Apartado, en cierto sentido, de todo lo que había realizado anteriormente, Scorsese llevó a la gran pantalla la novela de la ganadora del Pulitzer, Edith Wharton. Ambientada en la segunda mitad del siglo XIX, la historia se centra en Newland Archer -Daniel Day Lewis- un joven abogado perteneciente a la alta sociedad neoyorquina prometido con May Welland -Winona Ryder-, una joven de su mismo estrato social. Sin embargo, sus sentimientos cambian cuando conoce a la prima de May, la condesa Olenska -Michelle Pfeiffer- que vuelve a Nueva York tras separarse de su autoritario marido. La personalidad y la belleza de la condesa harán que la vida de Newland sufra un vuelco.

Alejándose de la violencia física, de las armas y la sangre, Scorsese retrata a la perfección la alta sociedad norteamericana de hace ya algo más de siglo y medio. Y quizá ese envoltorio que cubrió su decimoquinto trabajo para la gran pantalla fue uno de sus grandes enemigos. ¿Qué hace este director en un drama de época? Darnos, una vez más, una lección de cine.

No hay plano en la película que sobre, todo está medido al milímetro. En un perfecto trabajo en equipo en el que brillan, tanto la fotografía de Michael Ballhaus, la música de Elmer Berstein, la cuidada y precisa ambientación de Dante Ferreti y el sobresaliente montaje de la eterna Thelma Schoonmaker, La edad de la inocencia atrapa al espectador y le sumerge en los supuestos encantos -discretos, que diría Buñuel- de la burguesía.

Y en ese sumergimiento, o a través de él, mejor dicho, el espectador se da cuenta que el bueno de Marty no se ha distanciado tanto de uno de sus temas favoritos, la mafia. Que las reglas convencionales por las que se regían las clases altas podían ser más opresivas y exhaustivas que las de la Cosa Nostra. Más pulcras, menos violentas, pero igual de tiránicas.

En esa opresión se mueven, o intentan moverse Newland y la Condesa. Para el joven abogado, Olenska representa todo aquello que él anhela. Es una mujer que se ha rebelado ante un matrimonio impuesto, en el que no era feliz. Se trata pues, de una persona que rompe las normas de la alta sociedad, que las desafía y por ende sufre con el aislamiento de los que la rodean. De todos menos de su abuela, la señora Mingott -Miriam Margolyes- y del propio Archer. Este, cae rendido ante la personalidad y belleza de la Condesa.

Ese amor imposible, cercenado desde el inicio porque él está prometido en matrimonio y ella aún no se ha divorciado -y aunque lo hiciese, era una apestada para la alta burguesía neoyorkina- se va a perder en un laberinto. Un laberinto del que ambos personajes no van a poder salir, ya que las paredes que lo forman están construidas con la tradición y el protocolo de una sociedad, de unas familias dominantes. Ambos son presos, están condenados a vivir separados.

Los tres protagonistas de este triángulo amoroso están perfectos. Michelle Pfeiffer nos brinda, quizá, la mejor interpretación de su carrera. Daniel Day Lewis está sobrio, contenido, reflejando a la perfección la frustración de su personaje. Y Winona Ryder, con apariencia de mosquita muerta, de mujer florero que no se entera de lo que ocurre a su alrededor y que encierra una personalidad conspiradora y manipuladora. Un rol al que, con las pinceladas oportunas, le iría al pelo a cualquier mafioso.

Un grupo de secundarios muy notables entre los que destacan Geraldine Chaplin, Richard E. Grant y un breve, pero magnífico y sentimental Jonathan Pryce. La voz en off, como narradora omnisciente, de Joanne Woodward tiene un gran peso en la obra, dotándola más si cabe de ese tono literario que Scorsese no quería abandonar a la hora de adaptar la obra de Edith Wharton.

Algo más de dos horas que transcurren sin altibajos, con un ritmo narrativo perfecto. Y que terminan de forma sobresaliente. Un final a la altura del resto de la obra, pero que debido a su emoción y a la conmovedora figura de un Daniel Day Lewis, ya avejentado, te agarra y te sacude sin saber a ciencia cierta, si te ha dejado en paz con la historia que has visto o te ha vapuleado emocionalmente. Porque días después de haber visto la película, aún recuerdas el desenlace con el que Martin Scorsese firmo uno de sus mejores trabajos. Obra maestra absoluta.

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La actriz Paola Cortellesi debuta en labores de dirección reservándose el papel principal en Siempre nos quedará mañana, un notable filme que cohabita entre el drama y la comedia costumbrista y que sirve como denuncia para los malos tratos que aún sufren muchas mujeres. Aunque el momento histórico en que se encuadra la historia es justo al final de la II Guerra Mundial, el foco recae en problemas actuales como son la lacra del maltrato, la lucha por conseguir los mismos derechos que los hombres y resaltar la, muchas veces olvidada, figura de la mujer en la sociedad.

Solamente alguien nacido en Italia podría contar un drama tan duro como el que vive día a día el personaje principal -Delia- en clave de comedia. Esto no quiere decir que la película se pueda englobar exclusivamente dentro de ese género, ya que hay momentos muy duros y desagradables.

La habilidad de Cortellesi, que también es una de las autoras del guion junto a Furio Andreotti y Giulia Calenda, le permite no caer en la hipocresía, en la carnaza de la violencia sin perder un ápice del mensaje que quiere transmitir. Las palizas que sufre Delia por parte de su marido Ivano son amortiguadas en algunos casos por números musicales, en otros la cámara desaparece y enfoca a las vecinas que se reúnen en la plaza del vecindario para pasar la tarde centrándose en sus caras para transmitirnos el horror de la situación.

Esa posible ligereza no es en ningún caso un punto débil de la narración, sino todo lo contrario ya que como espectador sabes todo lo que está padeciendo la protagonista. Sientes asco y desprecio por los personajes de Ivano y su padre, un par de sádicos maltratadores consumados.

El filme es a su vez un retrato de la sociedad italiana de la época. En concreto de la capital, Roma, que aún sufría los efectos y consecuencias de la Guerra. Tensiones entre vecinos, acusaciones de colaboracionismo con los nazis, la presencia de los soldados norteamericanos -con un gozoso papel para Yonv Joseph- y, en definitiva, con las penurias y dificultades que tenían que atravesar los ciudadanos italianos -extensible a cualquier europeo de aquel momento que viese arrasado su país por la barbarie de la guerra-.

Una Roma que aparece reflejada con toda la vitalidad que desprenden sus calles, mercados, sus ciudadanos y que, tocando esos lugares comunes siempre que se habla de una película ubicada en una gran ciudad, se erige como un personaje más de la trama. Y es que, Siempre nos quedará mañana, además de poseer un hábil guion se apoya en unos personajes con mucho recorrido. Cortellesi está sobresaliente en el papel principal, pero el resto del reparto no se queda atrás. Estando el resto del reparto a un gran nivel, hay que destacar a Emanuella Fanelli como la lenguaraz y astuta Marisa, amiga y confidente de la protagonista.

Siempre nos quedará mañana es un homenaje a la figura de la mujer -no solo italiana- de mediados del siglo XX. Mujeres que cargaban con todo el trabajo dentro del hogar, ejercían de madres, esposas, cuidadoras, amas de casa y en muchísimos casos llevaban un sueldo sin el cual las familias hubiesen pasado más penalidades de las que ya sufrieron. Todo ello en muchos casos sin el reconocimiento de quienes las rodeaban y se beneficiaban de esa labor. En otras muchas ocasiones incluso sufriendo abusos de aquellos que supuestamente las querían o amaban.

La película, realizada en blanco y negro para lograr una mayor ambientación, llega a nuestra cartelera después de arrasar en cuanto a nominaciones -19- en los premios David di Donatello. Pese a tener un final en mi opinión algo tramposo con una derrota que antecede a una victoria, sorprenderá por su frescura, habilidad, sutileza y vis cómica a la hora de tratar un tema tan escabroso, desagradable y por desgracia aún vigente.

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El último trabajo hasta la fecha de Pau Durà es una road movie que transita entre la comedia y el drama. Como buena historia española, cuenta con dos pícaros, dos perdedores a los que la vida les ha sacudido de lo lindo, sin llegar a tumbarles del todo. A pesar de los golpes recibidos, los dos protagonistas saben que aún les queda alguna bala, algún tiro que dar en su triste existencia. Y a ese, quizá, último resquicio, se agarran.

También es una buddy movie, con dos personajes con personalidades contrapuestas. El fullero, disfrutón y vividor Colombo, frente al nervioso, repleto de miedos, Mario. En ese choque de caracteres están algunas de las escenas más jocosas del filme. Y en su conjunto, esa disparidad entre los dos protagonistas hacen de esta una obra entrañable. Desde el primer momento conectas con ambos y a medida que sabes más de sus antecedentes, de dónde proceden y porqué actúan de esa forma, esa conexión aumenta. Entiendes sus traumas, sus tropezones y sus inseguridades y te embarcas con ellos en esa particular huida hacia delante.

De esta forma, como espectador ya formas parte de este singular viaje que nos lleva desde España a Rumania con una primera parada en Turín, Italia. En esta primera etapa con un tercer personaje, el de Elisabetta -una genial Teresa Saponangelo- ,que aporta frescura y que actúa como nexo de unión o como elemento para romper el hielo inicial entre los dos protagonistas. A partir de ese momento, Eslovenia, Hungría y Rumanía serán las siguientes paradas del dúo. Este maravilloso decorado del sur de Europa sirve también para mostrar y denunciar los dramas que se viven no solo actualmente, sino desde hace ya unas décadas en las fronteras.

Y es ahí donde el mcguffin de los pájaros toma su relevancia. Ante la frase de Mario las aves no son de ninguna parte, van vienen y vuelan, como espectador tomas conciencia, una vez más, de la precaria situación que viven muchos europeos y ciudadanos del mundo. La guerra de Ucrania como telón de fondo, refugiados en tierras eslovenas, rescoldos aún muy latentes de la crueldad vivida en la antigua Yugoslavia durante los primeros años de la década de los noventa. Estos ciudadanos no tienen alas para migrar a su antojo, no gozan de esa libertad que tienen las aves y que tanto fascinan a uno de nuestros protagonistas.

Con una banda sonora de Magalí Datzira, que recuerda a las películas de Emkir Kusturica o Angelopoulos y sustentada por la actuación de dos intérpretes sobresalientes, Pájaros se erige como una de los grandes títulos del cine español para este 2024. Una película entrañable y divertida, que te deja un gran sabor de boca y que combina dos géneros como la comedia y el drama sin artificios. Todo en ella es creíble y como espectador, durante algo más de hora y media, te das cuenta de que por muy jodido que esté el mundo, casi siempre habrá alguna corriente que te haga despegar tus alas y poder volar hacia terrenos o situaciones más favorables.

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A medio camino entre la comedia dramática y el cine de terror, Dream Scenario -Kristoffer Borgli- es principalmente un filme de denuncia. De denuncia sobre la sociedad actual, esa de la que todos formamos parte. Con múltiples lecturas, la película pone el foco sobre la cultura de cancelación, el estilo capitalista de vida que llevamos y especialmente sobre las redes sociales.

Desde principios del siglo XXI convivimos con la presencia de las redes sociales y estás han cambiado radicalmente nuestra forma de relacionarnos, de interactuar con los demás. Facebook, Instagram o Tik Tok son hoy parte importante de nuestra realidad. Memes, noticias y videos virales nos aparecen constantemente en las notificaciones de nuestros móviles u ordenadores y esto que, a priori, puede parecer positivo por la inmediatez de acceso a información, muchas veces se convierte en algo muy negativo e incluso nocivo. Especialmente con los vídeos virales.

La película de Borgli se centra en lo pernicioso que puede ser para una persona y su entorno el convertirse en viral. Ya desde un inicio, el concepto de viral es negativo, relacionándolo al virus. En la primera parte de la película, cuando el discreto profesor interpretado por Nicolas Cage se hace popular por aparecer en los sueños de miles de ciudadanos norteamericanos, el tono de la misma es cómico e incluso agradable. Las ensoñaciones en las que aparece Paul Matthews son absurdas e inofensivas.

En la segunda parte de la obra, cuando el protagonista ataca en los sueños, la comedia se torna en drama. Un drama desagradable, incómodo, ya que como espectador asistes al descalabro personal y profesional de una persona que es inocente, que no ha hecho nada. Involuntariamente aparece en los sueños de los demás y cuando estos se tornan en pesadillas, se convierte en un personaje a eliminar de la sociedad, a ser apartado de la misma.

Y para este drama humano, Kistoffer Borgli eligió al mejor actor posible para ello por dos razones. La primera y fundamental, por la calidad interpretativa de Nicolas Cage. El ganador de un Oscar por Leaving las Vegas ha brillado en todos los géneros salvo en el musical, donde por ahora no se ha aventurado. Drama, comedia, acción, terror o bélico han visto al bueno de Nic dar lo mejor de sí mismo.

¿Qué ha hecho películas mediocres para salvar el tipo y sus malas inversiones? Sí, pero eso no es óbice para decir que es uno de los más grandes intérpretes vivos. La segunda razón por la que Cage es perfecto para esta obra es que nadie mejor que él sabe lo que es ser centro de burlas, de cierta persecución a través de memes en las redes sociales.
En este sentido, podemos decir que Cage es el principal baluarte de esta obra. Una película que en la segunda mitad de la misma sufre un cierto bajón y que se mantiene a flote en gran parte por la interpretación de su estrella principal. Un trabajo que mereció sin discusión la nominación al Globo de Oro y que injustamente se ha quedado fuera de la carrera por un Oscar. Su personaje emana grandes dosis de patetismo, principalmente, y ternura, recordando en cierto sentido al papel que interpretó en El hombre del tiempo.

Dream Scenario es un filme realmente curioso y atractivo. Una peculiar muestra de drama, comedia y terror cuya mezcla de géneros sirve como envoltorio de denuncia ante la deriva que ha tomado nuestra sociedad, sin posibilidad de dar marcha atrás respecto a las redes sociales. Una ingeniosa película, que sorprenderá por su originalidad y que hará reflexionar al espectador, acerca de la época dominada por la tecnología y todo lo que se deriva de ella, incluido internet y las redes sociales, junto a esa odiosa cultura de la cancelación que nos ha tocado vivir.

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De amistad habla Kenneth Branagh en Los amigos de Peter. Dentro de su filmografía, quizá este sea uno de sus trabajos más honestos y sinceros. El retrato, durante el último fin de semana del año en vísperas de Nochevieja, un grupo de amigos que llevan sin verse una década, desde que terminaron la universidad aproximadamente. Algunos casados, con hijos, otros solteros en busca del amor, todos ellos con los problemas y preocupaciones del día a día, se reúnen en la mansión heredada del padre de Peter -magnífico Stephen Fry- antes de que proceda a su venta.

Con muchas aventuras y vivencias en común, ya no son los mismos de antes. Tanto el paso del tiempo como los años que han pasado separados hacen mella en sus relaciones. Y sin embargo, el fin de semana que pasan juntos vuelve a revivir la llama del amor, de la amistad. Porque hay amigos que aunque no veas a menudo, sabes que siempre estarán ahí.

Y eso lo dibuja y pone en imágenes Kenneth Branagh de forma magistral. Durante hora y media parece que no pasa gran cosa, un vodevil a veces divertido, otras veces sobreactuado y en algunas ocasiones dramático que, al finalizar el mismo, te deja con muy buen sabor de boca. Y lo que es mejor, días después de haber visto la película te hace reflexionar y pensar en ella, en lo que has visto, en lo que el artista norirlandés te ha contado con tanta habilidad.

Los amigos de Peter comienza con un notable repaso a la década de los ochenta con la canción Everybody wants to rule the world de Tears For Fear -cualquier película que incluya este tema en su banda sonora va mejorar sin ninguna duda- y acaba con un final sobresaliente, conmovedor, que se te agarra al estómago, ahí donde nacen las emociones.

Con un reparto de lujo, que incluye al propio Branagh y a nombres tan célebres de la esfera cinéfila británica de fin de siglo -Emma Thompson, Hugh Laurie o Imelda Staunton- el personaje que destaca por encima de todos es el de Peter, interpretado por Stephen Fry. El actor londinense emana bondad, naturalidad y mucho carisma como anfitrión de la celebración de fin de año.

Un filme notable, en el que muchos se pueden ver reflejados, ya que el paso del tiempo nos afecta a todos y así como nosotros vamos cambiando, en modo de vida, gustos o situación social, nuestras relaciones van mutando al mismo tiempo. Y aunque los años son finitos, duran doce meses, la amistad, esa que es verdadera, es infinita y eterna. Kenneth Branagh y Peter, junto a sus amigos, os mostrarán por qué.

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