Una de las cosas que más me fascina del cine francés es su capacidad de hacer retratos sociales duros y críticos sin morderse la lengua, con visión documental sin apartarse nunca de la ficción propia del cine. "El odio" es el mayor ejemplo de ello. Es una de las mejores películas europeas de los 90, se ha convertido en película de culto por méritos propios, está impregnada de la reputación y credibilidad hacia cualquier relato fílmico que confiere la buena utilización de la fotografía en blanco y negro, y además posee descaro y atrevimiento.

Acentúa el realismo con marcadas interpretaciones de actores nóveles (algunos de ellos vivían en esos barrios marginales que sirven de escenario en la película), encabezados por un entonces desconocido Vincent Cassel, por cuya sobreactuación contenida siempre he sentido simpatía. Los tres protagonistas simbolizan el odio (Vince), la razón (Hubert) y la indiferencia (Saïd), desencadenando enfrentamientos entre ellos (como la escena del baño donde todo el equipo se gusta a sí mismo) bastante lucidos. Las desventuras de estos personajes describen el fenómeno "swarming" como ninguna otra película que haya visto.

Aparte, invita a la reflexión y no se desborda a la hora de entrar en el campo pedagógico. La película resta importancia a dónde van a acabar los personajes ni hacia dónde se encaminan, sino que según avanza en el relato reta al espectador a descubrir dónde y cómo comenzaron sus idas y venidas, de dónde surge tanta violencia.

La superficie del relato la copan los recursos de cámara efectistas, los diálogos ácidos con un lenguaje soez a más no poder, con la sorpresa de un guion que no permite ver fisuras, y su capacidad predictiva. Desde luego es una película dura en su justa medida, con una planificación casi de sucesión de sketches, y con un delirio que se agradece.

Es la película más atípica pero más personal que jamás ha realizado Tim Burton, en la que cuenta las desventuras del catalogado como peor director de la historia del cine. Alejándose del biopic estándar, Tin Burton no ensalza la figura de su héroe, ni le desmitifica, ni siquiera intenta mostrar respeto o repulsión hacia él, simplemente se limita a contar su esencia, sus estravagancias y sus no pocas torpezas a la hora de trabajar en el cine, y cómo gracias a ellas se transforma en un personaje de lo más estrafalario y exótico.

Siendo algo tan particular y tan marca de la casa el humor negro y el afán por lo grotesco en el director, aquí no iba a ser menos. Pero los utiliza alejándose de sus mundos góticos y negros y los transporta a un mundo mas expresionista y real, y a la vez irreal, como lo son los estudios de Hollywood de los años 50. Esta película no es otra cosa que un canto de amor al cine y a su oficio, y curiosamente se lleva a cabo a través de un chapuzas y un freak como lo era Ed Wood.

Cada escena rebosa inteligencia, los chistes, diálogos y guiños tienen genialidad desbordada, y el elenco es insuperable. Johnny Depp está en el mejor papel de su carrera. Quizá no el más recordado ni admirado, pero sí que es el trabajo donde mejor demuestra lo capacitado que está para interpretar a personajes raros y singulares sin caer en lo absurdo ni en la sobreactuación. Y Martin Landau "es" Bela Lugosi. Uno de los mejores momentos es la conversación entre Ed Wood y Orson Welles, los dos extremos del cine. O la escena del pulpo gigante, genialmente patética.

Tiene un toque de magia que me gusta mucho. Está llena de entusiasmo y optimismo, y carece de aburrimiento. "¡A positivar"!, ya solo por esa frase dicha por Ed Wood habiendo rodado escenas sea como sea, y por lo ojipláticos que deja al resto de personajes, merece la penaser vista.

Pese a tomarse sus licencias respecto al cómic en el que se basa, "V de Vendetta" se erige como una odisea ideológica y política no carente de polémica, nada subliminal, y que en ningún momento esconde sus cartas, y que se beneficia de un romanticismo y de un poder perturbador que hipnotiza desde la primera escena. Es un blockbuster palomitero cuya fuerza no está en las explosiones, en las escenas de acción ni en artefactos de ningún tipo, sino en su mensaje, en sus diálogos y en sus ideas.

El mensaje es claro y directo: el mundo que habitamos es políticamente incorrecto, permanentemente amenazado por el terrorismo, del cual los gobiernos se benefician para campar a sus anchas en nombre de "la libertad" y en nombre de "la paz". El héroe de la película se presenta a nosotros como un vengador que pretende derrocar a un gobierno cuyas armas no difieren mucho de las de un terrorista, como "V" es tratado: el miedo, la opresión y la dominación de las masas a través de los medios. A medida que avanza, la película sostiene la incómoda posición de proclamar a un terrorista como liberador del pueblo, y lo hace sin flaquear en ningún momento, sin ceder en ningún momento hacia mensajes mas agradables.

Hasta el estreno de "Cisne negro", estamos ante el mejor papel de Natalie Portman, niña prodigio tras "León: el profesional" y que aquí se rebela como una de las mejores actrices de su generación. Magnífico Hugo Weaving, capaz de imprimir una personalidad señorial y cautivadora a "V" sin necesidad de mostrar en ningún momento del film su rostro. Unos personajes ambiguos, tan capaces de hacer que les amemos como de hacer que les tengamos verdadero miedo (la jugarreta de "V" a Evey para que ésta se implique definitivamente con él da pavor, en una de las mejores secuencias de la película). La química entre ambos es extraordinaria. Quizá está desaprovechado el personaje como villano de John Hurt, aunque es cierto que la película trata como antagonista al propio régimen al cual lidera, y no al propio tirano.

Es una película necesaria, sorprendente, polémica y analítica con el modelo de sociedad hacia el que nos dirigimos. Quizá le falte ambición, pero eso no le afecta para conseguir ser una película maravillosa, caótica, perturbadora y admirable, y que se arriesga a generar detractores por la fuerza y convicción del juicio al que somete al espectador. En ningún momento se acompleja por ello, así que "valiente", con V, es la palabra que mejor puede catalogarla.

A grandes rasgos, estamos ante una película grotesca, desmesurada, surrealista y freak. ¿Qué hace interesante este macabro cuento? Hay que escarvar para encontrar las delicias de esta obra. La trama no es lo mas merecedor ni los mas atractivo, quien se quede ahí no entenderá nada. Aquí lo que importa es el mensaje y la forma en que nos lo hace llegar el señor De la Iglesia, que parece que vuelve a estar ágil y atrevido. El juego que se nos propone se acerca mas a la forma de las metáforas sarcásticas y rotundas de la poesía de Quevedo que a la del esteorotipo de guión moderno.

Lo que nos cuenta esta "Balada triste..." es la historia de un circo donde compiten dos payasos, enamorados de la misma hembra. Uno de ellos violento, cicatrizado y herido, que hace sufrir a la hembra desde no se sabe cuando, pese a lo cual esta mujer le adora de forma sadomasoquista; el otro, lloroso, vengativo, autodemacrado, quiere conquistar a esa mujer a la que ve sufrir sin que nadie haga nada, y ella le adora igual que al primero. Pero no sabe decantarse por ninguno por miedo a perder al otro. El primero, el payaso tonto, el que siempre se sale con la suya, y el segundo, el triste, objetivo de sus chistes. Las dos Españas, caricaturizadas como unos payasos llenos de locura y envidia mutua. Simplemente genial.

Hay momentos de gran cine, desde el poderoso inicio (con unos títulos de crédito magistrales), el tránsito a la locura del payaso triste (si es que en algún momento no convivió con ella) huyendo como vino al mundo por el bosque, cualquier escena de Antonio de la Torre, el atentado a Carrero Blanco, o el magnífico, arriesgadísimo, disparatado, apoteósico y canalla final. Incluso en propio director se marca algunos homenajes: hay escenas que me han recordado a "Mirindas asesinas", a "El día de la bestia" y a "La comunidad". A destacar la fotografía y las caracterizaciones, muy logradas. Y dentro del guión,
el doble sentido de algunas conversaciones y de algunos pasajes son para enmarcar.

No es una película de venganza, ni de amor, ni de odio. No busqueis el drama griego donde no lo hay. Es una película sobre el absurdo de un confrontamiento nato, demasiado arraigado como para volverse atrás, que carece de explicaciones lógicas, una lógica que solo se puede encontrar en el fondo surrealista de todo el enclave. Al final, lo mas lógico es que tras tanta paranoia, ambas partes acaben llorando.

El cine coreano tiene un potente sentido de la seducción. Hace que todo parezca posible, que todo sea viable, por absurdo que parezca, por retorcido que sea lo que cuenta, por increíbles que sean las imágenes que nos muestra, lo hace posible. Y eso ocurre también en Old Boy, exagerada y fantasiosa a mas no poder, nos ciega e hipnotiza como al propio Dae-Su, protagonista de la trama, le ocurre en el primer giro de guión, geniales todos ellos, por cierto, tras 15 años de confinamiento sin saber el motivo de ello.

A partir de ahí, nos esperan varios minutos de perturbación, el espectador permanecerá noqueado durante toda la trama en la que se suceden momentos violentos dignos del mejor cine japonés, compensados con escenas mas íntimas dignas del mejor cine francés, pero sin escrúpulos ni prejuicios. Estamos en una película que gira en torno a una venganza, aunque el giro final nos sugiere que nos hemos centrado en la venganza equivocada, y gira en torno a un enigma: ¿qué pecado cometió nuestro desafortunado protagonista para recibir un castigo tan desproporcionado? Este antihéroe se embarcará en una serie de misterios que le llevarán a rememorar su pasado, y a desvelar a su enemigo, y a preguntarse qué desea más, si vengarse o averiguar el porqué de su castigo.

Old Boy posee una bellísima puesta en escena moldeada por una banda sonora cautivadora, aderezados por situaciones violentísimas e impactantes, perfectamente rodadas y elaboradas, con unos movimientos de cámara que se quedan marcados en la retina, con un montaje muy elaborado, un elegante estilo visual, y con momentos del mejor cine reciente. Posee todos los ingredientes para ser un clásico. Además de sumergirse a su antojo en varios géneros, con un resultado sorprendente. Y resulta muy inteligente lo sugerente que es su guión, haciendo referencias a historias ya conocidas por el espectador, proponiéndole bases argumentativas ya vistas, y finalmente llevándole por caminos divergentes, logrando el impacto que pretende.