Marcelo Clerici busca acallar su conciencia tras el asesinato de un homosexual refugiándose en una ideología de masas, dominante en ese momento en Italia, que es el fascismo. Al amparo de esta ideología cree justificar su asesinato, pues homosexuales y judíos no merecen vivir en esa sociedad dominante de hombres fuertes y mujeres sumisas. Una vez aceptado por ese grupo dominante y en el seno del poder que lo sustenta, se siente seguro y no duda en afirmarse de su acción cometiéndola otra vez, ahora matando a su antiguo profesor marxista. Pero en su viaje y estancia en Paris, su salida del ambiente seguro, le hará replantearse su existencia. Bertolucci realiza un película de alto contenido político pero analizando el comportamiento conformista del protagonista. Es precisamente ese análisis psicológico lo que mantiene el interés de la película hoy día, porque en cuanto a las ideologías hemos visto tantos cambios que poco podemos fiarnos de ellas cuando se plantean como soluciones vitales. La fotografía de Vittorio Storano es de una gran belleza y sólo por esos magníficos planos personales y de ambiente vale la pena conservarla como una obra de arte, aunque no una obra maestra. Pido por favor que el espectador se fije bien en el último plano de la película pues ahí puede que encuentre la explicación a ese conformismo.

Hay un guión extraordinario en el que siguiendo algunos métodos del thriller se le oculta al espectador algo fundamental, no con la intención de que el espectador sufra, sino con la intención de que el espectador vaya sacando sus conclusiones. Es el tipo de guión que considera al espectador inteligente y eso me gusta. En este caso se juega, además, con el intermediario, alguien al que unas gafas de motorista le mantienen en cierto modo en el anonimato. A medida que avanza la película cada uno se va quitando su careta, lo cual aumenta la intriga. A pesar de ello y como pasa siempre sospechamos de muchos personajes y eso está bien porque no es bueno que al final se saque un culpable por arte de “birli birloque”. Pero con todo, el interés de la película, depende de quien la vea, está en la actitud de Farr, magníficamente interpretado por Dick Bogarde, que es capaz de enfrentarse a una sociedad hipócrita para demostrar la inconveniencia de una ley anti-homosexual a pesar del daño personal y profesional que puede sufrir. Lo curioso es que este argumento se produciría en la realidad en Gran Bretaña y en otros países. En España estaba la ley de “vagos y maleantes” que también podía conducir al chantaje al abrigo de la ley.

El guión es malísimo, pero mucho peor es la homofobia que contiene la película a pesar de contar con personajes que han asumido perfectamente su homosexualidad. Y no me refiero a que el personaje protagonista sea homofóbico, no. Me refiero al planteamiento de las peores situaciones que puedan representar al mundo gay, en la cárcel, en la calle, en los bares, etc. Los chistes son de una vulgaridad apabullante y solo cabe pensar que están pensados para todos aquellos que se sienten machos hasta despreciar todo lo que huela a gay. Hasta el niño, bajo una inocencia aparente y a pesar de la aceptación de la homosexualidad de su abuelo, tiene un colofón para salir corriendo. Todo esto ya es suficiente para ponerle la más baja puntuación, pero además hay que añadirle una pésima interpretación por parte de todos los actores o como sea que se consideren. ¡Huir!

La capacidad mental no es la misma en todos los individuos y tampoco lo es la capacidad afectiva. El proceso de maduración y concienciación varía también, siendo, lógicamente, mas lento en los individuos con una cierta discapacidad. Y está el ambiente que envuelve al individuo, que puede ayudarle o puede retardarle. En fin, un tema interesante que en la película se trata con sumo cuidado. La interpretación del muchacho protagonista es magnífica dándonos todos los matices de esa discapacidad que sabemos que padece y como va madurando, a su ritmo, y como sufre y se interesa por su entorno y en particular por la gente que quiere. La película tiene una fotografía muy cuidada y destaca una luz bien dirigida en interiores y otra luz en exteriores que tamiza el paisaje y sobretodo juega con los árboles, las ramas y las hojas, dejando el camino por el que Duncan transita con su bici y donde murió su madre, con una intimidad interesante para el significado de dicho camino. La música está también muy situada y modulada, por ejemplo está muy bien el ritmo de la música cuando el muchacho va con la bici y como cambia haciéndose casi inaudible cuando pasa por el lugar donde murió su madre. Y un elemento muy bien introducido en la historia, la gallina, que tiene un amaestramiento perfecto y de alguna manera suaviza o dramatiza todas las situaciones.

Visconti realiza un magnífico ejercicio cinematográfico para buscar la belleza de las personas y de las cosas, utilizando, así mismo, la fealdad como muestra de la no belleza, especialmente en las personas, o una Venecia sucia y maloliente. Por supuesto lo más fácil es oponer la juventud a la vejez, y en eso se recrea de forma tan sublime que consigue casi una obra maestra. Visconti ha cuidado absolutamente todo para conseguir su objetivo, decorados, vestuario, actores y ahí ha utilizado una vez más a un modelo de belleza, Silvana Mangano, que cada vez que aparece llena la pantalla y el espectador ya no tiene ojos para nada que la cámara pueda ver que no sea ella. También la música ha sido cuidadosamente seleccionada, y la utilización del adagietto de la 5ª sinfonía de Gustav Mahler es el mayor logro. Se habrán escrito miles de palabras para hablar de esta película, unas a favor y otras en contra, pero como pasa la mayoría de las veces, el cine es “para ver” y después cada espectador sabrá si le ha llegado lo que el director pretendía mediante imágenes. Quizás el continuo movimiento de la cámara y un zoom que no cesa le resten a la película naturalidad, o a lo mejor es pretendida esa artificiosidad para el espectador se sitúe más allá de la realidad. Como sea, es algo muy hermoso de ver.