Siento mucho empezar así, pero estamos ante un caso de “el tráiler era mucho mejor”. Lamentablemente este fue uno de los primeros pensamientos que me vinieron a la mente cuando las luces se encendieron tras la proyección de esta primera profecía. Si bien la película tiene valores de producción y un desenlace que no está mal, las dos horas de duración se hacen excesivas, con secuencias que no aportan mucho en general y que no están muy pulidas en el guion. No es mala y no es ningún desastre, pero esperábamos algo más.

Margaret es una novicia que llega a Roma para tomar el hábito. Es recibida por el Cardenal Lawrence, un hombre que la cuidó de niña a pesar de haber tenido una niñez muy rebelde. Pronto Margaret conoce a Carlita, una niña que le recuerda a ella misma…

El prólogo de La Primera Profecía deja ver un buen estilo en la dirección y en el tratamiento de los momentos macabros o salvajes, y sigue rápidamente con un buen diseño de producción, que nos traslada a la Roma de los años 70 con una estética cuidada. Esos momentos se van a repetir a lo largo de la cinta, escenas perturbadoras arropadas por un buen estilo en el tratamiento de la luz (véase algunas escenas en las que juega con los hábitos de las monjas o la secuencia en la discoteca) y que están a cargo de Aaron Morton, director de foto de la Posesión Infernal de Fede Álvarez y de Nadie Te Salvará. Sin embargo, rodeando a esto, la película presenta un montón de lugares comunes sin nada de frescura o agilidad. Somos los primeros en saber que el cine de terror se nutre mucho de clichés, pero necesitamos un poco de chispa para digerir cosas vistas mil veces. Me estoy refiriendo a niños raros que dibujan cosas extrañas, músicas de iglesia como las has oído mil veces, monjas que esconden archivos en despachos… no sé… falta un poco de originalidad y sorpresa.

A esto, hay que añadir pequeñas incongruencias que cuando se van sumando, hacen que vayas restándole décimas a la nota del conjunto. Italianos hablando en inglés, secuencias para justificar algo cuando en realidad no hacía falta, vínculos entre personajes mal desarrollados… y sinceramente, bastantes apuntes más que no quiero desvelar para no aguarle la profecía a nadie.

En cuanto a banda sonora, recordemos que Jerry Goldsmith, que tuvo unas 20 nominaciones al Oscar a lo largo de su carrera, solo gano 1, y fue por La Profecía. Su tema principal Ave Satani ha sido utilizado en la cinta y resulta ser el mejor momento de la banda sonora. El resto corre a cargo de Mark Korven (The Witch, La Piscina), y resulta previsible y poco original.

En definitiva, un “ni chicha ni limoná” de toda la vida, aunque también destacaría el buen hacer de Nell Tiger Free, que aguanta bastante bien el tirón como protagonista.

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Un poco de historia política y cultural: tras la muerte de ese dictador de bigotito y vocecita, empezó a desaparecer la censura institucional tan malpensada como retrógrada y con esto no solo llegaron ya las primeras películas porno sino que el cine de destape perdió su pudor. Respecto al terror, el público se encontró con aires frescos que, para la carrera de Paul Naschy, fueron como un cohete tierra-tierra.

La malvada condesa Bathory fue juzgada por múltiples asesinatos y crueldades varias, por todo ello fue emparedada hasta morir mientras sus secuaces y sirvientes tuvieron distintos finales a cada cual más cruel. El fiel Waldemar Daninsky, un licántropo dominado por Bathory, morirá con una cruz de plata clavada en el pecho y su rostro quedará encerrado por una máscara de hierro.

Han pasado muchísimos años y distintos acontecimientos, muchos de ellos provocados por la ambiciosa estudiante Erika y sus amigas, harán que Waldemar Danisky reviva… Pero esto es solo el inicio ya que la propia Bathory también regresará de la tumba y ¡ay!, mejor atranca la puerta para no perder la vida.

Sería injusto negar la importancia que Paul Naschy tuvo para el género en España, cómo fue capaz de crear un mundo propio con distintos personajes entre los que Waldemar Daninsky fue el más carismático y prolífico. Dentro de la carrera de Naschy se podría situar El retorno… en su segunda época, donde gran parte de los personajes que aparecían en sus películas eran malvados y amorales; el paradigma de lo anterior lo encontramos en las psicotrónicas Latidos de pánico y El carnaval de las bestias.

Pero también hay que reconocer que El retorno del hombre lobo es una película que ya se sentía vieja en el momento de su estreno debido no solo a un trabajo de producción demasiado apolillado sino porque también coincidió con dos películas de Licántropos que aún no han sido superadas, tanto en calidad como en sus tremendas trasformaciones: Un hombre lobo americano en Londres de John Landis y Aullidos de Joe Dante; el público de la época “necesitaba” algo distinto y lo que Naschy ofrecía no solo era más de lo mismo sino que retrotraía al franquismo, una época muy chunga que muchos querían dejar atrás.

Con el paso del tiempo, lo cierto es que El retorno… tiene encanto y se juntan tantos aciertos como errores, y el mayor de estos últimos es que Naschy no solo insistía en ser el protagonista absoluto siendo un actor muy limitado, aunque el mayor “pero” es que seguía obsesionado con ser el seductor de todas las féminas – la mayor parte actrices hermosas pero sin capacidad interpretativa - que aparecieran en la historia, y en este caso no solo se camelaba a Azucena Hernández sino también a Silvia Aguilar interpretando a la malvadísima Erika, mientras la bruja Mirkaya – Beatriz Elorrieta - suspira debido a que Daninsky/Naschy jamás la amará. Entre el casting femenino imposible negar la gran presencia de Julia Saly como la Condesa Bathory, un rostro con muchísima personalidad y carisma que mereció mejor suerte en la industria audiovisual.

Pero es innegable que la película tiene grandes momentos, todos aquellos en los que tan pronto referenciaba a la productora Hammer como se dejaba llevar por lo psicodélico e inundaba la pantalla con luces, sombras y humo que indicaban como Naschy estaba lleno de ideas y recursos, siendo tal vez mejor director que guionista o actor.

En resumen, aunque Paul Naschy tiene mejores películas, el retorno del Hombre Lobo resulta el espejo de una filmografía que no supo evolucionar y, al mismo tiempo, ser un título reivindicable gracias a sus múltiples aciertos… ¡Ah, y no olvidemos lo bien que queda el impresionante tema Tentacoli de Stelvio Cipriani acompañando los títulos de crédito!

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Sin ser propiamente el creador del giallo, Dario Argento fue la punta de lanza de la modernización y popularización del género, entrando en una época dorada donde películas como El pájaro de las plumas de Cristal (1970) dieron el pistoletazo de salida a una nueva época que vendría repleta de grandes títulos como Profondo Rosso (1975) o Suspiria (1977)

Tras presenciar el brutal asesinato de su vecina y médium, un pianista y compositor inglés residente en Italia queda absolutamente obsesionado por descubrir quién es el responsable, lo que él no sabe es que cuanto más se acerque al asesino más grande será el charco de sangre que encuentre a su paso.

No son pocos los que se debaten entre este trabajo y Suspiria como sus obras predilectas del director italiano, pero lo que sin duda es palpable es la forma en que se modernizó el género con la llegada de esta obra, y aunque por supuesto seguía aportando todo aquello que nos gusta en el conocido subgénero, como sorprendentes ejecuciones ya sean en forma de asesinato o accidentales, una historia de intriga que no para de avanzar, en este caso, bastante más factible y depurada de lo que solía ser habitual en Dario Argento, haciendo de esta forma también que la película sea mucho más redonda. La gran variedad de planos que aportan amplitud y dejan desprotegido al protagonista en una ciudad que parece extraña para él, o los reconocidos planos subjetivos desde las propias carnes del asesino. Pero también la banda sonora de Giorgio Gaslini & Goblin no tan discordante como suele ser habitual en el giallo sino mucho más participativa o incluso intrusiva tratando de acelerar las escenas o dando ímpetu a los asesinatos y a la investigación, no se puede decir precisamente que sea una banda sonora que pase desapercibida, es un personaje más, tanto es así que incluso una misma pieza se detiene y arranca a merced de lo que va viviendo en el film el protagonista. Por otro lado, Dario Argento y Bernardino Zapponi sorprendentemente menciona el feminismo, casi dan lecciones de diversidad sexual y empoderan a la mujer dentro del género con mucho más protagonismo del que suele ser habitual, obvia el erotismo e incluso la paleta de colores deja respirar un poco al espectador. Como podéis ver, una reinterpretación muy personal de lo que el propio director venía haciendo, no es de justicia, no reconocer lo avanzada que fue la película en plenos setenta, respecto a lo que se podía ver en el cine.

Si es cierto que sigue sobrevolando en el ambiente la figura del maniaco tan característica de estas obras, y en este caso encontramos la propia voz del asesino en varias ocasiones, lo cual no deja de ser como poco curioso una vez sabemos quién es el responsable. Volviendo al protagonista, David Hemmings y en relación con lo que mencionaba anteriormente, resulta singular el abandono por parte de la policía que encuentra a la hora de investigar los asesinatos y la incomodidad con elementos tan hostiles e italianos a la vez en clave de humor que los guionistas habían preparado para el foráneo, como un vehículo clásico estropeado o una cafetera que exhala vapor apoderándose de todo lo que rodea al protagonista mientras trata de esclarecer el caso.

La obra cuenta con multitud de detalles que se aprecian al detalle con el revisionado de la cinta, está cargada de elementos, que parecen casuales en un primer vistazo, pero que revisado en profundidad no solo tienen una razón de ser para la historia, sino son una firma propia del director, escenas como el plano detalle de la gota de sudor en la sien del protagonista más cercana al western que tanto gusta y tanto ha escrito Dario Aergento que al giallo que le caracteriza, o el remate final para desentrañar la identidad del maniaco asesino en el pasillo con el juego del espejo y los cuadros de gran valor imaginativo que incluso hoy sigue funcionando a la perfección.

Como le ocurrió a tantas otras películas de la época, no tuvo el golpe de efecto esperado en su momento de estreno, pero unas cuantas décadas después, aquí estamos, hablando de una obra que se ha convertido en objeto de culto para fans, entendidos y amantes del terror italiano de asesinos en serie.

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Aunque no se puede negar su carrera ascendente dentro de las producciones del terror, lo cierto es que los grandes pelotazos de la productora BlumHouse siempre han sido dentro de las franquicias cinematográficas, primero con la irregular saga Paranormal Activity, luego con la violenta y política The Purge y hace nada ha vuelto a reverdecer los laureles de Insidious.

Imaginary tiene aire a búsqueda de franquicia… ¿Lo conseguirá?

Tras muchos años viviendo fuera, Jessica regresa a su casa familiar junto con su novio Max y las hijas de este, la adolescente Taylor y la niña Alice. Esta es la que, por casualidad, encuentra un adorable oso de peluche al que llama Chauncey, con el que pasará todos los días e iniciará una “caza del tesoro”.

No pasará mucho tiempo hasta que Jessica descubra que Chauncey puede ser un oso de peluche y el mejor amigo de Alice, pero también oculta una oscura leyenda con muchos años y terror a sus espaldas.

Ha llegado el momento de la batalla… ¿Contra un adorable osito?

Mejor empezar por el elemento más débil de esta nueva propuesta: la fórmula BlumHouse (casa, pocos escenarios, personajes y localizaciones) a veces acota demasiado las historias y aunque Imaginary es capaz de desenvolverse con lo que tiene, de nuevo es una trama con dos adultos y dos niños, lo mismo que encontramos en la reciente La Piscina o posiblemente la mayor referencia para esta película: Sinister. Es cierto que hay búsqueda de sustos que se sientan novedosos, el giro que pega la historia en su último tercio está muy bien construido e incluso alguna set piece resulta francamente inspirada por parte de los cuatro guionistas - Greg Erb, Jason Oremland, Jeff Wadlow, Bryqce McGuire – habiendo trabajados los dos primeros en películas infantiles y siendo el último una incorporación al universo BH gracias a su ópera prima La Piscina… pero asimismo queda la sensación de estar en la punta del iceberg de una historia mucho mayor y repleta de posibilidades, desaprovechada por cerrar el foco alrededor de un mal que, como se ha dicho antes, remite demasiado al Sinister de Scott Derrickson.

Aunque el director Jeff Wadlow no es Scott Derrickson ni consigue los ambientes enfermizos de este, lo cierto es que Imaginary es su película más conseguida hasta la fecha, no solo a nivel de dirección sino también a nivel interpretativo, ya que el dueto DeWanda Wise como la dibujante y la jovencísima Pyper Braum interpretando a la hijastra, logra interesar y crea empatía en el espectador respecto a lo que está ocurriendo; el secundario adolescente Matthew Sato hubiera necesitado mayor desarrollo gracias a su frescura mientras da pena que la clásica Becky Buckley aparezca tan poco teniendo una presencia tan potente. La voz de Chauncey está interpretada por Dane DiLiegro y resulta más que acertada.

Imaginary queda como una película entretenida con un background interesante si sus creadores, o los que tomen el relevo, saben desarrollar el lore y crear tramas que tengan interés por sí mismas. Si BlumHouse ya lo consiguió con una piedra de película como la primera Paranormal Activity, fijo que será capaz de hacerlo con este universo de amigos imaginarios.

https://www.terrorweekend.com/2024/03/imaginary-review.html

"Ay de aquella que el sendero deja.
No os fieis de ningún forastero
si queréis elegir vuestro derrotero.
Sed bellas pero sagaces,
Un lobo se esconde tras mil disfraces
Ahora como antes es una verdad evidente
Cuanto más dulce la lengua, más afilado el diente."

Las historias que nos explicaban nuestras abuelas han perdurado a través de los años y son fruto de una ancestral transmisión oral. Pero claro en alguna ocasión había que plasmarlas en papel, sobre todo para dejar un legado que perdurara en el tiempo. La Caperucita Roja se publicó en 1697 en un volumen de cuentos para niños titulado Cuentos de Antaño por Charles Perrault que, por decirlo de alguna manera y con el máximo respeto, era el rival de los Hermanos Grimm. En Compañía de Lobos se basa libremente en ese cuento con un Neil Jodan sobrado de fantasía y que no se olvida de enfatizar la moraleja que aparece en el original que no es otra que prevenir a las niñas de los encuentros con desconocidos. Han pasado más de trescientos años y esa máxima resta vigente. No todos los lobos aúllan y van a cuatro patas.

Rosaleen es una muchacha que vive al lado de un frondoso bosque. Al quedarse dormida tiene un inquietante sueño en el que los lobos merodean por el bosque secuestrando a su hermana mayor. De repente se ve viviendo en una época pasada, siendo sus padres unos humildes campesinos.

Angela Carter es la coautora del guion. En él, aparte del cuento central, nos va explicando diferentes historias de hombres lobo que aparecen en su libro La Cámara Sangrienta, a cual más perturbador y terrorífico. El director irlandés Neil Jordan los hace suyos añadiendo ese plus de fantasía, con bastante humor negro por cierto, que hace de esta obra una mezcla entre el fantástico y el terror terriblemente divertida valga la redundancia.

Al estar compuesta de diferentes relatos los hay para todos los gustos, sobresaliendo de entre todos ellos y según mi opinión el de la metamorfosis de los invitados a una boda. Sencillamente magistral, con algún que otro mensaje escondido como en cada uno de ellos.

Cinematográficamente hablando destacar el gran ritmo de la producción que unido a sus escasos noventa y cinco minutos de duración, hacen que se te pase volando. Tenemos que destacar también los excelentes efectos especiales a cargo de Dave Crownshaw, que sin ser excesivamente novedosos cumplen perfectamente su misión.

¿Qué decir de Neil Jordan? En Compañía de Lobos es su segunda obra como director dando ya muestras de su particular manera de hacer cine. Del resto de su obra destacaríamos, por meterse de lleno en el género, Entrevista con el Vampiro (Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles, 1994).

En las interpretaciones destacar la aparición de Angela Lansbury (serie de TV Se ha Escrito un Crimen) como la inefable abuela que no puede faltar en toda obra basada en La Caperucita Roja. El resto están correctos pero no quería dejar pasar la oportunidad de nombrar a uno de los grandes aunque en una pequeñísima performance: Terence Stamp (Toby Dammit, Last Night in Soho), en el papel de un elegante Diablo.

Vamos terminando que los lobos están al acecho. En Compañía de Lobos es una película que todo hombre de bien tendría que ver al menos una vez en su vida. Lo que explica sigue estando plenamente vigente. Imprescindible.

https://www.terrorweekend.com/2024/03/en-compania-de-lobos-review.html