Si no fuera por los espectaculares efectos especiales, las más de dos horas de duración y la tímida historia dramática que interrumpe de vez en cuando el núcleo de la trama, el espectador de Godzilla: rey de los monstruos podría pensar que está ante uno de esos documentales de sobremesa en los que se admiran las maravillas de la naturaleza, muchas salvajes y peligrosas.

Y es que, realmente, el núcleo de la trama, son las incesantes peleas de la, eso sí, grandiosa galería de monstruos gigantescos que combaten constantemente entre ellos y contra los humanos; destrozan cualquier edificio, ciudad, coche u objeto que haga suficiente ruido y huyen, como haciendo un receso, para reaparecer más inmunes aún a cualquier arma mecánica o química.

El guion es demasiado simple, considerando, incluso, la saga a la que pertenece. Aunque su inmediatamente predecesora Godzilla (2014), tampoco fuese un prodigio de imaginación narrativa, suponía un ilusionado empeño por continuar con las historias del conocido monstruo y traía a la actualidad la pelea burocrática iniciada con Kong: la isla Calavera, ambientada en los 70’.

Dougherty y Shields solo prestan atención a los grandes bichos y a una música agotadoramente apocalíptica que se mueve entre Wagner y ACDC sin compasión ni descanso. Los recursos visuales fascinan en cuanto al realismo con el que dibujan a los gigantes y las humaredas y luces crepusculares en las que ambientan las peleas demuestran gran dominio de la fotografía pero, dada su escasa variedad, no tanto el de la imaginación.

Merecería un capítulo aparte el tema de los detalles inverosímiles, descabellados y absurdos incluso dentro de este cine de fantasía y aventuras. Los animales que cambian de bando, las armas que a veces hieren y a veces no o los personajes que aparecen y desaparecen como si sus papeles todavía estuvieran sin escribir (en el caso de Charles Dance y Sally Hawkins casi mejor no relacionarlos con este producto).

No obstante, dejemos lo incongruente aparte y quedémonos, quien quiera, con la eficacia de unos efectos que consiguen, antes de entrar en bucle, hacernos creer que estamos a punto de ser aplastados y devorados por Godzilla y sus amigos.

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En el primer largometraje que escribe y dirige, Estibaliz Urresola Solaguren ha decidido abordar un drama familiar de manera delicada. Durante unos días de verano, Ane (Patricia López Arnaiz) deberá enfrentarse a su crisis de identidad, a la inestabilidad de su matrimonio y a las nuevas perspectivas que abre su hijo Aitor (Sofía Otero) cuando manifiesta que quiere que le llamen Lucía.

Con poca espectacularidad, el público puede hacerse cargo de la fragilidad de la familia y de la infancia, así como de que siempre hay diversas maneras para afrontar un problema.

Sin embargo, el exceso de metraje (más de dos horas), el ritmo lento y la trama que no capta la atención contribuyen a que la película resulte extremadamente larga. Además, sus intenciones parecen quedar flotando.

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A partir de la serie Unforgiven de Sally Wainwright, Peter Craig, Hillary Seitz y Courtenay Miles llevan a cabo una lúcida adaptación de un argumento dramático, alrededor de la reinserción de personas convictas en nuestra sociedad.

Nora Fingscheidt dirige su segundo largometraje, que cuenta con la propia Sandra Bullock como protagonista y productora. La conocida actriz interpreta un papel poco habitual en su carrera, pero lo lleva a cabo con convicción.

A favor de este resultado juega la contención general con la que se escriben los diálogos y se ruedan las escenas. Si bien algún pasaje resulta menos comedido, la luz gris, las frases escuetas y los encuadres fijos hacen de la película un repaso sobrio, aunque inquietante, a un intento de recuperar la vida, después de la cárcel.

La creación de diversas subtramas, todas confluyentes con el conflicto principal, aporta dinamismo y movimiento al guion. Mientras, la brevedad de los flashbacks (algo que se entiende solo y del todo al final) también suma en la intensidad narrativa, que solo se resquebraja por algún giro menos elaborado en algunos de los personajes.

Es verdad que Imperdonable no resulta especialmente innovador en ningún terreno. Sin embargo, esta propuesta de la cineasta alemana relata, de forma más que aceptable, un trayecto sobre el perdón, la reconciliación, el acoger a las personas para sus segundas oportunidades y el sacrificio por la familia.

Además, su recorrido coral permite ir empatizando con roles y situaciones diversas para, de este modo, poder ver todas las caras de la moneda.

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Siguiendo la estela de En busca del arca perdida o filmes recientes como Jungle Cruise y el remake de Jumanji; La ciudad perdida, plantea una aventura trepidante en torno a un tesoro escondido en las profundidades de una lejana y vetusta metrópoli. Mediante la hibridación de géneros (comedia, aventuras y romance) los hermanos Nee construyen una premisa original, sin muchas pretensiones, con la que pasar un buen rato.

El elenco estelar está capitaneado por Sandra Bullock, en una cinta donde utiliza la incomodidad a su favor, y por Channing Tatum, que consigue con creces representar a un apuesto chico tontorrón con un trasfondo amable. Asombrosamente, muestran gran química entre ellos y, a pesar de que el romance es predecible, es también efectivo.

A ambos se les contrapone el villano encarnado por Daniel Radcliffe, un multimillonario estrafalario obsesionado con un gran tesoro. Su rol, precisamente, flojea, pues no es más que un estereotipo inglés cuya única motivación es la envidia que siente por su exitoso hermano menor y, a lo largo de la película, alude reiteradamente a ello.

Aunque, sin duda, lo más memorable es el hilarante cameo de Brad Pitt, que sobresale por su gran carisma y agudeza. De hecho, después de su aparición, el film comienza a decaer un poco y se hubiera agradecido más metraje con él. Asimismo, los diálogos, a ratos, son empalagosos y cursis, pero los momentos cómicos funcionan y sacan más de una sonrisa.

En definitiva, La ciudad perdida es una grata sorpresa, una apuesta amena y confortante por la que acudir a las salas de cine. Es cierto que reproduce una fórmula que hemos visto hasta la saciedad, pero se alza como aquel tipo de entretenimiento palomitero que nos permite escapar de la realidad para adentrarnos en un mundo selvático de imaginación y ensueño.

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Sebastián Borensztein adapta al cine La noche de la Usina, una novela de Eduardo Sacheri que relata la odisea de un grupo de vecinos de un pueblo de la provincia de Buenos Aires para recuperar el dinero que les estafaron aprovechando el llamado corralito argentino de 2001.

Según nos explica el protagonista al comienzo del film, en aquellas tierras, “gil” es el equivalente a la expresión castellana “pardillo” o “pringado”. Aunque no nos hubiese proporcionado el dato, hubiésemos llegado a esa conclusión de todos modos, ya que la presentación de los personajes, su descripción, la maravillosa interpretación de sus actores y la precisión con la que se retratan los distintos paisajes y escenarios en los que se mueven, nos hablan indudablemente de ese grupo humano tan común en cualquier sociedad: trabajador, solidario, receloso pero confiado ante los que percibe como más preparados que él, buen camarada y capaz de saltar cuando se le arrebata lo que de verdad importa.

El guion entreteje con habilidad la trama del engaño con el drama social de sus protagonistas. Y aunque experimenta algunos cambios de ritmo que entorpecen la tensión, no consiguen restar atención e interés y el espectador se ve recompensado, en muchos sentidos, cuando llega el final.

De todos modos, intrigas aparte, la mayor riqueza de La odisea de los giles son, precisamente, los propios giles y el mimo y cuidado con el que los realizadores consiguen meternos entre ellos.

Esta película nos ayuda a caer en la cuenta de que, cuando se habla de grandes estafas o millonarios casos de corrupción, lo que hay debajo son los pequeños sueños y proyectos de calderilla de la gente de a pie. Por ello, a pesar de que, en algunos momento,s los giles parezcan algo caricaturizados, la variedad y honestidad de los matices que les rodean los hace muy reales y cercanos, con elementos sencillos y eficaces como el anhelo, que todos tuvimos, de un móvil “con tapita”.

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