobierno de Nixon tenía en defender las inversiones de las multinacionales americanas extractoras de cobre en Chile, tras la reciente nacionalización de Allende, fue el importante percutor para que apoyara al dictador durante 17 años. Costa-Gavras denuncia en 1982, sin ningún tipo de sin pudor, la intromisión de Estados Unidos en el conflicto (recordemos que la dictadura acabó en 1990).

Yéndonos a la trama, la película de Costa-Gavras trata de la historia real de la desaparición en el país andino del estadounidense Charles Horman, aspirante a escritor y convencido socialista. Se centra en la desesperada búsqueda de su padre, Ed Horman (interpretado por Jack Lemmon), quien viaja a Chile para encontrar a su hijo con la ayuda de la esposa de Charles, Beth (Sissy Spacek). A medida que Ed y Beth se enfrentan a la indiferencia y la complicidad de las autoridades estadounidenses y chilenas, descubren una red de encubrimientos y corrupción que pone en evidencia la implicación del gobierno de los Estados Unidos en el golpe. Asimismo, Ed va cambiando su opinión sobre la postura política de su hijo, y va tomando conciencia social.

Pese a lo interesante que me ha resultado conocer la historia y, sobretodo, el contexto histórico, la trama detectivesca me ha resultado algo plana, muy lineal en su esfuerzo de darnos un mensaje político claro. Es cierto que el film describe perfectamente la asfixiante búsqueda de Charles, gracias a unas correctas interpretaciones de Jack Lemmon y la bella Sissy Spacek. Ambos muestran su desesperación, su ira, su impotencia… sin duda me parece lo mejor de la película. Pero francamente me ha resultado predecible y nada impactante, por lo que en algún momento me ha resultado algo monótona. Asimismo, el hecho de que esté casi exclusivamente centrada en la trama estadounidense y que se limite a representar la situación chilena como un conflicto entre “buenos” y “malos” (por otra parte, tan típico de los años ochenta), le resta profundidad a la película.

Así que no la considero una obra maestra ni mucho menos, pero me ha resultado interesante conocer más sobre este hecho en particular y, sobretodo, de cómo se planificó el Golpe de Estado en Viña del Mar, de la participación de los Estados Unidos, etc.

En "Cisne negro", dirigida por Darren Aronofsky, somos testigos de un turbulento tour de force a través de Nina Sayers (interpretada por Natalie Portman), una bailarina de ballet que lucha por alcanzar la perfección en su arte. La trama se desarrolla en el competitivo mundo del ballet, donde Nina obtiene el papel principal en la producción de "El lago de los cisnes". Sin embargo, su ascenso al estrellato no será sencillo: la presión de su madre (Barbara Hershey), la rivalidad con la bailarina Beth (Winona Ryder) y la llegada de una nueva bailarina, Lily (interpretada por Mila Kunis), quien encarna la liberación y la sensualidad que Nina reprime. A medida que Nina se sumerge más en el papel doble de cisne blanco y negro, comienza a perder el contacto con la realidad, enfrentándose a la oscuridad de su propia mente.

Con "Cisne negro", el director sigue fiel a su estilo, presentándonos otro personaje complejo inmerso en una lucha interna contra sus propios traumas con un deseo autodestructivo. Además, Aronofsky se recrea magistralmente en el montaje rápido, como también viéramos en “Réquiem por un sueño”, lo que nos mantiene atrapados frente a la pantalla durante sus 110 minutos de duración. Como es característico de su cine, constantemente nos presenta símbolos y alegorías que añaden profundidad y complejidad a la narrativa.

La actuación de Natalie Portman en el papel principal es verdaderamente extraordinaria. Como señala hasta la saciedad su entrenador en la película, Vincent Cassel -quien dejara escapar a la Bellucci-, Portman encarna con maestría la dulzura y la fragilidad del cisne blanco (mientras que su psique se esfuerza en mostrar la oscuridad y la sensualidad del cisne negro). Su interpretación es intensa y bien mereció los numerosos premios y halagos que recibió (entre otros el premio gordo de la Academia).

En resumen, "Cisne negro" es una obra estelar del cine contemporáneo que combina a un excelente director de género, con una actuación excepcional y una narrativa fascinante. Personalmente, considero que es una de las películas obligatorias del siglo XXI, que merece ser vista y apreciada por su profundidad y su impacto emocional.

La frase de apertura de Coppola en Cannes: "Esto no es una película de Vietnam, esto es Vietnam", resuena con una intensidad que define perfectamente la esencia de "Apocalypse Now". La película no solo se sumerge en los horrores de la guerra de Vietnam, sino que también desciende a las profundidades de la psique humana en medio del caos y la degradación que caracterizan cualquier conflicto bélico. Esta obra maestra cinematográfica explora la barbarie y la degeneración que afloran en un entorno donde la civilización parece desvanecerse, no sólo con Kurtz, sino también con Bill Kilgore (un espectacular Robert Duvall), más preocupado por surfear que por las vidas humanas... aunque los ejemplos serían interminables.

La trama de "Apocalypse Now" se desarrolla en 1969, durante la guerra de Vietnam. El coronel Kurtz ha perdido la cordura y se convierte en un líder divino para sus tropas en Camboya. Ante la preocupación creciente por las acciones de Kurtz, se envía al capitán Willard para asesinarlo, lo que desencadena un viaje en barca remontando el río Nung, hasta encontrarlo.

El rodaje de "Apocalypse Now" estuvo plagado de complicaciones. Desde los tifones que amenazaron el set hasta el despido de Harvey Keitel después de no cumplir con las expectativas. Keitel fue reemplazado por Martin Sheen (Ramón Gerardo Estévez, el hijo predilecto de Parderrubias, Galicia). Éste sufrió un infarto durante el rodaje, lo que llevó a su hermano Joe a intervenir en algunas escenas. Para añadir complejidad, Marlon Brando, en el apogeo de su megalomanía, se negó a filmar escenas con Dennis Hopper (por cierto, Coppola se reunía de nuevo con él y con Robert Duvall después de “El Padrino”).

Cuenta el documental “Corazones en tinieblas” de Eleanor Coppola (la esposa del director) que el consumo de cocaína y speed entre el personal era frecuente para soportar las largas jornadas de filmación.

El proceso de montaje fue una hazaña en sí mismo. Una anécdota interesante es que la escena inicial del bombardeo con napalm acompañado por "The End" de The Doors fue rescatada en el último momento, así convirtiéndose en uno de los iconos del género bélico más importantes del séptimo arte.

"Apocalypse Now" recibió numerosos premios y reconocimientos, incluidos dos premios Oscar por sonido (por favor, escuchadla bien alta y notad como se eriza el vello con las Valkirias) y fotografía, junto con otras cinco nominaciones. También ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes, entre otros muchos galardones.

Regada de un difícilmente replicable elenco que incluye a Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall y jóvenes talentos como Lawrence Fishburne, Dennis Hopper y Harrison Ford, pero como ya he comentado, Duvall sobresale en su rol como Coronel Kilgore.

Personalmente, considero "Apocalypse Now" como una de las decanas del cine bélico del siglo XX. Una obra maestra profunda sobre el caos y la locura en el conflicto armado que se convirtió en una pesadilla para los americanos.

"La Vida de Adèle" se sumerge en la vida de una joven llamada Adèle, explorando con intensidad y profundidad su búsqueda de identidad y su descubrimiento del amor. Inspirada en el aclamado cómic "El azul es un color cálido" de Jul Maroh, la película nos lleva a través de los capítulos 1 y 2 de esta obra.

La producción de la película estuvo envuelta en controversia. El director, Abdellatif Kechiche, optó por un método de rodaje extenuante, que incluía repetir las tomas más de 100 veces. Este enfoque meticuloso, aunque contribuyó a capturar cada detalle con precisión, también llevó a tensiones en el set, manifestadas incluso por las dos actrices protagonistas. Seydoux , en particular, ha expresado públicamente su dificultad para reconciliarse con el director debido a las exigencias del rodaje.

Una de las escenas más comentadas y polémicas de la película es su representación explícita y cruda del sexo lésbico, que se extiende a lo largo de diez minutos. Esta escena, aunque controvertida, es notable por su sinceridad y realismo, añadiendo una capa de autenticidad a la exploración de la sexualidad y el deseo en la pantalla.

Destacando entre las controversias y los desafíos de producción, brilla la actuación de Adèle Exarchopoulos. Como una intérprete primeriza en ese momento, Exarchopoulos sorprendió a críticos y audiencias por igual con su interpretación visceral y emotiva de Adèle. Su capacidad para transmitir la complejidad emocional del personaje cautivó a la audiencia, convirtiéndola en el corazón palpitante de la película.

A pesar de los desafíos, "La Vida de Adèle" cosechó un éxito considerable, tanto en la crítica como en los premios. Desde la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes hasta los premios BAFTA y Goya. Su resonancia duradera y su impacto cultural siguen siendo evidentes, consolidando su lugar como una obra maestra moderna del cine.