"Memories of murder" arranca y termina con el personaje protagonista (policía)interpretado por el gran Song Kang-ho, mirando dentro de un dique en el que al principio se encuentra un cadáver, uno más de una larga lista de los perpetrados por un asesino en serie que tiene en jaque a la policía de la ciudad (todo sea dicho de paso,una banda de incompetentes, liderada por el propio Song, cuya disparatada forma de trabajar incluye lo que él considera una capacidad de distinguir criminales con su mirada; a través de este método confunde al que será uno de sus compañeros llegado de Seúl con un criminal-¡¡¡sic!!!- ).
A lo largo del metraje, los tres policías y el jefe de los mismos se mostrarán impotentes por distintas razones para dar con el asesino (entre las razones se encuentran la avería del coche en el momento más inoportuno o dos falsos culpables o la negativa en la coincidencia en el ADN del que es el sospechoso número 1).
Al final, el policía llegado de Seúl intentará acabar de manera contundente con el caso, intentando asesinar a sangre fría al sospechoso al cual apuntan todas las pruebas (convirtiéndose en aquello contra lo que luchaba al principio, y evitado,contra todo pronóstico, por Song).
El final de la película, con Song convertido en un empresario tras abandonar la policía, se sitúa en el mismo dique años después, tras ordenar Song parar el coche en el que va porque ese sitio le trae los recuerdos de aquel caso, que seguramente provocó su marcha de la policía. Cuando está mirando dentro del dique una niña se le acerca diciendo que otro hombre ha estado no hace mucho tiempo en el mismo lugar porque "allí hizo algo hace muchos años". Song queda impotente tras la descripción que la niña hace del hombre, alguien "ordinario y sin atractivo alguno", siendo consciente de la imposibilidad de atrapar a ese hombre (cual destino del que es imposible huir), una situación que haga lo que haga seguirá persiguiéndole para siempre.

Y es que si algo abunda en TRES COLORES: ROJO es, precisamente, el color rojo. Toda la estética de la película está trabajada en función de la paleta cromática cálida, destacando por encima de todos ellos el rojo en sus distintas categorías, desde el rojo más brillante y pasional como el del cartel del anuncio de Valentine hasta el ocre otoñal de las hojas de los árboles de la entrada a la casa del ex juez Kern, creando así una asociación de ideas muchas veces con la etapa vital y el carácter de los personajes (el rojo más brillante, vivo de la dulce y joven Valentine- el rojo más otoñal, apagado del ya anciano y desencantado Kern).
El rojo es el color de la fraternidad, según la asociación que se hace en los ideales franceses tras la revolución de 1789, que finiquitó el Antiguo Regimen y dio paso a la modernidad en Europa, con la burguesía como abanderada del cambio y de los nuevos tiempos. TRES COLORES: ROJO nos narra la historia de Valentine, una modelo que vive en Ginebra y que tras atropellar a una perra y salvarla (fraternidad), crea una relación con un viejo juez retirado que vive desencantado, espiando a sus vecinos a través de escuchas telefónicas. Entre ambos irá surgiendo una complicidad y una intimidad que les llevará a contarse los secretos y los problemas que habitan en su interior.
TRES COLORES: ROJO aprovecha también para elaborar un discurso sobre el azar de la vida y de sus situaciones. El film arranca con una llamada telefónica del celoso novio de Valentine, y a través de una movimiento de cámara, seguimos el trayecto del sonido que cruza innumerables cables, atraviesa el océano y llega al aparato receptor de nuestra protagonista, que no se encuentra en casa en ese momento. Esta sencilla secuencia nos ofrece una parábola sobre la interconexión de las personas por muy distantes y separadas que parezcan en un primer momento. Un anticipo de lo que ocurre a lo largo del film, en el que personajes y situaciones se entrecruzan sin darles ellos mismos la importancia que merecen en el momento y que sí tendrán en el futuro. Es muy revelador en este sentido, las apariciones tanto de Valentine como de su vecino, el estudiante de juez, en segundo plano desde el punto de vista subjetivo de ambos,mirándose sin mirarse, sin dar importancia a una posible historia de amor en ciernes que nunca tendremos la oportunidad de comprobar pero que intuimos al final del film.
Pero sin duda la historia más emotiva en este círculo azaroso es el de la renovación de la historia del viejo juez desencantado de la vida tras un amor fraudulento que aprueba su examen de licenciatura por un (otro) golpe del destino, encarnado en la figura del joven juez que sí que tendrá un aparente final feliz en su historia de amor con la joven a la que tiene idealizada (Valentine). Es remarcable el juego simbólico que usa Kieslowski en su puesta en escena para desarrollar esta historia, con Madeleine expuesta en una publifotografía gigante sobre color rojo en carteles de la ciudad, que empequeñece en tamaño al propio juez cuando la observa (subrayando la idealización que un fantástico Jean Louis Trintignant siente por la muchacha) y el plano final de la TV de la propia Valentine una vez ha sido rescatada de un naufragio en la que es una de las pocas supervivientes y que asemeja sospechosamente a la fotografía de la publicidad.
TRES COLORES: ROJO cierra de manera magistral una trilogía ya de por sí extraordinaria y eleva a Kieslowski a la categoría de magna figura del cine europeo de finales del siglo XX, a reivindicar urgentemente.

Y es que bien deberíamos empezar a analizar esta película desde lo que Hitchcock definió como leit motiv, es decir, un elemento narrativo que es usado como excusa para tratar de algo más profundo y filosófico. Y es ahí donde Spielberg aprovecha la figura del monstruo marino ideado por Carl Gottlieb para hablar de los miedos y la paranoia de la sociedad estadounidense de la época, totalmente deprimida tras perder la guerra en Vietnam.
El tiburón del film es la exteriorización de los miedos de su protagonista, el capitán de policía Brody (inolvidable Roy Scheider) que vive en una isla a pesar de sentir pavor por el agua ("sólo es isla si se la mira desde fuera" llegará a decir el bueno de Brody).
El final del film, con ese duelo westerniano entre el tiburón y Brody no será más que la solución de ese conflicto interno del personaje, que se enfrenta metafóricamente cara a cara con sus miedos.
Es también notable, dejando el apartado filosófico y centrándonos un poco en lo técnico, el magistral uso del lenguaje cinematográfico y de sus elementos que hace Spielberg, que separa el film en dos partes muy concretas:la primera, la de los diversos ataques del tiburón en el que apenas vemos al monstruo, dejando a nuestra imaginación trabajar para aterrarnos aún más ante lo que se nos presenta; y la segunda, la aventura marinera de la caza del monstruo de los tres protagonistas, con la presencia más constante del tiburón y un tono más aventurero.
Una genialidad que permanece en la memoria colectiva como uno de los mayores logros artísticos de una época (los años 70) no corta precisamente, en éxitos de esta envergadura.

Las aventuras de Katniss Everdeen, Peeta y demás amigos llegan al final en esta entrega última de las novelas de Suzanne Collins, en la que Katniss tiene como objetivo matar a Snow (Donald Sutherland) el presidente tiránico del Capitolio.
La falta de garra del embrollo es remarcable, así como la de un poco de sentido del humor, que le hubiera ayudado y mucho a aligerar una trama que no se puede tomar en serio a sí misma.
Tampoco el excesivo metraje de la función ayuda. Y es que este último LOS JUEGOS DEL HAMBRE se apunta a la moda de las grandes sagas del siglo XXI (EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, HARRY POTTER) de adornarse de excesivos finales que acaban con la paciencia de quien lo único que siente es alivio cuando parece que va a terminar.
Este intento de denuncia bienintencionada, pasada por el filtro de la mirada de la generación así llamada millenial, se queda con la sensación de haber triunfado económicamente, pero lejos, muy lejos, de ser considerada como una obra que perdurará en el recuerdo cinéfilo-intelectual de quien la ve.

Casablanca es una ciudad sita en Marruecos. Pero es también parte de la Francia no ocupada por los nazis. Un pequeño fragmento de tierra, adonde los desamparados llegan; donde los antifascistas hacen escala antes de coger el avión de Lisboa que les lleva a América; es el lugar donde los líderes de la resistencia tienen un respiro (aunque sea mínimo).

Casablanca es donde se encuentra el local de Rick, el café al que “todo el mundo va”. Bogart regenta un lugar que se convirtió en mítico. ¿Quién no quisiera ir al Rick? Uno sabe que es un plató de estudio. Precisamente su irrealidad es lo que lo hace tan irresistible. Tan mágico…

Casablanca es el sitio donde los enamorados se reencuentran y su tiempo se detiene. No importa lo que haya pasado. “A kiss is just a kiss; a sigh is just a sigh”… Es el paraje mágico, un lugar más allá de la Tierra donde se extenderá la imposible historia de amor entre Rick e Ilsa, una llama que se niega a apagarse, un fuego que no se extinguirá jamás, y mucho menos de la mente de los cinéfilos.

Casablanca es donde todos nos enamoramos de Ingrid Bergman. O de Ilsa… O de ambas. Tan frágiles, tan románticas, tan fuertes ambas.

Casablanca es la película donde Humphrey Bogart lleva a sus personajes característicos hasta el clímax. Donde todos sus roles de hombre de apariencia cínica y dura pero de corazón amable alcanzan el punto de no retorno. Donde permite ahogar uno de los himnos nazis bajo los acordes de La Marsellesa; donde ayuda a ganar el dinero suficiente para pagarse el pasaje a América a una joven búlgara y a su esposo, evitando de este modo que la chica tenga que prostituirse; y sobre todo, donde renuncia a su amor por Ilsa en aras de un mundo libre…

Casabanca es el lugar donde recordar lo vivido en París, y de ser conscientes que aunque no lo podamos volver a tener, siempre nos quedará París… “No matter what the future brings, as time goes by…”

Casablanca es muchas cosas, pero sobre todo es una de las películas más extraordinarias de la historia del cine. Y eso ya es mucho