Décimonovena película dirigida por el prolífico director de cine japonés Takashi Miike, estrenada en 1999.

Un año después de que Nakata comenzara con "The Ring", en cierto sentido, esa nueva hornada de cine de terror japonés de notable calidad, el quimérico Miike quiso unirse a la fiesta con su particular visión del terror. Es uno de esos directores controvertidos, que ha logrado a lo largo de un buen número de películas crear su propio estílo, esta es una de sus extrañas e inconfundibles maquinaciones. Miike en estado puro. Suele rodearse de buenos e ingeniosos guionistas, en este caso es Daisuke Tengan, con el que trabajaría después en otra de sus películas más originales y desconcertantes, Huella (2005). No debo dejar de decir que Miike está fuera de cualquier moda, corriente o patrón que se nos pueda ocurrir.

El guión se basa en la novela con el mismo título de Ryu Murakami, uno de los escritores actuales más populares del panorama literario japonés. La historia es original, arriesgada y sorprendente.

La película se podría explicar de una forma muy clásica, comienza presentandonos a los personajes, de forma convincente, plantea un camino que va desarrollando de forma pausada y con un cierto sentido del ritmo, profundizando en los personajes y a donde quieren llegar. En este punto cabe destacar la relación del padre con su hijo, creo que como mero drama se sostendría bastante bien. Una de las razones de porque Miike me parece un virtuoso del cine, es porque sabe mezclar géneros con esa naturalidad pasmosa. Se masca el olor de la tragedia, pero mientras, nos "confunde" con historias cargadas de realismo y drama. Ese fantasma que estamos esperando nos va llegando poco a poco como el rumor de una melodía que brota de una lejana caja de música. Bien es cierto que nos va advirtiendo del peligro con alguna escena de breves segundos, donde se advierte algo nauseabundo y profundo, un sufrimiento con aroma a antigüo. Así viajamos hasta el punto álgido donde las más oscuras, y porqué no decirlo, violentas pasiones campan a sus anchas.

En cuanto a la dirección, me parece excelente el trabajo de dirección de actores, el sentido del ritmo y esa habilidad para mezclar géneros; La ambientación es desagradable y fría, en consecuencia muy apropiada para la historia.

La fotografía no hace alardes, se mantiene siempre muy en concordancia con el guión, es tan realista como las situaciones que se van sucediendo y cuando llega el terror juega más con la luz que con la oscuridad.

Los cuatro actores principales de la película hacen unas interpretaciones correctas y apropiadas al guión.

Será un clásico para todo amante del cine de terror.

Cetvrti covek es el título original de la primera película de Dejan Zecevic, dirigida en colaboración con Boban Jeftic en el año 2007 y estrenada el 31 de Octubre de ese mismo año. En 2008, fué proyectada en el programa oficial del decimo cuarto Festival de Cine de Sarajevo junto a otras nueve películas de directores como Blaz Kutina o Goran Rusinovic.

Esta película es sobre todo una película de acción, pero también es un thriller e incluso un drama. Quizá por su nacionalidad, o quizá por como emplea la violencia, me sorprendió gratamente. Como cine de acción, es todo lo interesante que puede ser, el protagonista es un tipo duro que busca venganza, eso sí, situa bien al personaje con un muy aceptable sentido del ritmo y además utiliza el realismo de una forma muy convincente y muy cinematográfica, lo que creo que le otorga un mayor grado de interés. La aún cercana guerra de los balcanes sirve para enmarcar la historia y a los personajes, nos plantea los precedentes sociales, militares y políticos sin entrar en demasiados detalles pero proporcionándole su particular universo.

Como thriller o película de intriga es también bastante interesante ya que nos sumerge en una oscura trama, en la que un hombre despierta después de dos meses en coma y sin aún reconocerse a sí mismo, descubre que su mujer e hijo han sido asesinados. A partir de esa idea, el guión nos va llevando por terrenos muy grises, donde vamos descubriendo al mismo tiempo que el protagonista una serie de tramas y personajes oscuros y violentos cuyas
situaciones son resueltas, casi siempre de la peor manera... a tiros. Así, hasta un final, que sin ser demasiado original, deja la historia cerrada de forma convincente y coherente.

Se puede considerar cierta crítica a la guerra y a la política serbia, ya que nos muestra con dureza ciertos hechos deplorables de algunos soldados serbios y esto, como digo, es el marco en el que se desarrolla la historia.

La música la firman Nemanja Mosurovic, músico serbio que anteriormente trabajó en spots de televisión y Slobodan Negic.

Recomendable thriller de acción, para empezar a descubrir el cine de este país.

Película de Animación dirigida y creada por Pedro Rivero en el año 2007, en colaboración con el equipo de animación Nikodemo, responsables de la serie "Cálico Electrónico", expuesta en el festival de Sitges de 2008 fuera de concurso. Ha rodado por varios festivales de animación en distintos países como Rumanía, China, Eslovenia, Serbia o Armenia.

Se trata de un largometraje realizado en Animación Flash para la gran pantalla, lo cual se puede considerar como algo positivo, por ser una idea novedosa dentro de la animación en cine.

Narrativamente en mi opinión no aporta nada en absoluto, un guión con bastantes problemas para contar una historia coherente y técnicamente la animación no sorprende, simplemente marca su estilo siendo animación flash. Podría haberse hecho de otra manera, pero quizá tenga su encanto ahí precisamente. Lo novedoso de esta técnica, se enfrenta de alguna forma a la calidad.

Tiene ciertas referencias, sobre todo políticas que pueden proporcionar algo de interés, si te gusta el tema, pero en mi opinión no merece la pena profundizar.

La historia entretiene, a ratos puede ser divertida, es perfecta para ver con los amigos con unas cervezas si te apetece echarte unas risas, te deja un par de citas graciosas para comentar después pero no aporta mucho más.

El único punto interesante lo encuentro en el doblaje realizado entre otros, por actores como Enrique San Francisco, José Coronado, Alex Angulo, Pablo Carbonell o Pedro Reyes. Todos cumplen con soltura, pero hay uno que a parte de cumplir, enamora; Enrique San Francisco, encarnado en una hiena que parece ser el único personaje inteligente de la película y que va sobrado de humor negro y sarcasmo, sustituye las carencias del guión con un estilo, que pudiendo gustarte o no, tiene un encanto y una simpatía indudables. También tiene cierta gracia, aunque bastante absurda el personaje de Gorka Otxoa, un gallo empeñado en ir siempre "A la Guerra!!!!!!".

Cabe destacar por ser muy divertida una autoparodia, realizada por Enrique San Francisco y su hiena y José Coronado y su gran y manso tigre, parodiando una famosa escena de la película Blade Runner. Si te gustó Blade Runner y le pones un poco de sentido del humor disfrutarás con ella y te reirás a lo grande.

Como conclusión decir que si sientes algún interés por el doblaje, échale un vistazo a la película, si no.... hay mucho cine que ver.

Película de terror francesa dirigida por los debutantes Julien Maury y Alexandre Bustillo, con guión del propio Bustillo, música de Francois Eudes y fotografía Laurent Barés. Se estrenó en el festival internacional de cine fantástico de Sitges en año 2007, llevándose el premio a los mejores efectos de maquillaje y compartiendo cartel con películas muy a valorar como el western japonés "Sukiyaki Western Django" de Takashi Miike o la propia "Rec" de Jaume Balagueró y Paco Plaza.
Con un guión que no llega a despuntar ni por su originalidad ni por su maestría, y que no nos llega en ningún momento a sorprender, la película se defiende y nos entretiene gracias a una correcta dirección, capaz de crear y desarrollar la intriga durante toda la película, con planos que no dejan escapar un sólo detalle de la macabra violencia de la acción y una fotografía que apoya con habilidad a la historia mediante el uso de fuertes contrastes entre luz y oscuridad sin dejar de mostrarnos en ningún momento un estilo bastante comercial, en cuanto a dirección y fotografía, no así en cuanto a la extrema violencia de la historia.
Cabe destacar el trabajo de las dos actrices principales, en especial el de Beatrice Dalle que consigue aterrorizar a la audiencia, con uno de los personajes más violentos que se han podido ver en una pantalla de cine últimamente. Cumple con su papel con creces y convence, su personaje le da el punto necesario de intriga a la película y gracias a su buena interpretación te mantiene en tensión hasta que llega un nuevo momento de violencia explícita.
El valor de la interpretación de Alysson Paradis reside en el dramatismo que consigue expresar, en esa tristeza que desde el principio nos sumerge en la historia.
Es una película interesante gracias a que trata un género o subgénero como el gore de una forma muy realista, impacta y te mantiene en tensión durante los 83 minutos que dura.

“La maldición de Frankenstein” (1957) representa el renacimiento del cine de Terror Gótico a finales de los 50 e inició una travesía llena de éxitos para la “Hammer Film Production Limited”.

Terence Fisher realizaba con ésta su cuarta película, su excelente trabajo se vio privado de libertad por trabajar casi siempre bajo los postulados de la “Hammer”, pero fue esta película la encumbró su carrera. Aquí nacían los éxitos de la “Hammer” y de Terence Fisher”.

El guión revisa el relato de la novela de Shelley creando una historia con una serie de componentes nuevos. Coloca al Doctor en prisión, intentando convencer a sus carceleros de que él no ha cometido los terribles asesinatos que se le imputan, argumentando que fueron ejecutados por la bestia que él mismo creó clandestinamente en su laboratorio. Es un guión temporalmente lineal excepto porque utiliza el recurso de contarlo a modo de “flashback”. La primera y última escenas son las únicas que transcurren en su tiempo real. Es un guión con dosis de suspense y terror, pero carece de escenas realmente poéticas, como la del reflejo en el lago. La visión de “Hammer” de trabajar de una forma más comercial, comenzaba a dilucidarse.

Pese a verla hoy, como puro entretenimiento, sus personajes mantienen cierta complejidad. La interpretación del Dr. Frankenstein, encarnado por el mítico Peter Cushing, realiza un papel sumamente representativo de esa idea de “Mad Doctor”. Es su actuación, junto a la de los otros tres protagonistas lo que mantiene el interés en esta cinta. La credibilidad de su personaje, engendrada con un sarcasmo de lo más pérfido, y su habilidad para llevar al personaje a registros tan amables como perniciosos, hablan elocuentemente de sus habilidades interpretativas. Pero es la composición de personajes, lo realmente interesante.

Esa dualidad entre el “Mad Doctor” de Cushing y el científico honesto y ético interpretado por un Robert Urquhart, que destila clasicismo y elegancia por los cuatro costados, componen el punto fuerte de la trama. Una lucha entre el bien y el mal, que se enfrentan eternamente como una idea religiosa, que refuerza de nuevo la idea de “Mad Doctor” y su lucha por transgredir toda normal moral, con la idea de ser “Dios”.

El personaje más atrayente desde el punto de vista estético, es sin duda el monstruo interpretado por el mítico Christopher Lee. Creo que su actuación carece de interés comparándola con el Robert de Niro de la película de Branagh o el Boris Karloff de la de Whale.

Considero que esta película aún siendo concebida como de Serie B, merece ser apartada al menos, de las connotaciones despectivas de tal apelativo porque pese a no representar nuevas ideas desde el punto de vista narrativo, plantea una nueva corriente estética y una revisión en su momento necesaria de antiguas ideas que merecían ser colmadas de color para ampliar así nuestra amada historia del cine.