*Un hotel en ruinas y sus dos dueños forzosos

El hotel de los líos es un spin-off o película derivada de García y García del año 2021, que también pudimos ver en el Festival de Málaga. El nuevo largometraje dirigido por Ana Murugarren cuenta con algunos actores que repiten en ésta nueva entrega. Presenta como la anterior una estructura de acelerada trama con continuos gags y abundancia de personajes. Es una comedia muy comercial bien hecha que sigue con soltura el guion de Ana Galán y la propia directora.

La acción comienza en una caótica sala de subastas donde tras varias pujas, entre errores y equívocos, adjudican a los dos Javier García un hotel decrépito por un precio fuera de sus posibilidades. Los dos García vuelven a ser los protagonistas principales nuevamente interpretados por José Mota y Pepe Viyuela, como en la primera película de ésta posible saga que transcurría entre aviones y aeropuertos.

Ahora obligados a hacerse cargo del hotel tienen que ir al perdido pueblo de Perales del Pardillo, para comenzar las caras y largas obras de rehabilitación del vetusto edificio. Un hábil guion va introduciendo oportunamente gags en las cómicas secuencias desde su principio, cuando Claudio, Ettore Colombo, el policía local va a inspeccionar las obras mientras llegan sus primeros clientes antes de finalizar las obras.

Paralelamente en un centro de enseñanza, su director Alberto Flecha, Antonio Resines, y la entusiasta profesora Martina, Paz Padilla, ultiman preparativos para que su mejor alumnado vaya a competir en la Final de Talentos contra un grupo de escolares ingleses. En otro lugar muy distinto, Mati, Meteora Fontana, una madre combativa sigue en contacto con sus dos hijos que están en prisión, y que desean recuperar un botín de diamantes escondidos en el viejo hotel.

*Un buen guion que reúne sus protagonistas en el hotel

Desde el principio en ésta comedia coral el protagonismo principal, además de los nuevos dueños del hotel, lo tiene la entusiasta profesora y su ramillete de brillante alumnado. Un buen casting de niñas y niños además de la estupenda dirección de actores infantiles, siempre compleja y difícil, consigue su brillante actuación, incluyendo entre ellos un alumno sordo.

Con el avance de la trama el grupo del avezado alumnado superdotado llega al hotel para alojarse junto a su más que alocada profesora Martina. El vitalista grupo de menores agita el hotel, para acabar de poner a prueba en el sótano del establecimiento sus experimentos científicos antes de competir. Hace años en el entonces hotel Imperial de cinco estrellas, dos hermanos mafiosos trabajaron hasta su ingreso en prisión por el robo de joyas. Conchabados con su madre llegan de nuevo al hotel, camuflados como cocineros italianos, dispuestos a recuperar el tesoro oculto de diamantes.

El hotel de los líos, película denominada igual que aquella deliciosa comedia de 1938 de los geniales Hermanos Marx, es una astracanada continua. Confluyen en la acción del hotel propietarios, escolares y los dos hermanos mafiosos expresidiarios, Oso, Diego García Arroba El Cejas, y Benito Camarena, Mikel Losada.

De éste coctel explosivo se va a nutrir El hotel de los líos de principio a fin, con tan saludables ingredientes como el humor, los equívocos y la acción trepidante. Sin ser una gran película, sin embargo si consigue los propósitos de sus realizadores, hacer un producto familiar exitoso comercialmente, que deja abierta la puerta para posibles nuevas películas de la serie.

*Bien construida comedia coral familiar

La colaboración del brillante e inquieto alumnado, en su lucha contra los delincuentes en la recuperación del botín de brillantes, está bien manejada por la directora de El hotel de los líos para mantener su interés hasta el final. Todo ello complementado con la buena actuación de protagonistas y secundarios, una fotografía luminosa de Josu Inchaustegui y la música de Aitzol Saratxaga puestas al servicio del conjunto.

Hay secuencias por las que por sí solas merece ver El hotel de los líos, para disfrutar con sus gags y ocurrencias. Una bastante cómica es la que transcurre con la levitación de los tres bandos en liza, en una gran sala cuando pierden el control de una maquinita prodigiosa.

Proyectada como largometraje en la Sección Oficial Fuera de Concurso, su presentación tuvo lugar con un posterior Cineforum, en el Teatro Cervantes lleno del alumnado de distintos centros de enseñanza de la provincia de Málaga. Posteriormente un portavoz de cada uno de los institutos fue haciendo sus preguntas a la directora, el productor y el elenco actoral, menores incluidos.

Interesantes cuestiones respondidas con ingenio y espontaneidad por la directora Ana Murugarren, la actriz Paz Padilla, el actor Diego García Arroba El Cejas, el productor de la película así como por sus cinco niñas y niños actores.

*Conclusión

El hotel de los líos, es una película derivada de la anterior, García y García, también dirigida por Ana Murugarren en 2021. Al igual que su primera obra, es una comedia familiar, bien realizada gracias a un argumento magníficamente construido puesto en escena adecuadamente por el conjunto coral de actores y actrices, tanto adultos como menores.

La buena dirección de actores engarza ésta descacharrante comedia, agradable de disfrutar por público de todas las edades, que deseen distraerse olvidando sus problemas y preocupaciones. El resultado es una obra coherente que tendrá buena acogida en salas comerciales y posteriormente cuando pase a plataformas.

Escrito por Fernando Gálligo Estévez

*La broma fácil

La crisis del COVID-19 ha supuesto un reto para la industria cultural al verse afectada por el encierro y las medidas de contingencia del virus. Por lo cual, no es extraño que ya empiecen a salir nuevas estrategias de ficción y una de ellas es Diarios de la cuarentena. Álvaro Fernández Armero y David Marqués han sido los encargados de crear la primera serie producida durante el confinamiento. Para comenzar, los guionistas han abordado las consecuencias del encierro desde un prisma ligero y poco profundo de lo que supone estar viviendo una situación tan complicada como la que esta ocurriendo. Por lo cual, no se atreve a ir más allá y se queda en un amalgama de historias que buscan esbozar sonrisas únicamente. En consecuencia, se echa en falta más picardía o frescura, más calidad narrativa.

*La comunidad

El elenco de actores que conforman Diarios de la cuarentena es, sin duda, de las mejores elecciones que se han hecho en el proyecto. Sin embargo, hay algunos intérpretes que los que se puede ver cierta incomodidad y no aportan la naturalidad que sí se ha podido ver en otros proyectos. En primer lugar, destacar la gran interpretación de Petra Martínez y Juan Margallo, que efectúan una labor estupenda y llena de una ternura sublime. Es más, son un homenaje dulce hacia las personas de mayor edad, aunque sea de esta manera tan lumínica. Luego, Fernando Colomo tiene esa vis cómica innata que llega con un brillo especial a los espectadores. Lo mismo ocurre con Carlos Bardem, que se aleja de la dureza de otros personajes, para dar paso a una interpretación más variopinta y muy bien llevada.

Otro de los grandes dúos de este trabajo es el formado por Mónica Regueiro y Fele Martínez, la pareja de actores tiene una química muy interesante y ofrecen una comicidad orgánica. Además, se deshacen de adornos y es lo que hace que fluya toda esa energía entre ellos. Se puede decir que han sabido manejar el espacio interpretativo a la perfección. Después, la unión de Carlos Areces y Gorka Otxoa llevan una sintonía humorística increíble, aunque no están lo suficientemente aprovechados. Sin embargo, no ocurre lo mismo con Montse Pla y Víctor Clavijo, los cuales no terminan de encontrar el punto y se mueven en cierta teatralidad que les quita realismo. Por último, mencionar la participación de Javier Botet, que da ese toque dinámico y ofrece una pizca del swing que necesita la serie.

Por otra parte, los personajes se ejecutan desde una vertiente más cotidiana, en señal de querer endulzar el esfuerzo del encierro. En consecuencia, se da unos personajes demasiado fáciles, lo que podría ser una evasión para parte del público, mientras que para otra, podría sentirlo como una banalización de lo que supone un encierro obligatorio. Por esta razón, tal vez no era el momento de desarrollar una serie de esta índole así. En especial, porque, durante sus dos primeros episodios, no se ve un desarrollo narrativo atractivo. Con lo cual, puede volverse en su contra una realización excesivamente feel-good y simple. A causa de ello, con un formato del tipo ‘Camera Café’, con una duración más corta, hubiera sido un atino. Hay flaquezas en el libreto que se hacen notorias y se verá si se quedan en esa comodidad o van más allá.

*Técnica confinada

Al ser una producción realizada desde el confinamiento obligatorio, es lógico que la disposición técnica no goce de las oportunidades que se podría hacer en un proyecto con otras características. No obstante, es lo que hace tan especial a Diarios de la cuarentena, el poder haber llevado la palabra reinvención a las pantallas. Lo primero, la planificación es interesante y la calidad visual sigue un esquema en el que no pasa factura el concepto de imagen grabada. Por lo cual, saben sacar partido a este efecto para poder conectar mejor con las personas que se encuentran en la misma situación. Ninguno de los relatos que se exponen desentona con los demás, por lo que hay un hilo estético que se mantiene perfectamente. Además, entrar en las casas de los actores es un plus como significado expresivo.

Por otro lado, el montaje juega un factor fundamental en la serie, dado que sin la manera de estructurar estas historias, las debilidades del guion podrían haberse hecho más notorias. Gracias a la gran labor de la edición, hay un ritmo dinámico, lleno de vitalidad y se convierte en un pasatiempo ligero y fácil. De esta forma, no se estanca en ningún momento y, como es lógico, hay una intención de hacer sentir al espectador como en casa. Después, el sonido, uno de los grandes conflictos de los productos audiovisuales. Está bien resuelto y no se observa que tenga consecuencias adversas en la serie. No es de extrañar que países como México y Francia hayan tomado este concepto para aplicarla en sus propias versiones nacionales.

*Conclusión

Diarios de la cuarentena es una ficción simple, que cae en el exceso de buenrollismo. Durante los dos primeros episodios, hay una comodidad en la que no se ve un progreso narrativo profundo. Por lo cual, hay flaquezas en el libreto que se hacen notorias. Por otro lado, a nivel interpretativo hay un buen nivel, por lo general, aunque hay varias actuaciones que no encuentran naturalidad. Después, el despliegue técnico ofrece una solución interesante, con un ritmo bien planteado, haciéndolo accesible de ver para el público. Sin duda, es el aperitivo de media mañana, que sirve para abrir boca, pero no llena.

Escrito por Diego Da Costa

*¿Otra Cenicienta? ¡Otra Cenicienta!

La fábula de amor y clases sociales es una de las más readaptadas, algunos ejemplos son: Cinderfella (1960), Cindy (1978), Cinderella (1997) con Whitney Houston, o Por siempre jamás (1998) con Drew Barrymore en la Edad Media. Igual que otra temporada de CSI, una nueva versión no es necesaria, pero tras Lily James el público lleva seis años huérfano de Cenicienta.

Algunas adaptaciones se centraron en el otro punto de vista del cuento, como La hermanastra (2002), o modernizó a la protagonista como adolescente de los 2000, con las versiones de Hilary Duff y Selena Gómez. Otras interpretaciones olvidadas -u olvidables- fueron las de Sofia Carson o Lucy Hale.

Aunque Camila Cabello no es un producto de Disney, si es un producto pop, así continúa la estela de estrellas de carisma dulce con una película para todos los públicos hecha de azúcar y performatividad. Cinderella es heredera de la proyección de fantasía europea con cierta contemporaneidad, ya que cuenta con trovadores que rapean o escenas que versionan a Queen, Madonna, Janet Jackson, Nico & Vinz, The White Stripes, Ed Sheeran o Jennifer López.

*Representación y empoderamiento

Cenicienta (2021) se estrena el próximo 3 de septiembre en Prime Video y durante la campaña de promoción Camila Cabello ha explicado que la versión crea un universo de “representación y diversidad”. Palabras al son de los tiempos donde la exintegrante de Fifth Harmony alude, por ejemplo, a la figura de Billy Porter, un hada madrina calzada de pedrería. Las proyecciones de empoderamiento son diversas, como la Princesa Gwen (Tallulah Greive), el tropo de la joven e inteligente ejecutiva con ideas de progreso; la Reina Beatrice (Minnie Driver), quien desea ser escuchada y tenida en cuenta, ya que alzar la voz no es suficiente; o Ella, quien primero persigue su realización laboral.

Aunque el más llamativo es el personaje de la madrastra Vivian (Indina Menzel), con quien se trata de simpatizar desde el prisma de los sueños frustrados y la conciliación personal y profesional. La madrastra tiene escenas musicales divertidas, como Material Girl, ojalá hubieran mostrado más esta mala madre-humana que desea el bien para sus hijas desde los peores medios.

Si se desea fidelidad literaria, puede leerse el texto original donde la hermanastra se desfigura el pie para probarse el zapato. En el apartado técnico de Cenicienta (2021) hay elementos tan siniestros como el de los Grimm, en concreto, la tecnología que creó a los tres ratoncitos. Otra presencia inquietante en Cenicienta (2021) es el propio James Corden, los momentos más edulcorados de la pareja se ven interrumpidos por chistes de situación que pueden resultar divertidos para los más pequeños de la casa pero quizás incomoden o interrumpan a los mayores.

*Princesas del siglo XXI en Cenicienta (2021)

Atrás quedaron las princesas como protagonistas pasivas a quienes les sucede la trama, desde Brave (2012) una nueva generación de princesas desea ver mundo y trabajar porque el público exige otras visitas y miradas a los clásicos. Cenicienta (2021) es una película young-adult con el mensaje acertado sobre crecimiento e independencia, rebelarse y alzar la voz es lo natural y este padre, ¡Pierce Brosnan!, es cómico y consciente de ello.

Esta versión es lo suficientemente moderna, aunque con personajes normativos donde la fábula se centra en el ascensor social y el amor. Obvio, el público no tiene por qué esperar un tono ni mensaje diferente. Cenicienta (2021) es divertida, alegre, banal y mamarracha, no se toma en serio a si misma y hará septiembre menos terrible. Un lugar feliz y familiar, conocido gracias a las canciones versionadas, donde el espectador puede sentirse seguro.

Escrito por Alba Puerto Martín

*Los comics de Jason Aaron

Lo que más miedo daba de Thor: Love and Thunder era si realmente Taika Waititi había hecho lo que había querido ya que la película está basada en dos arcos muy importantes en los cómics escritos por Jason Aaron. El primer arco llamado Carnicero de dioses, es en el que nos presentan a Gorr, el personaje interpretado por Christian Bale y es el más dramático de la película. Para ser una película de Waititi tengo que decir que ha sido capaz de mantener la seriedad y el tono dramático que nos proponía la historia de Jason Aaron en los cómics. No es para menos, tenemos a un personaje muy poderoso que se dedica a asesinar a los dioses para hacer desaparecer a todos los panteones.

En el segundo arco llamado La diosa del Trueno, es en el que en los cómics se nos presenta a Poderosa Thor, el personaje de Natalie Portman. Debemos recordar que el personaje de Jane Foster es el antiguo amor de Thor en la tierra y que apareció en las dos primeras entregas del personaje. Waititi es capaz de darle dramatismo a la historia de Jane pero aquí ha sido más libre al adaptar la historia. Eso sí, el personaje de Poderosa Thor MOLA.

*Más Waititi que nunca

Antes de analizar los temas de los que trata la película hay que avisar de un par de cosas. Si no os gustó Thor: Ragnarok seguramente Thor: Love and Thunder tampoco os va a gustar. Pero que esta vez creo que está todo mejor medido. El nivel de producción es superior, tiene muy buen ritmo, la acción está mejor rodada y las excentricidades cómicas están mejor encajadas en la historia. Puede que tenga menos comedia y que el drama esté mejor insertado, pero sigue siendo una película de Taika Waititi.

Thor: Love and Thunder es capaz de surfear entre la fina línea del humor peculiar de Taika Waititi y la seriedad que pide la historia. En realidad tampoco es nada nuevo, ya lo había hecho en películas suyas como Boy o Jojo Rabbit.

*Los temas de 'Thor: Love and Thunder'

Por mucho que nos pueda sorprender Thor: Love and Thunder es una película que habla sobre cómo lidiar con un corazón roto. Habla de cómo lidiar con los ex y de cómo es mejor vivir habiendo disfrutado de un amor correspondido, que vivir sin haberlo tenido nunca.

También habla sobre la paternidad, sobre que nunca debemos conocer a nuestros héroes y del enorme peso de convertirse en un superhéroe (o mejor dicho superheroína) de un día para otro.

Y el tema más importante de la película, o al menos el que debería ser más importante, es el tema de la fe y de la superioridad de los dioses. Puede que quede un poco escondido y que se le hubiera podido sacar más de jugo en la película pero me parece el tema más interesante. El personaje de Gorr es un "alienígena" que pierde la fe en su dios cuando descubre que su vida dedicada a rezarle a este dios no ha significado nada.

*Conclusión

Thor: Love and Thunder sigue haciendo avanzar al personaje de Thor en su búsqueda hacia la felicidad y el amor. Todo regado de mucho humor, pero con un dramatismo que tiene el mismo peso. Nos presenta a un buen villano, nos hace reír y expande el mundo de los panteones de Marvel un poco más. Siendo muy distinta, me ha gustado tanto como Doctor Extraño. Hay dos escenas post-créditos. Yo me quedaría a ver las dos, aunque la buena es la primera.

Escrito por Daniel Buron

*Del comic al streaming

Como ya he mencionado, Sandman de Netflix, está basada en la aclamada serie de comics homónimos creados por Neil Gaiman. Siendo considerada una de las mejores novelas gráficas de la historia, The Sandman marcó un antes y un después en el género fantástico. ¿Está entonces esta serie live action bien adaptada? La respuesta es si, aunque a su pertinente manera.

Es evidente que tratar de adaptar una historia como esta con actores reales, iba a suponer una complicación. Y es que la visión de Neil Gaiman tiene su propia personalidad. Sin embargo, y a pesar de que, como suele ocurrir en prácticamente todas las adaptaciones de comics, hay diferencias notables, Netflix ha conseguido captar la atención con su versión; con un correcto resultado.

Era de esperar que hubiera ciertos cambios para tratar de atraer a un publico más genérico, y esto podremos notarlo en determinados personajes y sus roles, por ejemplo. Esto siendo objetivos no es algo que suponga un problema, salvo quizás para aquellos fans más exigentes. La atmosfera, los personajes y sobre todo el hilo que sigue hasta ahora el argumento, representan un buen homenaje a lo que ya se mostró en las viñetas de DC comics desde 1989. Uno puede sumirse en la serie y que le resulte similar si ha leído anteriormente dichas novelas gráficas. Aquellas personas que ya lo conozcan, notarán cierto desorden en algunas partes, que se arreglan al encadenarlas en la serie de forma correcta, para encajar a su manera las diferentes subtramas y que no te pierdas.

*Un viaje por el reino de los sueños

Sandman nos cuenta la historia de Sueño, el soberano del reino de los sueños y las pesadillas, y uno de los siete eternos; una familia bastante curiosa. Sus otros seis hermanos son Destino, Muerte, Destrucción, Deseo, Desesperación y Delirio, cada cual con su propio reino que gobernar y distribuir. Por desgracia, un día, tras un hechizo oscuro errado, Sueño es capturado por equivocación, y retenido durante más de un siglo; dejando su reino sin nadie que lo gobierne y controle. Esto por supuesto tiene sus fatídicas consecuencias en el mundo real. Ahora Sueño está libre, y tiene que arreglar todo el desastre.

La premisa de esta historia ya se presenta interesante de por sí, para todo aquel que sea seguidor del género fantástico. Sandman cuenta las andanzas de Sueño tanto en la época actual como en el pasado, pero también viajamos al reino de los sueños e incluso al mismo infierno. Los saltos entre épocas y reinos encajan bien en la trama, para poder contar la historia de forma que el espectador siga con interés y sin perderse en el intento. Esto es posible ya que en cada capítulo se toman el tiempo justo para contar lo que necesitan, sin estirarlo demasiado, ni saltarse partes imprescindibles. Aunque hay que decir que quizás hay diálogos que si podrían acortar un poco.

Los personajes en general tienen carisma y desempeñan un papel (Y hay que decir que las interpretaciones de los principales son satisfactorias). Aunque es cierto que se han introducido ciertos cambios, algunos más notables que otros, en general la formula funciona y resulta efectiva. Consigue transmitir lo que pretende, y a pesar de no ser perfecta, y de alguna escena perfectamente descartable, a rasgos generales es entretenida, a ratos oscura y en ocasiones incluso entrañable. Mezcla este cúmulo de emociones y lo obtenido es una serie con grandes posibilidades, y una personalidad propia que engancha de principio a fin.

*Una atmosfera adecuada

La escenografía de Sandman está de lo más lograda y trabajada, así como los vestuarios y la caracterización de sus personajes principales. No son calcos de la novela grafica que tratan de basar, pero para una serie live action resultan de lo más convincentes. Es cierto que hay muchos elementos que difieren, pero aún así funciona y resulta muy atractiva.

Su atmosfera, mezcla de oscuridad y luz, es una auténtica sorpresa, puesto que no es fácil entrelazar dos ambientes tan diferentes y que se compenetren en el mismo argumento. Sin embargo, Netflix, de vez en cuando nos ofrece un buen espectáculo, y se nota que ha invertido bastante dinero tanto en los efectos como en los escenarios.

Han hecho una buena labor con Sandman, y se nota el cariño y el respeto por la obra, en la cual también ha participado Neil Gaiman, por supuesto. De ahí que a pesar de sus cambios con las viñetas originales, la serie logre crear un gran parecido, y generar una expectativa para un futuro bastante brillante y con buenas posibilidades para al menos otra temporada.

*Conclusión

Sandman es una estupenda adaptación de la novela grafica homónima creada por Neil Gaiman. Algo que resultaba difícil de ver en un live action, ha sido posible, creando una atmósfera y personalidad única, que le aportan gran interés y posibilidades. Aunque hay elementos y personajes que difieren de la obra original, la fórmula que presenta Netflix funciona de maravilla.

Una historia que gustará a los fans del género fantástico y a los seguidores del cómic, a excepción quizás de los más exigentes. Una serie entretenida, que mezcla oscuridad y luz, y un argumento principal con subtramas muy interesantes. No es perfecta, pero desde luego han sabido encajar las piezas de forma correcta, para enganchar al espectador de principio a fin. Estoy deseando ver qué es lo que viene.

Escrito por Javi Sardi