Sarraounia significa "reina" o "líder femenina" en la lengua Hausa y refiere a todo un linaje de reinas y sacerdotisas paganas del África subsahariana. La más célebre fue Sarraounia Mambou, recordada como una heroína por combatir con fiereza a las tropas coloniales francesas en la batalla de Lougou de 1899. Sus orígenes animistas y su lucha anticolonial se exploran en esta superproducción mauritano-francesa de forma irregular.

Los primeros quince minutos nos muestran la formación de Sarraounia, como líder y hechicera, el paso de la niñez a la adultez que culmina con su consagración como reina. Tras esto, el punto de vista cambia para mostrarnos la incursión de los colonizadores franceses. Desde aquí la película imprime un ritmo de sucesivos y extasiantes planos generales, donde asistimos a continuas marchas militares, pláticas estratégicas y combates masivos. Sarraounia pierde presencia y el foco recae, mayoritariamente, en dos coroneles galos harto caricaturescos y sus tropas, formadas, en gran parte, por esclavos africanos. Quienes se verán sorprendidos y diezmados por las tácticas místicas de su contrincante. Las asambleas populares y el esfuerzo colectivo dominan la pantalla hasta el final en una apuesta coral de puesta en escena al más puro estilo del cine soviético.

La cinta se revela como un ejercicio de ficción histórica que brilla en las escenas rituales y en algunas secuencias de batalla, pero que se pierde al no desarrollar en mayor profundidad a su protagonista y las relaciones con su pueblo. En clave política, reivindica el poder del misticismo africano para construir una comunidad libre y unificada, que integra credos y no se pierde en dogmatismos. Entona un mensaje contundente de progreso colectivo desde las raíces animistas y con una mujer al frente, encarándose a un país de mayoría islámica fundamentalista y, hasta hoy día, dominado por las relaciones de explotación neocolonial y las tradiciones patriarcales.

Slam Dunk es el manga deportivo más popular de la historia. Ha vendido cientos de millones de copias en todo el mundo. Coincidiendo con el auge de la NBA en los noventa, su épica trama emocionó y motivó a muchos a acercarse al baloncesto. Finalizó en 1996 y todavía hoy se siente su impronta en las generaciones que la disfrutamos. Su adaptación animada fue igualmente popular; se retransmitió en las televisiones de toda la iberoesfera con excelentes doblajes autonómicos. No obstante, nunca se adaptó su arco final. Nunca pudimos ver animado el desenlace del campeonato nacional. Hasta ahora.

The First Slam Dunk llega, más de veinte años después, como la ansiada culminación audiovisual de la saga. Con Takehiko Inoue, el creador del manga original, dirigiendo personalmente el proyecto, durante casi un lustro, con un grupo veterano de Toei Animation. El resultado es un largometraje apasionante y meticuloso. Dura algo más de dos horas y se centra en el partido del Shohoku vs el Sannoh, intercalando flashbacks del pasado del base, Ryota Miyagi. Encontramos los momentos más icónicos del manga representados de forma fidedigna. Se siente la misma tensión que en las viñetas originales, gracias a las inteligentes decisiones de encuadres, contrastes de color y movimientos de cámara que acompasan e intensifican el movimiento a cada tramo del partido. Cada marcaje, cada clavada se vive así con gran emoción. Aunque se echa en falta la presencia de Hanamichi en la primera parte, este aparece redoblado en la segunda. En las gradas se notan ciertos personajes clónicos y desaparece prácticamente Haruko y demás testigos, pero no falta la vis cómica. Algunas jugadas y marcajes se despliegan a tiempo real generando variaciones de ritmo muy potentes. El ritmo general de la narración es menos efectivo.

Enfocarse en Ryota como punto de vista principal no va en detrimento de los demás. Sin embargo, las continuas incursiones en su pasado, que aguantan y se justifican en la primera parte, se vuelven molestas e innecesarias en la segunda. Aunque tiene instantes de emotividad bien construida, la subtrama a base de flashbacks se descalabra ante la intensidad del partido. No solo no es equiparable, sino que destruye el ritmo interno del enfrentamiento para subrayar sensaciones y eventos que ya habían quedado claros en flashbacks anteriores. Acabas cuasi deseando que acabe el melodrama familiar para volver al partido. Dicho esto, la apertura en Okinawa me parece sublime. Un retazo de la admiración fraternal y la rivalidad deportiva con la que es fácil empatizar.

A nivel técnico la película funciona como un reloj suizo. Con un montaje bien depurado, transiciones potentes y una banda sonora que prende cada vez que suena. Destaca el uso de la animación CGI con rotoscopias hiperrealistas, que se combinan con un leve silueteado de trazo cómic para evitar la sensación de gráficos de videojuego. En ciertos momentos, se desdibuja la imagen utilizando la pantalla de forma creativa como el blanco de la página de cómic. El pulso de Inoue se nota mucho y más claramente al final del partido, donde elabora una de las secuencias más vibrantes y dinámicas variando la técnica y la velocidad de los fotogramas con absoluta maestría.

Los fanáticos y conocedores de la obra, sin duda, se entusiasmarán reviviendo la historia con sus gestos míticos, canastas espectaculares y jugadas increíbles. Los espectadores más profanos pueden disfrutar, igualmente, de una buena dosis de adrenalina animada, pero difícilmente podrán vivirla con la misma emoción; porque Inoue no se preocupa por aportar ni un mínimo de contexto sobre la importancia del partido ni el trasfondo del equipo para llegar a su estado actual. Siento que su carencia principal es, justamente, no construir las expectativas del partido que tan bien reflejaban en cada encuentro en la serie. Siquiera introducir un poco a los jugadores del Shohoku en los instantes previos en el vestuario, con las mariposas en el estómago antes de afrontar el partido, hubiera sido interesante para poder identificarse emocionalmente con ellos.

Con todo, estas objeciones no desmeritan ni mucho menos el esfuerzo titánico por llevar uno de los partidos más legendarios de la ficción al más alto nivel audiovisual. Esta película llega a una calidad que jamás soñó la serie original y despierta la misma pasión, incluso supera a la obra original en sus momentos de mayor intensidad. Toda una experiencia que enriquece al personaje de Ryota, culmina la serie y sublima al baloncesto.

Oda al viento desde el viento, filmada por el holandés errante en un extraordinario periplo por los valles de Provenza. El mistral atraviesa cada fotograma, respirando en las nubes, sacudiendo los valles, revolviendo las cosechas y los peinados.

La fotografía es sublime, conjuga poesías pastorales sin necesidad de voceros que entonen sus versos. Del blanco y negro al color, ciudades y campos se desnudan azotadas por lo intangible, exponiendo las desventuras de los caminantes y trabajadores bajo el imparable flujo. Sigue los pasos de Marker, amigo y consejero, empleando la foto fija para capturar estas embestidas aéreas, en algunos instantes que atestiguan el arte del aire sobre la tierra.

Durante el recorrido el cuadro se ensancha, pero lo que encuadra es invisible a los ojos. El viento que mece, el temporal que violenta, la brisa que refresca y el soplo que acompaña; aparece el fenómeno en todas sus inclementes variantes con un montaje que se presenta cual melodía natural. Las gaviotas vuelan impelidas por el viento sobre el mar así como forman señales los estorninos, los animales más aerodinámicos rinden pleitesía al rebufo elemental.

Ivens realiza así su primera tentativa con éxito, volviendo años después en "Une histoire du vent", el último soplo vital de su carrera.

Animación japonesa de corte propagandista que anticipa e imagina la entrada de Japón en la IIGM. Buscando alarmar sobre la posible amenaza de Estados Unidos y la necesidad de defenderse de un conflicto incipiente.

Todo comienza cuando Mickey Mouse bombardea una isla montado en un ratón pterodáctilo, perturbando la paz de unas pobres criaturas bailongas. En esas, Momotaro, el gato Félix y otros patriotas se ven obligados a defender el camino del samurái, desplegando todos los recursos del país del sol naciente.

Un corto bizarro digno de verse, no solo por el contexto histórico, sino por las referencias animadas que aparecen, confundiéndose de bando entre combates aéreos, duelos de espada y batallas de sumo.

Mediometraje que adapta dos historias de terror de Kazuo Umezu, legendario mangaka del que tomó inspiración Junji Ito para desarrollar sus primeras obras. El estilo de dibujo y la estética general es bastante ochentera (cintas de vídeo, ojos enormes con peinados y uniformes de la vieja escuela), pero fiel al material original. Juega con la animación estática y la escasez de recursos a su favor para generar tempos, pausas y silencios bastante inquietantes.

Los ambientes de tonos lúgubres y cuasi vacíos provocan una sensación de mal rollo y temor por lo que pueda acechar tras los encuadres cerrados y opresivos de sombras alargadas y pasillos oscuros. Aunque lo mejor, sin duda, es la banda sonora con pistas muy absorbentes de sinfonías tubulares y toques orientales folk que generan un ambiente malsano muy inmersivo.

Las dos historias se equiparan en suspense, la segunda es más previsible y algo menos original, pero igual de entretenida. Ambas poseen un buen ritmo y momentos perturbadores. Entre una escena y otra logran algunos planos expresionistas, angulando y deformando un poco los ambientes, esas paredes con texturas grotescas, que refuerzan el terror psicológico y las reacciones de los personajes enormemente.

Una buena dosis de terror animado y dirigido con buen pulso que bien vale un visionado para los fanáticos del género en su vertiente más clásica y gore.