Si hay algún gran protagonista en esta película (y que me perdone Di Caprio) es la naturaleza. Está filmada con una cercanía que asusta, y todos los elementos de la misma se abren ante nuestros ojos de una manera cercana y hasta a veces, hostil, como lo que es. Viento, nieve, lluvia, frío..., todo se ve envuelto en un halo de misterio que se nos va abriendo poco a poco, mientras que transcurre la película que, por cierto, está más que bien dirigida.
Es cierto que Di Caprio hace una actuación fabulosa, así como el malo de la película, al que coges odio de tan bien que interpreta su papel. El guión es adaptado de una novela, (que por cierto no he leído) pero me imagino que el guionista de la película no se debió de guiar mal, y supo, con dignidad, hacer bien su papel, aunque es algo que no puedo juzgar abiertamente, ya que como les he dicho, no he leído la obra. La fotografía es fabulosa, y desde el principio de la película, vemos con ahínco y dignidad, el como se tiene que visionar el mundo a través de la gran pantalla, sin preámbulos y con una dirección fija que nos lleva hasta la más profundidad de la tierra, ya que hay en ella un sin fin de detalles que nos dejan abrumados.
Es "El renacido", uno de esos films que se han de ver por obligatoriedad, ya sea para pasar un buen rato, o para pasarlo mal, depende del punto de vista con que se mire; pero no dejen de hacerlo, ya que en las casi tres horas que dura la película, siempre te encuentras envuelto entre pieles rojas y cazadores de pieles, ventiscas de las que asustan y osos que son para dejarle a un@ pegado al sofá de su casa. Es en definitiva una película de las que no hay que dejar pasar, puesto que nos lleva a la obligatoriedad de sentirnos, un poco mas humanos.

Si, aquí el que suscribe, tuvo la desgracia de que por aquel año del Señor de 1987, tener que vivir el divorcio de unos padres que se habían amado más de veinte años y con dos hijos de por medio. No fue fácil el vivirlo , si no más bien todo lo contrario, por eso, cuando en 1989 vi ésta película en el cine, no me quedé impresionado, si no más bien todo lo contrario, la entendí perfectamente. La película está basada en la novela homónima de Warren Adler, con un guión de Michael Neeson y dirigida por el siempre agradable a la vista Danny de Vito. Desde luego no se anduvieron con contemplaciones a la hora de llevar a la carga la situación de dos personas que pasan del amor al odio en cuestión de un año después de haber vivido juntos los mejores años de sus vidas. La interpretación de Katheen Turner como ama de casa abnegada que decide emprender un nuevo rumbo a su vida montando su propia empresa, es digna de admiración; en su momento, de hecho, se comentó mucho su NO nominación a los "Oscars" de aquel año, y es que lo hace de maravilla, con sus gestos despectivos hacia un marido al que por circunstancias a dejado de amar y se convierte, de golpe, en su mayor enemigo. Michael Douglas no se queda a la zaga a la hora de llevar a cabo su interpretación, como marido dolido al ver el como lo que más a querido en su vida, se va convirtiendo en un monstruo que puede llevar a cabo en contra suya la peor de las venganzas inimaginables. Y es que nos encontramos en una película, en la que todo gira alrededor de éstos dos personajes, y que en ningún momento podemos dejar de observar atentos y con mirada crítica, viendo el como una relación de pareja heterosexual se convierte en un infierno más allá de todo lo pensable. Y el caso es que la película es tan cierta como el aire que respiramos, pues como ya les he comentado anteriormente, tuve la desgracia de vivir algo parecido en mi vida personal; y por eso, les cometo que lo que la cinta nos cuenta no es en ningún momento ciencia-ficción, ni un cuento chino, si más bien todo lo contrario: tan real como la vida misma. Danny de Vito ha sabido hilvanar con hilo fino, una cruenta situación en la que todos de una manera u otra y tal vez, a lo largo de nuestra vida, nos podemos sentir involucrados, por eso es casi de visión obligada el ver ésta película, por lo que tal vez, nos pueda llegara pasar.

Cuando esta cinta se estrenó en las salas corrían los tiempos del cine de catástrofes, del final de la guerra de Vietnam, de la crisis del petróleo..., por lo que arriesgarse a deprimir al gran público, no sería plato de buen gusto. Había que animarlo, contentarlo. Pero... ¿Como?. Con musicales de nuevo hubiera sido un anacronismo tal que era impensable llevarlo a cabo: la sociedad había cambiado tanto que intentar animarla con plumas de marabú y lentejuelas era una tarea casi imposible . Los "westerns" se hallaban casi en el pozo del olvido y el drama... ¿Qué decir del drama, si el día a día ya lo era?.
Por eso los ojazos azules y el buen hacer de George Roy Hill (entre muchas otras cosas) triunfaron en los "Oscars" de aquel año con la maravillosa comedia "El golpe". Pero aquí no estoy para hablarles ni de historia, ni de otra película que no sea "El exorcista", no vaya a ser que me lean en los infiernos y la crítica se me tuerza... Les hablaba de los géneros cinematográficos de aquellos años y, con ellos, una sorpresa. Una película de terror, pero de las de verdad, basada en una novela convertida en "Best-Seller" y con un equipo de los que quitan el hipo. ¡Eso si que era hacerle olvidar a la gente sus vacuos problemas¡. Y se consiguió... ¡Vaya que si se consiguió¡.
No era tarea fácil, ni muchísimo menos, pero Hollywood, esta vez dio de lleno en la diana. Los entresijos del rodaje son por todos-as conocidos; pero eso no importa porque lo que vale es la esencia, o mejor dicho, el contenido de la esencia. Y esta película tiene mucha. Ellen Burstyn no deja impávido a nadie; tiene el terror marcado en la cara ante una hija que se masturba nada más y nada menos que con un crucifijo, para que la envíen - a ella y a su retoño- a las manos de un hechicero, o mejor dicho, de un cura, despues de haber pasado por las clínicas mentales más exclusivas de Washington. Y el sacerdote, para mas INRI, tiene una vida personal más confusa y derrotada que el peor de los mortales.
Y es que ahí se encuentra la magia de "El exorcista", que tras los ojos y berridos de una hija poseída, se encuentran los problemas de una vida arruinada por ello.; y que tras la imagen de dos pulcros sacerdotes, se encuentran problemas muy humanos. Entonces... ¿Estamos ante una cinta de terror o ante un drama?. No es dificil, nos hallamos ante las dos cosas, y espero no ser el único en haberlo observado.
Por eso "El exorcista" sigue viva, continúa llegando a todos, por su buena factura y su mensaje. Cercano a todo y alejado de todo lo demás, manteniendo a pesar de los años, un magnífico puesto entre las mejores obras del séptimo arte.

No sé si alguien se molestará en leer mi crítica sobre esta película que tantos quebraderos de cabeza nos ha traído. No es que sea una mala mala película, si no más bien todo lo contrario. Ya se ha convertido en una película de culto y no le faltan razones.
Tuvo la osadía de mostrarnos a una Berkley completamente desnuda, sin ningún tipo de pudor bajo la atenta mirada de Gina Gershon, otra actriz que en la cinta muestra sus senos como si de un regalo de los dioses se tratase. Y es que eso es lo bueno de Showgirls, que tuvo el atrevimiento de mostrarnos el sexo puro y duro como ninguna película lo había hecho hasta la fecha, en el ya lejano año de 1995. Y es que ese valor tiene un precio, y es que desde entonces ninguna otra película se ha atrevido a hacer lo que se hace en esta, mostrarnos la relación entre hombre y mujer sin tapujos, enseñándolo todo, sin reservas ni medias tintas de por medio. Desde entonces, ninguna otra película ha sido capaz de mostrarnos lo que en Showgirls se enseña, ya sea por miedo o lo más factible, por doble moral.
También está presente el tema de la amistad, y el odio que pueden llegar a tenerse esas chicas entregadas a enseñarlo todo por un puñado de dólares. La protagonista se siente en deuda con su compañera de caravana, que la ayuda de manera desmedida desde que Berkley llega a Las Vegas sin más ayuda que su físico espectacular. Y es que la película sabe indagar entre los entresijos de una sociedad corrompida por el deseo del sexo; sabe adentrarnos en la política falsa de un mundo mejor, sin Sida, sin enfermedades de transmisión sexual o sin los problemas que puede acarrear el tener sexo sin contemplaciones. ¿Y de la cocaína qué me dicen...? Todos en los 90 que quisieran ser algo (o casi todos) esnifábamos coca como si de helados de vainilla se tratase, y en Showgirls se nos muestra esa adicción, como algo natural que sale de las entrañas de nuestro propio cuerpo. Otro punto a favor de la película, que muestra sin reservas el como las narices de unos y otras se van llenado de ese polvo blanco que te hace llegar mas lejos que a las brillantes estrellas; es de cajón pensar que la crítica de la época no viese con buenos ojos el como la sociedad que se creía casta y puritana, diese al traste con esa sinfonía de droga que se nos muestra en el film.
Showgirls es un muestrario desmedido de todo aquello que da miedo tocar por el miedo al que dirán. Es una fábula clara y concisa sobre los miedos del ser humano por ir hacia caminos prohibidos. No se pueden tener amigos si no llegas a tener un interés para llegar lejos en este mundo; y no es baladí el pensar que esa materia de la que está hecha la película, es cierta. La cinta no se halla entre medias tintas para mostrarnos lo más terrible de las personas: el egoísmo por encima de todo. Berkley nos enseña todo, (y todo es todo), para confabularse con los miedos propios de nosotros mismos. Showgirls se atreve a llegar lejos, a traspasar los horizontes de un mundo en donde todo vale; dónde la bondad es una caricatura lejana de la que es mejor alejarse.
Paul Verhoeven se atrevió a mostrar una película en donde la pura verdad es la regla más eficaz para llegar lejos; se apoyó en unas interpretaciones que van mas allá de lo sensual, para proyectar momentos que en la vida es mejor no enseñar, que es mejor tener guardados en un armario como un gay que no quiere salir del mismo. Mirando la película casi treinta años después de su estreno, me atrevo a consolidar la cinta como un acierto en todos los aspectos, ha sabido traspasar los océanos del tiempo (como diría Drácula), sin llegar a convertirse en una película pasada de moda o alejada de mostrar una sociedad que en el fondo no ha cambiado tanto, pero que ya no se atreve a mostrar el desnudo femenino como algo natural. Ahora en las películas, todas las mujeres hacen el amor con el sujetador puesto, ya no se atreven a enseñar lo que en Showgirls se nos muestra; la belleza femenina como algo sugerente y sensual.
Vuelvan a verla, lectores de filmaffinity, se lo recomiendo de todo corazón, para que se den cuenta de que este film ha sabido llegar lejos sin más apoyos que su propia osadía.

Hacer una crítica de esta película tras tantos años después de su estreno no va a ser cosa fácil. He de empezar diciendo que no he leído la novela en la que está basada la cinta, por lo que puedo crear un vacío al que no me gusta llegar. De todas formas voy a valorar la película tal y como la siento.
Lo primero que he de hacer es elogiar los papeles de las actrices que conforman la película: Julianne Moore a parte de estar guapísima hace un papel digno de la más alta mención, así como el de Nicole Kidman, fabricando de Virginia Woolf, una mártir que llega a lo más alto, tanto que le concedieron la estatuilla dorada por su genuina interpretación, y es que no es para menos, pues nos lleva al delirio al hablarnos con una sutileza inconcebible la relación entre la vida y la muerte, el desamparo y la soledad.... El maquillaje hace de ella que la veamos en su más destacada fealdad, pareciéndose terriblemente a la poetisa en la que está basada su personaje. No hemos de olvidarnos de Toni Colette, que a pesar de hacer un papel poco destacable, nos deja una sensación de belleza tardía y la sombra de una amistad con un trasfondo de lesbianismo oculto entre los visillos de una población norteamericana; su interpretación es tan maravillosa como sutil. No he de olvidarme de Meryl Streep que haciéndose valer de un sólido papel, me parece que no llega a la altura de las otras protagonistas. No es que lo haga mal; ni muchísimo menos, pero la solidez de una neoyorquina contemporánea no llega a la altura de las otras mujeres que viven para y por el detrimento de sus vivencias ocultas.
Hablar de Las Horas sin hombres es como hablar de un jardín sin flores. Todos pasan por la cinta como fantasmas relegados a la posición de ser manejados por mujeres maravillosas a la vez que en algunos momentos, hasta malvadas. John C. Reilly deja en su interpretación un regusto amargo de hombre comprometido con la sociedad clasista en la que le ha tocado vivir haciendo gala de un papel más que relevante en la película. Ed Harris no deja a nadie impávido trabajándose el papel de enfermo de Sida en los terribles momentos de la enfermedad, es un poeta maldito llevado al máximo exponente de la soledad, y al lado de Meryl Streep no se deja aminalar por la estrella con la que le ha tocado compartir protagonismo. Y es que Las Horas es una película por y para mujeres, todas ellas relegadas al sólido detrimento de la desesperación.
Stephen Daldry ha sabido hacer una película maravillosa, basándose en un guion difícil de manejar, pero que él ha podido entretejer sorteando los peligros que ello conlleva. Ha hecho de una película difícil una poesía innata en cada uno de los planos que conforman el film, llevándonos al éxtasis con una maravillosa Banda Sonora Original y una fotografía digna de el más alto nivel. No me parece lógico pues, que no obtuviera más Oscars; se merecía el de mejor película por lo menos, pero los académicos prefirieron la facilidad de las luces de neón de Chicago, que los entresijos de unas mujeres que pasan por la película como auténticas heroínas, trabajándose papeles de una dificultad extrema, ayudadas por una dirección del más alto nivel.
Aquí dejo escrito lo que pienso de esta obra de arte, porque Las Horas lo es; sin ningún género de dudas. No ha pasado el tiempo por ella, es más, ha crecido su nombre entre las páginas de un libro del llamado Séptimo Arte.