Dan Trachtenberg debuta en el mundo del largometraje con Calle Cloverfield 10, un thriller que, con un ritmo trepidante y una atmósfera claustrófobica, mantiene la tensión en todo momento y lo hace apoyado en tres grandes pilares: unas interpretaciones muy potentes, un guión que lleva al espectador de un lado a otro sin saber que pasará y el desarrollo de la trama en un solo espacio, el bunker, que aumenta la sensación de agobio y desasosiego para todo aquel que vea la película.

Producida por J.J Abrams y con guión entre otros de Damien Chazelle -director de Whiplash- la película solo flojea en su última parte, con un desenlace un tanto precipitado que quizá no esta a la altura del resto de la obra y que deja con ganas de más. Es posible que tanto el director como los guionistas y productores busquen ese efecto para una posible secuela, ya que la sensación que queda al terminar de ver el filme es similar a cuando uno ve un episodio piloto de una serie.

Sea como fuere, Calle Cloverfield 10 seguramente que obtenga una buena recaudación y sea uno de los éxitos de este principio de año y méritos no le faltan. Una historia repleta de suspense que engancha, entretiene y que nos ofrece la posibilidad de ver a John Goodman en un rol diferente a cualquier otro que haya interpretado hasta ahora. Uno de los mejores secundarios de la historia del cine que aporta mucha calidad a cualquier reparto y que en este caso, está muy bien acompañado. Es recomendable no leer mucho sobre la trama de la película, ya que cualquier detalle que pueda revelarse antes de ser vista le reste interés. Avisados quedan.

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El padre y creador de la legendaria saga Star Wars coincidió en sus inicios con F.F. Coppola y juntos crearon en 1969 la compañia American Zoetrope, cuyo primer proyecto fue THX 1138, película de culto y debut del realizador californiano. En el año 71, Coppola estaba inmerso en la producción del que probablemente sea el mejor filme de la historia, El Padrino, mientras que Lucas fundaba su propia productora, Lucasfilm Ltd. En 1973 puso la primera piedra para pasar a la historia de la industria fílmica con la maravillosa American Graffiti.

Con gran carga autobiográfica, el director sitúa la acción en su localidad natal y centra el argumento en torno a cuatro personajes principales: Curt Henderson -Richard Dreyfuss- Steve Bolander -Ron Howard-, Terry Fields alías 'El tigre' -Charles Martin Smith- Paul Le Mat-.


La trama se desarrolla en una sola noche. En ella, vemos como Curt se debate entre si abandonar su casa para estudiar en otra parte del país o permanecer un año más con su familia mientras aclara sus ideas respecto a su futuro. Además, perseguirá a una rubia de la que se ha enamorado y de la cual solamente conoce el coche que conduce. Steve, en la misma situación que su amigo en cuanto a su futuro más próximo, deberá decidir si sigue con su novia Laurie Henderson -Cindy Williams- o si por el contrario se dan un tiempo en su relación.

Los momentos más graciosos del filme vienen de la mano del personaje de Terry (secuencias en las que intenta comprar una cerveza o le roban el coche son una muestra de la parte cómica del trabajo de Lucas) y John Milner. Este último tendrá que hacer de niñera durante la noche y al mismo tiempo buscar a un enigmático forastero -Harrison Ford- que ha llegado a la ciudad para desafiarle a una carrera.

Su personaje es el más carismático de la película, un joven al que solamente parecen interesarle los coches, sin preocuparse de su futuro porque probablemente en alguna de sus carreras la muerte le este esperando para convertirle en leyenda. El momento en el que pasea en el desguace hablando de los fallecidos propietarios de los vehículos que allí se encuentran y como éstos alcanzaron tan triste final es el mejor ejemplo de ello.

La banda sonora es de vital importancia a lo largo de la película. Canciones de grupos y artistas emblemáticos de la época, como Buddy Holly, Chuck Berry, Del Shannon o Fats Domino, entre otros, no paran de sonar durante las casi dos horas de metraje, con el acompañamiento o presentación en cada caso de los comentarios de 'El hombre lobo' -Wolfman Jack-, mítico DJ interpretándose a si mismo. Se trata de una leyenda que nadie ha visto en persona y que para unos emite desde un avión que está dando vueltas por toda la costa Oeste, mientras que para otros retransmite desde una estación pirata en medio del desierto. Su particular voz, sus bromas y la escena que protagoniza junto al personaje de Curt son de un valor trascendental en esta gran obra de Lucas.

Definitivamente una maravilla cinematográfica, una pequeña joya del cine; título al que le tengo un especial apego por varias razones: la historia en si, los personajes -en especial el interpretado de forma tan sobresaliente por Richard Dreyfuss-, la música y por la forma en que lo descubrí.
Fue en la segunda mitad de los años 90 y se trata del primer largometraje que vi en versión original. Los viernes, en La 2 de Televisión Española a medianoche, daban un filme sin doblar -cuando a la caja tonta aun le quedaba algo de dignidad-. Mi padre, programó el vídeo para grabarla y que la viésemos en casa, pues según él se trataba de una gran película, y que razón tenía. Desde entonces se convirtió en uno de mis filmes favoritos, un título clave para que me empezara a aficionar al séptimo arte, el cual he visto más de una docena de veces y que, a pesar de ello, no me canso de revisionarlo. Disfrútenla, merece mucho la pena.

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Es posible realizar una comedia en torno a la figura de un genocida como Josef Stalin? A simple vista parece una tarea difícil la de banalizar cualquier aspecto relacionado con uno de los mayores asesinos del siglo XX. Esta es una de las preguntas que debió hacerse Armando Iannucci con su grupo de guionistas cuando decidieron adaptar La muerte de Stalin, el cómic de Fabien Fury centrado en las horas posteriores a la muerte del dictador.

La muerte de Stalin es una sátira amarga con dósis de humor negro que no trivializan en ningún momento una revisión histórica acertada y precisa sobre la actuación del régimen comunista en la Europa del Este de la segunda mitad del pasado siglo. Centrándose en los días posteriores a la muerte del líder georgiano y en su sucesión, la obra no deja de lado las listas negras que derivaban en matanzas indiscriminadas o en detenciones y expulsiones a los Gulags.

De esta forma, durante el desarrollo del filme el espectador percibe esa amenaza que los ciudadanos que vivían al otro lado del telón de acero debían soportar. Denuncias falsas, acusaciones sin fundamento o gestos mal interpretados podían suponer el fin de tus días. El culto al líder por encima de todo era algo imperativo y el que no lo aceptase tenía poco porvenir.

Ese tono oscuro propio de la época y de tal vil régimen político se mezcla con la comedia. Ésta aparece en las maniobras que los miembros mas destacados del partido realizan en las dos jornadas posteriores al fallecimiento de su jefe. Con el cadáver aún caliente, estos personajes no escatiman esfuerzos a la hora de realizar cualquier jugarreta contra sus oponentes políticos.

Es digno de destacar la valentía y atrevimiento del director y guionistas a la hora de mezclar ambos géneros: el drama y la comedia, en un contexto histórico y con unos protagonistas tan siniestros como los que retratan en el filme. La obra rezuma esa acidez tan propia de los británicos.

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A medio camino entre la comedia dramática y el cine de terror, Dream Scenario -Kristoffer Borgli- es principalmente un filme de denuncia. De denuncia sobre la sociedad actual, esa de la que todos formamos parte. Con múltiples lecturas, la película pone el foco sobre la cultura de cancelación, el estilo capitalista de vida que llevamos y especialmente sobre las redes sociales.

Desde principios del siglo XXI convivimos con la presencia de las redes sociales y estás han cambiado radicalmente nuestra forma de relacionarnos, de interactuar con los demás. Facebook, Instagram o Tik Tok son hoy parte importante de nuestra realidad. Memes, noticias y videos virales nos aparecen constantemente en las notificaciones de nuestros móviles u ordenadores y esto que, a priori, puede parecer positivo por la inmediatez de acceso a información, muchas veces se convierte en algo muy negativo e incluso nocivo. Especialmente con los vídeos virales.

La película de Borgli se centra en lo pernicioso que puede ser para una persona y su entorno el convertirse en viral. Ya desde un inicio, el concepto de viral es negativo, relacionándolo al virus. En la primera parte de la película, cuando el discreto profesor interpretado por Nicolas Cage se hace popular por aparecer en los sueños de miles de ciudadanos norteamericanos, el tono de la misma es cómico e incluso agradable. Las ensoñaciones en las que aparece Paul Matthews son absurdas e inofensivas.

En la segunda parte de la obra, cuando el protagonista ataca en los sueños, la comedia se torna en drama. Un drama desagradable, incómodo, ya que como espectador asistes al descalabro personal y profesional de una persona que es inocente, que no ha hecho nada. Involuntariamente aparece en los sueños de los demás y cuando estos se tornan en pesadillas, se convierte en un personaje a eliminar de la sociedad, a ser apartado de la misma.

Y para este drama humano, Kistoffer Borgli eligió al mejor actor posible para ello por dos razones. La primera y fundamental, por la calidad interpretativa de Nicolas Cage. El ganador de un Oscar por Leaving las Vegas ha brillado en todos los géneros salvo en el musical, donde por ahora no se ha aventurado. Drama, comedia, acción, terror o bélico han visto al bueno de Nic dar lo mejor de sí mismo.

¿Qué ha hecho películas mediocres para salvar el tipo y sus malas inversiones? Sí, pero eso no es óbice para decir que es uno de los más grandes intérpretes vivos. La segunda razón por la que Cage es perfecto para esta obra es que nadie mejor que él sabe lo que es ser centro de burlas, de cierta persecución a través de memes en las redes sociales.
En este sentido, podemos decir que Cage es el principal baluarte de esta obra. Una película que en la segunda mitad de la misma sufre un cierto bajón y que se mantiene a flote en gran parte por la interpretación de su estrella principal. Un trabajo que mereció sin discusión la nominación al Globo de Oro y que injustamente se ha quedado fuera de la carrera por un Oscar. Su personaje emana grandes dosis de patetismo, principalmente, y ternura, recordando en cierto sentido al papel que interpretó en El hombre del tiempo.

Dream Scenario es un filme realmente curioso y atractivo. Una peculiar muestra de drama, comedia y terror cuya mezcla de géneros sirve como envoltorio de denuncia ante la deriva que ha tomado nuestra sociedad, sin posibilidad de dar marcha atrás respecto a las redes sociales. Una ingeniosa película, que sorprenderá por su originalidad y que hará reflexionar al espectador, acerca de la época dominada por la tecnología y todo lo que se deriva de ella, incluido internet y las redes sociales, junto a esa odiosa cultura de la cancelación que nos ha tocado vivir.

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María Ripoll nos cuenta en su último trabajo, Vivir dos veces, las miserias que este mal causa tanto en los afectados como en los seres queridos que les rodean. Y al igual que en la reciente Remember Me, nos muestra la capacidad del ser humano para no rendirse incluso en una situación irreversible como esa.

Nos encontramos ante una película irregular, una road movie dramática aderezada con ciertos momentos de comedia que proceden de la relación entre el abuelo y la nieta. En la parte dramática el filme muestra la desoladora realidad de esta horrible enfermedad. En ese sentido, llega a conmover y a poner un nudo en el estómago en varias ocasiones.

Sus puntos débiles quizá sean la previsibilidad de la trama y el poner en el centro de la misma a una familia tan disfuncional como la que se nos presenta, lo que hace que ciertas situaciones sean algo artificiales, facilonas en su ejecución.

En definitiva, una obra desigual en su conjunto, que durante algunos tramos se hace algo pesada y que sirve para demostrar la aterradora realidad de una enfermedad para la que por desgracia, de momento, no hay cura.

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