El nuevo trabajo del guionista y director Todd Field busca cuestionar la figura del ser artista en pleno 2022, y para analizar esa idea, la obra cuenta la historia de una célebre directora de orquesta y compositora que se encuentra viviendo una crisis existencial. Cate Blanchett es simplemente excepcional en este enigmático estudio de personaje, uno que nos sumerge en el mundo enrarecido de su protagonista, confiando en que podremos navegar mientras describe el funcionamiento interno de una vida que se deshace lentamente.

TÁR es una fascinante apuesta que te cautiva desde el primer momento y no te suelta, es una obra que se cocina a fuego a lento para llegar a un tercer acto que impresionante y, sin embargo, esta es esa película rara sobre una persona creativa que no se siente ni autocompasiva ni engreída. De hecho, una de las grandes fortalezas de la película es que nunca queda del todo claro qué piensa Field acerca de su complicada protagonista, no sabemos si la ama o la odia.

La cinta arranca con una entrevista que tiene el personaje de Lydia Tár, donde escuchamos al presentador decir que ella es una ganadora del EGOT, que vive en Berlín con su pareja Sharon (Hoss) y su pequeña hija Petra, al mismo tiempo sabemos que es una grande del mundo clásico y que se prepara para presentar una ambiciosa interpretación de la Quinta de Mahler.

En los primeros actos de la cinta vemos como Field sigue a Lydia mientras ensaya con su orquesta, consulta con su leal asistente Francesca (Merlant) y hace malabares con sus responsabilidades como madre y amante. En esos primeros tramos, la película tiene logra darnos una precisión casi clínica sobre como es el mundo de Lydia, donde la vemos codeándose con escritores del New Yorker o maniobrando con elegancia tanto en la política de la oficina como en las conferencias universitarias, donde crea un debate sobre la figura de Bach.

Los giros de la trama están muy bien desarrollados y hacen que la película tome un camino inesperado, como tocando las redes sociales y la cultura de la cancelación, al que le da un peso bastante crítico. TÁR está refrescantemente, desprovista de comentarios reaccionarios e instintivos, en cambio, investiga las formas en que los artistas contemporáneos en la esfera pública enfrentan críticas sobre su comportamiento de una manera que las generaciones pasadas no lo hicieron.

Lo más rico de la película es que Field en lugar de construir una gran declaración sobre dichos temas, utiliza la figura de Lydia para crear una reflexión contemplativa sobre lo que impulsa la creatividad y cómo las personas con defectos se esconden o no detrás de sus creaciones.

Disney vuelve a buscar en sus antiguas fórmulas de éxito para crear una nueva franquicia, la pregunta que nos hacemos es si realmente funciona, y de entrada tengo que decir que “Jungle Cruise” no es la brillante aventura que uno espera como lo fue la primera entrega de Piratas del Caribe, pero tampoco es una cinta que se pierda en el extenso contenido de la casa del ratón, es un filme que se sostiene sólidamente, en especial en el encanto que transmite Emily Blunt.

Jungle Cruise viene de una atracción de un parque temático Disneyland, el juego es un viaje en barco por un río en el que los visitantes se sumergen en una “jungla” y observar animales animatrónicos, donde hay que reconocer que la cinta mantiene dicha esencia y logra sostenerse como una pieza de entretenimiento, donde al final nos dejan una mezcla entre Piratas del Caribe con Indiana Jones.

La película inicia brillantemente, los primeros 20 minutos son entretenidos, donde Blunt muestra todo el carisma para atrapar al espectador y la química con el personaje de Jack Whitehall es la cereza perfecta para que uno logre comprar el boleto al crucero.

Aquí, Emily Blunt interpreta a Lily Houghton, una científica británica altiva e idealista, frustrada por el sistema opresor masculino del Londres de 1916. La mujer está interesada en demostrar una supuesta leyenda que le había contado su padre, lo que la lleva a hacer un viaje a las amazonas brasileñas para encontrar el “Árbol de la Vida”; y así conoce a un capitán pícaro y cínico con un corazón de oro llamado Frank Wolff, interpretado por Dwayne Johnson, tengo que hacer la mención que esta es la película es donde ha estado mejor el actor, pero la verdad es que él es el eslabón débil de la cinta, pero logra crear una química con Blunt y Whitehall.

Después del encuentro entre los personajes y mostrarnos el curso de la cinta, Jungle Cruise cae en todos los posibles rincones de una cinta de Disney y de aventuras como un romance, chistes de citadinos en las junglas o villanos sin mucho desarrollo.

Hay un detalle en particular que tiene el filme, que es como caracteriza tanto al personaje de Whitehall y al de Dwayne Johnson, en una escena en específico McGregor le explica a Frank, mejor dicho, en una conversación indirecta sobre cómo no ser como otros hombres, pero el tema nunca se vuelve a plantear, la cinta expone a medias que el personaje es gay pero no lo ejecuta abiertamente, Disney manteniendo las líneas de resistencias sobre los valores familiares de la compañía.

Pero como mencione al inicio la cinta no va por ningún lado de esos, y solo busca entretener, cosa que se agradece. Aquí lo que tenemos es una fórmula de aventuras con mucho CGI (en algunos casos se nota bastante), enfrentándose a un malvado noble alemán llamado Príncipe Joachim (Jesse Plemons) que quiere los poderes del Árbol de la Vida para impulsar al ejército alemán, y también al fantasmal Aguirre (Edgar Ramírez) un hombre que carga una maldición desde que fue a buscar dicho árbol en el siglo XVI.

Hay franquicias que deberían morir y la de la purga es una de ellas, la catarsis provocada por la primera "purga" que vivimos (12 horas cada año en las que todo crimen es legal), se ha vuelto algo similar a lo que sienten algunas audiencias al ver cada nueva entrega de la serie: sí, dan ganas de poder gritar: ya paren está masacre.

Desde que la segunda película abrió el universo, cada nueva entrega solo se burla de la original, el creador James DeMonaco ha dado pasos, por torpes que sean, para infundir el caos con una fina vena de comentarios sociales enojados, vagamente específicos desde el momento del lanzamiento que nunca profundizan lo que esta exponiendo.

The Forever Purge, se centra en la inmigración, donde dicha acción es llevada al famoso muro fronterizo con México; aquí los purgadores nacionalistas blancos intentan extender el caos obligatorio con la idea de “depurar” el país. Es algo brutal y estimulante, lo cual es admirable que una franquicia de terror de gran lanzamiento haga todo lo posible para decir algo con respecto a lo que se vive actualmente, pero por el otro, una vez más la cinta se pierde en su objetivo fácilmente y se entrega solamente a las escenas de sangre.

Desde que vimos como una película infantil sobre un bebé que era empresario ganaba más de 500 millones en taquilla, era lógico que tuviéramos una secuela, aparte de que se creó una serie animada, que no solo extendió el material del libro ilustrado que habíamos visto en casi dos horas, sino que de alguna manera logró crear cuatro temporadas.

Ahora, nos llega " The Boss Baby: Family Business" que su insoluble solución para sacar más plata es: "Oye, ¿y si el Boss Baby fuera un jefe de nuevo?", sí, esa es la base para la segunda parte, que avanza hacia la edad adulta de los dos personajes que vivimos anteriormente (¡aburrido! ¡A nadie le importan los jefes adultos !), entonces para que generé algo divertido y tenga sentido dentro de su propio universo, se agrega una poción mágica para encoger a los hermanos hasta el tamaño que tenían en la primera parte y repetir la fórmula anterior. Cero imaginación aquí.

En sí, la trama es un poco desquiciada y un poco difícil de manejar, pero debería infundir una gran sensación de asombro para los niños que sus padres estén dispuestos de llevarlos al cine.

Al filme le falta carisma, incluso hay momentos muy torpes dentro de lo que viene construyendo la película, intrínsecamente produce algunas cosas bastante divertidas, incluida una secuencia de persecución rápida a través de la pequeña ciudad donde vive Tim y su familia.

Hay películas que no buscan ir más allá de lo que ofrecen y ese es el caso de la cinta francesa llamada “Perfumes”, una comedia que nunca llega a los límites del género, pero tampoco roza el drama, quedando todo en la superficie.

Aquí el actor Grégory Montel, interpreta básicamente a un chofer sonriente y muy humano llamado Guillaume, hombre divorciado de mediana edad que se está esforzando por ganar suficiente dinero para alquilar un apartamento mejor para estar cerca de su hija adolescente, y que ella se pueda quedar a pasar la noche. Guillaume no puede permitirse perder su trabajo, que depende de un hilo por haberse ganado varios puntos en su licencia por exceso de velocidad. Eso lo lleva a soportar la altanería de su última cliente, la "nariz" profesional o la diseñadora de fragancias Mademoiselle Anne Walberg (brillante Emmanuelle Devos), una mujer desafiante, dado que espera que él no solo conduzca y lleve su equipaje, sino que también la ayude a cambiar las sábanas en los hoteles, ya que no puede soportar el olor del detergente "limpio" que han usado, o toma notas para ella mientras analiza el olor de una cueva y así más cosas.

A partir de dicha presentación de los personajes y sus modos de ser, la película se ira haciendo previsiblemente y lo que vemos es como se desarrolla la amistad y una admiración mutua entre ambos, cosa que cabría esperar al final, aunque la cinta tiene varias sorpresas refrescantes que incluyen la escritura finamente observada que limita las relaciones entre el dúo principal y los personajes secundarios, como la agente avariciosa.

Lo más interesante de la película es la forma en que hace una visión bien investigada del negocio de los olores, una industria multimillonaria que abarca no solo el diseño de perfumes de alta gama para las casas de moda, sino también los esfuerzos para disfrazar el hedor de las emisiones de las fábricas o los aromas de los supermercados para que la gente compre más cosas. Esa atención que hace el filme agrega una grata capa de complejidad a una comedia que podría haber quedado en el montón.