“Para mi estilo, para mi visión del cine, el montaje no es sólo un aspecto: es el aspecto. El concepto de “dirigir” una película es un invento de críticos como ustedes (Cahiers du Cinéma). No es un arte, o en el mejor de los casos, es un arte sólo un minuto al día. Ese minuto es terriblemente crucial, pero se produce muy raramente. El único momento en que uno es capaz de ejercer control sobre la película es en el montaje. Las imágenes en si mismas no son suficientes. Son muy importantes, pero sólo son imágenes. Lo esencial es la duración de cada imagen y lo que sigue a cada imagen: lo que otorga al cine toda la elocuencia es que se gesta en la sala de montaje”

Orson Welles.

La importancia que le daba el director de "Mr Arkadin", a la post-producción, era fundamental, para poder llegar a la visión de su obra..., la diferencia entre la presente obra y otras como "La Dama de Shangai", por dar un ejemplo, en donde el propio Welles por diferencias con el montaje no puso su nombre como "director", es que el recorte, impuesto por los productores de susodicha obra, tomaba como base el montaje original de su autor, en este caso, Jess Franco, sin tener referencias concretas de los deseos de Welles, editó la película a gusto suyo, si uno ve la obra de Welles en general, tenia un gran gusto por el montaje vertiginoso en este tipo de producciones más independientes. El trabajo de Franco es muy pasivo, no hay una mirada del autor sobre el material de base. En “F for Fake”, Welles toma materiales filmados de distintas índoles: archivos, proyectos nunca concretados, y material adicional para a partir de ahí construir un único discurso. El problema de "Don Quijote" es que Welles encontraba el lugar de sus poderosas imágenes a medida que editaba. El montaje de Franco sobre el material de Welles, da la sensación de que Franco sólo puso las imágenes pero no le dio ni el orden, ni la forma que tendría que tener una obra del autor de “Otelo”. La película sobrevive al poderío de las imágenes, pero son imágenes que le falta la mirada del Genio.

La película tiene una estructura anacrónica parecida a "The Killing" de Kubrick, se podría decir que a partir de su primer largo hasta llegar a "Hi, mom". con otras dos películas en el medio, el joven De Palma fue aprendiendo el oficio. Un De Palma muy experimental, se podría decir que al igual que utilizó muchos formatos para llegar a construir un solo discurso, De Palma en sus comienzos fue construyendo muchas películas experimentales, teniendo muy de cerca las ideas de Godard y posteriormente de Hitchcock hasta encontrar su propia identidad, en donde al igual que muchas de sus obras el "qué" no importa, sino el "cómo".

Las primeras peliculas de Welles, como "Citizen kane", "La dama de shangai", "Sed de mal" o "Macbeth", utilizaban mucho el plano secuencia, y el montaje era más sobrio. Con "Otelo", y la pelicula que nos ocupa. Welles utiliza un montaje mucho más vertiginoso, con cortes mucho más bruscos. Esto, tal vez, se deba a la falta de presupuesto, a los problemas para financiar sus films, a la falta de tiempo, esto no quita que Welles siga siendo moderno. La idea original era darle una estructura en plan "memento". Los dos film tocan el tema de la memoria y la identidad.

A veces me sorprende cuando tildan a este señor de fascista como si ser de derecha o conservador fueran sinónimos, como he dicho en otras críticas sobre sus films, Friedkin no utiliza ni recursos de montaje o sonidos (ejemplo: música) para decirnos qué debemos pensar de sus personajes a diferencia del film de Lumet. Friedkin nos cuenta la historia con distancia a medida que la progresión dramática va creciendo. Si en “Cruising” utilizaba travelling, paneos, cámara en mano, con constantes cortes en movimientos, para utilizarlo a través del montaje como ojo voyeur, en este film utiliza muchos planos largos (en cámara en mano) y lo montó con tal sencillez que acrecienta el tono documental de la obra, dando la sensación que el material está en crudo y la narración es tan distanciada de sus personajes que pareciera que no hubiera intermediarios entre el público y los personajes. Esa es la gran diferencia entre la original y la remake. La de Lumet es manipuladora, constantemente busca guiar al público y decirnos qué está bien y qué está mal. La gran película de Lumet tiene el problema que sus personajes parecen títeres de la estructura, como por ejemplo cuando todos le dan la espalda al racista, mientras que los de Friedkin son más naturales, más humanos. Un film debe ser juzgado por sus intenciones y resultados, no me molesta que en una obra haya cierta artificialidad en cuanto al relato y los personajes que los componen, pero creo que Lumet buscaba decirnos la verdad de las cosas, pero la cuestión es cómo nos dice Friedkin en su remake, nadie es dueño de ella.

Mctiernan es uno de esos directores dentro de la industria americana que ha demostrado a lo largo de su carrera que todas sus películas tienen su sello. Si Douglas Sirk a lo largo de su carrera se dedicaba a hacer remakes y encargos, de los cuales nunca le dejaban hacer lo que quería, pero siempre salía triunfante, el director Mainstreim también corría con la misma suerte. Rollerball es un film interesante, pese a hacer masacrada en el montaje por los productores, pese a recibir el desprecio mundial tanto del público como de la crítica. Jonathan Cross es un típico héroe Mctiernano, un hombre común que se encuentra en una situación que lo supera, pero que siempre al igual que las caricaturas de la Warner se reía de las disparataras aventuras en las cuales se involucraba, como el John McClane de las “Die Hard” Mctiernanas, como Arnold en “Predator”. Los típicos problemas de parejas están patentes en esta obra como a lo largo de su filmografía, porque detrás de las secuencias de acción, de la violencia, hay una historia de amor que va creciendo. Sus recursos narrativos están presentes, zoom, mucha cámara en mano, cortes violentos. Puede ser que debido a que los productores metieron mano en la película, la obra flaquea en cuanto a los cortes, pero los encuadres son tan potentes, tan desequilibrantes. He leído críticas con respecto a las actuaciones del film que me parecen desacertadas, el personaje de Jean Reno es una caricatura y eso es algo completamente a propósito, es como el cazador que sigue al conejo Bugs Bunny, es algo totalmente camp, la elección de actores probablemente no sea adecuada, pero los autores que trabajan dentro de la industria con presupuestos tan altos no siempre pueden elegir a sus intérpretes, pero Mac logra acertar y maniobrar con el material que tiene presente. También me parece vacía utilizar la palabra “aburrida” como si todos tuviéramos la misma concepción del término con las mismas películas. Con respecto al vacío presente en el argumento no me resulta molesto, muchas grandes películas se han hecho con tramas carentes de contenido como casi toda la carrera de Lucio Fulci con una cercanía más onírica o pesadillezca por supuesto. El cine no sólo está compuesto por el relato, un director tiene todo un arsenal de instrumentos (fotografía, montaje, sonido, etc) y la historia no siempre es lo más importante sólo puede ser una excusa argumental para experimentar con nuevos métodos narrativos. Probablemente es su tratamiento sea su film más experimental, un hombre que se arriesga por buscar nuevos caminos dentro de un cine mainstreim tan conservador debe ser aplaudido, pero parecen que las modas de atacar ya sea una pelicula o un director nunca se van a borrar. Por ironías del destino el director se convirtió en uno de sus héroes un hombre común vapuleado, subestimado, traicionado, pero que pese a lo que pese, siempre se levanta porque cree en la esperanza.