Éric Besnard es un guionista y director galo que domina dos elementos: contar una historia para el gran público y teñirla de componentes que la hagan más sugerente.

Desde apuestas más pausadas como Pastel de pera con lavanda hasta más dinámicas como Cash (o El emperador de París, solo como guionista) demuestran que le gusta narrar, buscar personajes sencillos pero no planos, y poner siempre sentido del humor.

En esta aventura, vuelve a contar con Nicolas Boukhrief, con quien ya ha llevado a cabo más libretos, así como con algunos de los intérpretes. Aunque el film se promociona como una historia real sobre el primer restaurante, Besnard no se ha sumergido en datos. Ha escogido un par de rasgos y ha inventado todo lo demás.

Con un gran sentido del drama, ha mezclado esos ingredientes más históricos (la fragua de la Revolución francesa en la diferencia entre estamentos), con otros más costumbristas, románticos y culinarios. En este sentido, el diseño de producción y la puesta en escena son muy sólidas. El cineasta maneja y coordina con eficacia la ambientación de época, y la iluminación cálida y la oscuridad precisa con ciertos toques de modernidad. Y es que Delicioso introduce la idea del producto de proximidad, la igualdad entre las personas y, por ende, el rol plural y profesional de la mujer con una naturalidad más ligera y suelta que en otras propuestas de los últimos años.

Ese aire y ritmo más orgánicos también se contagian a cómo filma las escenas de cocinado y emplatado. Con atractivo estético y que apelan al paladar, tampoco caen en un preciosismo hueco: tienen su tiempo de protagonismo medido y siempre incluyen la interacción de las manos que preparan, cortan, cuecen o moldean.

Si bien en esta película no hay nada que no sepamos que vaya a pasar, sí que destacan algunos juegos de ocultar información que animan la trama. A este respecto, la dirección de actores (otro punto fuerte de Bésnard) deja un camino de matices que humanizan más los roles de unos veteranos como Isabelle Carré y Grégory Gadebois.

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Si el dicho “segundas partes nunca fueron buenas” se aplicase a una precuela, este sería el ejemplo perfecto. Al menos, esa es la sensación que se queda en el cuerpo después de ver un film de dos horas en las que pasa de todo y, a la vez, nada. Y sorprende, pues normalmente estos productos están destinados a gozar de un éxito similar —aunque pocas veces equiparable— al de su obra de referencia.

Creada por Alan Taylor, Santos criminales echa la vista atrás hasta los años 60 y 70 para revelar cómo fue la infancia y madurez de Tony Soprano, el jefe de la familia criminal DiMeo. Los más nostálgicos recordarán dichos nombres, dado que son los mismos que David Chase ideó y mostró en la serie Los Soprano desde 1999 hasta 2007. Catorce años después, Chase se involucra de nuevo en el mundo de la mafia italoamericana, esta vez como productor y guionista de la cinta.

A pesar de que la promoción de Santos criminales apunte alto con sus expectativas, la realidad está mucho más alejada. El largometraje presenta una variedad de tramas y subtramas que despiertan gran interés en un principio, pero que nunca acaban de desarrollarse al completo; muchas narraciones y ninguna acaba de calar hondo.

Lo mismo sucede con los personajes. Interpretaciones como la de Michael Gandolfini (Tony Soprano) y Vera Farmiga (Livia Soprano) son algunas de las más destacables. Sin embargo, el espectador se encuentra con un relato que no tiene un único protagonista, sino múltiples que van y vienen. De hecho, sorprende el verdadero papel de Tony tras comparar la gran importancia que se le atribuye en el tráiler y el rol casi secundario que finalmente se le otorga.

A quien sí puede verse más a menudo es al tío y referente de Tony, Dickie Moltisanti. Interpretado por Alessandro Nivola, representa el núcleo de la familia y la mafia, de la misma forma que lo hace Tony en Los Soprano. Es, en esencia, un hombre marcado por una rabia incontrolable con la esperanza de obrar buenos actos para compensar la balanza.

Intercalada con la biografía del tío de Tony se encuentra la historia de Harold McBrayer (Leslie Odom Jr.), un miembro negro de la familia DiMeo que pasa de ser el centro de las bromas racistas a convertirse en el mayor rival de Dickie. En este caso, el conflicto entre ambos queda zanjado en las dos horas de película. Además, es a lo largo de esta línea narrativa donde se plasman con cierta similitud las tensiones raciales en Estados Unidos en el momento de la acción.

En síntesis, Santos Criminales es una propuesta que no tiene un motivo claro tras su realización. El intento de desvelar el desarrollo de Tony Soprano se ve manchado por tramas adyacentes que solo consiguen despistar al público.

Quizá, este título que tendría mejor recibimiento si se hubiese presentado en formato miniserie, dedicada a indagar más a fondo en los personajes que marcaron la vida de uno de los mafiosos ficticios más conocidos de los últimos tiempos.

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Un pequeño contratiempo es una propuesta más sobre bucles temporales que, aunque haga varias referencias a Atrapado en el tiempo, se parece más a esas películas navideñas en las que uno hace balance de su existencia como en ¡Qué bello es vivir!

La interesante premisa presenta a un hombre que, cada ciertos minutos, salta al siguiente año de su vida, por lo que el tiempo transcurre veloz. Y de igual manera se acompasa la trama: rápida y alocada, pues de otra manera no podrían comprimirse diez años en una hora y media de metraje. El problema de esta celeridad es que la cinta no se toma tiempo en perfilar a sus personajes ni en mostrar su contexto. De hecho, poco se conoce de la historia en común de la pareja protagonista. O del trabajo de él, aparente causa de los problemas matrimoniales, aunque en ningún momento el espectador llega a saber en qué consiste esa profesión.

Debido a que es un proyecto de limitado presupuesto, el elenco también es reducido. Al dúo principal les acompañan pocos actores más. Aun así, Rafe Spall y Zahra Newman llevan el peso del film con bastante arte. Su trabajo contrarresta el poco desrrollo de sus roles.

Ambos proporcionan numerosos momentos de humor, que pueden llevar a la carcajada. Es interesante cómo se ha logrado hacer comedia de una situación familiar dramática pues, a pesar de que a medida que avanza la trama se van sumando tragedias, el largometraje exprime los tintes cómicos de cada una llegando a ser muy divertida.

Aunque tiene varios problemas de ritmo y profundidad, el título recoge unas conclusiones muy útiles. Recuerda al público –varias veces– que solo se vive una vez y, en consecuencia, la importancia de aprovechar el tiempo, valorar las cosas buenas que uno tiene, perder el miedo a comprometerse y aprender de los errores para que no caigan en saco roto.

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En 1966 Helen Reddy emigró a Estados Unidos con una hija de tres años y un contrato discográfico. Sin embargo, este fue cancelado y Helen se quedó sin nada en un país extranjero. A punto de abandonar, conoció al agente discográfico Jeff Wald y a la periodista Lilian Roxon, personalidades que cambiaron su suerte. Pocos años después, su single I am woman se convirtió en el himno del movimiento feminista y la cantante fue un icono de la década pero, a día de hoy, ha caído en el olvido.

Unjoo Moon, con el guion de Emma Jensen, pretende hacer resurgir de nuevo esta figura narrando su biografía. No obstante, la falta de precisión de la crónica no permite que el espectador llegue a conocer a fondo a la artista. La cinta muestra los obstáculos que superó la mujer de manera un tanto superficial, por lo que a veces sus logros parecen caídos del cielo. Asimismo, tampoco hay una buena contextualización del mercado musical de la época, lo que resta importancia a su carrera.

El film es sencillo y elegante con una gran ambientación. Evidentemente, su mayor virtud es la fantástica banda sonora, que no solo incluye canciones de la protagonista, sino también otras de los 60-70. Probablemente, la música y la fotografía sean las dos características que embauquen a la audiencia, aunque la historia que se narra también merece la pena.

Por supuesto, la película da pinceladas sobre el movimiento feminista, la ERA (enmienda de igualdad de derechos) o la repercusión de Phyllis Schlafly, llegando a parecer, por un momento, la serie Mrs. America. De todas maneras, el protagonismo está básicamente repartido entre el agente Jeff (Evan Peters), la periodista Lilian (Danielle Macdonald) y Helen (Tilda Cobham-Hervey). El elenco da la talla con personajes que aparentan mucha complejidad, pero encarnan numerosos clichés.

El que no busque una experiencia apasionante encontrará en I am woman un agradable visionado envuelto en melodías pegadizas. Además, descubrirá también la interesante trayectoria de una mujer inspiradora poco conocida actualmente.

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Dexter Fletcher es el director acreditado de, con este, cuarto largometrajes, entre los que destaca Eddie el Águila y el también musical Amanece en Edimburgo. Sin embargo, el cineasta y actor fue el responsable del resultado final de Bohemian Rhapsody, tras el abandono de Bryan Singer por las acusaciones de acoso sexual.

Su presencia y el talante de este biopic, promovido por el propio Elton John, nos confirma en una tendencia que, a nivel global, incluye no solo lo musical y cinematográfico sino una vuelta nostálgica a la ropa y gadgets de las décadas “recientemente” pasadas.

Se trata de una producción integrada por los hits del cantante y compositor ¬–además de una canción original y nueva de Elton Joh (I’m gonna) Love me again¬– versionados para vehicular una trama de biopic. El concepto del guion se acerca más al de musical de escenario, por lo que hereda sus clichés y mecanismos: esas convenciones que hacen que el espectador acepte giros y evoluciones automáticas y la expresión explícita de sentimientos y pareceres. Todo ello abunda en cómo funciona esa narrativa más centrada en el espectáculo y lo musical, y con un señalado acento por la fantasía e imaginación.

De hecho, el libreto de Lee Hall (Billy Elliot, La reina Victoria y Abdul), se dedica a acompasar la evolución musical y parte de su involución personal con la fuerte idiosincrasia artística. Elton John fue un innovador en la creación de temas melódicos pegadizos, a piano, pero con ritmos fuertes y marcados por una poderosa voz y presencia (vestuario y gestualidad) que convirtió en espectáculo.

El cuerpo de la historia reside en la identidad construida o destruida por la falta de amor. De ahí surgen ideas y momentos sugerentes que, como en el film sobre Queen, parte de una corrosiva relación paterno-filial. Sin embargo, el conjunto se queda más en un paseo que vehicula un retrato epidérmico de los terribles compañeros de viaje (sexo, drogas, alcohol…) con moraleja hagiográfica final. En esa tormenta que fue aquel periodo de su vida, destaca la subtrama de amistad con su letrista Bernie. Jamie Bell sabe dar luz sin edulcorar y revela lo necesario que es tener amigos fieles y desinteresados.

La película se configura así como un lúdico homenaje a este gran músico que, aunque orquestado por él mismo, tiene una brillante producción y ejecución musical y el mérito de un Taron Egerton interpretando cada una de las piezas.

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