El cine y la literatura, en apariencia dos exposiciones distintas de arte, siempre han estado muy ligadas. Adaptaciones cinematográficas de novelas, la estructura narrativa, la importancia del guión o la colaboración de novelistas y escritores prestigiosos en el desarrollo de las películas son claros ejemplos de ello. En este último aspecto, uno de los autores más prolíficos en el séptimo arte durante las últimas tres décadas ha sido Richard Price. Algunos de sus trabajos han sido llevados a la gran pantalla-The Wanderers, El color del crimen- aunque como más se le recordará será como guionista, debido a su participación, principalmente, en esa obra maestra de la televisión llamada The Wire.

Una de las novelas de este escritor llevadas a la gran pantalla fue Clockers. Tras haber trabajado con Price en El color del dinero en 1986 y en Historias de Nueva York en 1989, el director italoamericano Martin Scorsese (Taxi Driver, El lobo de Wall Street) quedó muy satisfecho con los guiones y ya en el año 1993, compró los derechos de la novela para plasmarla en imágenes. Sin embargo, su agenda estaba ocupada con la realización de la mítica Casino, por lo que decidió reservarse la función de producción y dejar la labor de dirección al afroamericano Spike Lee.

Esta elección supuso un acierto, ya que Lee, a pesar de haber nacido en Atlanta, tuvo que trasladarse siendo muy joven a Brooklyn, con lo que conoce a la perfección el ambiente del barrio en el que iba a rodarse la película. Además, a mediados de los 90 el director se encontraba en la parte más interesante de su carrera, con un estilo y un ritmo bastante fresco.

Con un reparto en el que, además de los anteriores actores, también destacan Delroy Lindo (Las normas de la casa de la sidra) en el papel de Rodney, el jefe de Strike; Keith David como André 'The Giant', un policía que conoce el barrio a la perfección y a los traficantes que pululan por el mismo; Michael Imperioli (Los Soprano, Diario de un rebelde) y Pee Wee Love. Estos intérpretes son las principales bazas que el realizador utiliza para dar vida a los personajes de la novela, aunque no son las únicas. El barrio de Brooklyn es un personaje más, especialmente el complejo de viviendas Gowanus Houses, lugar en el que se desarrolla la mayor parte de la trama.

La música, a cargo de un habitual en el cine de Lee -Terence Blanchard- así como un grupo de canciones, entre las que destacan Crazy, del artista británico Seal y Silent Hero de Des' ree, tienen una gran importancia a lo largo del metraje, creando la atmósfera necesaria que el realizador neoyorkino buscaba para cada parte de la trama.

Clockers fué rodada en el año 1995. Anteriormente, Spike Lee había regalado trabajos tan notables como Haz lo que debas, Malcom X y Fiebre salvaje. Posteriormente estrenaría otros títulos tan importantes como Nadie está a salvo de Sam, La última noche o Plan oculto. A partir de ahí su carrera entró en un profundo bache del que aún no ha conseguido salir.

En los últimos años, el director afroamericano ha sido noticia por sus polémicas declaraciones contra Clint Eastwood, acusándole de racista por no utilizar actores negros en su película Banderas de nuestros padres. Dicha acusación carece de fundamento, sobretodo si repasamos la filmografía de Eastwood y nos encontramos con Bird -biopic del músico de jazz, Charlie Parker, interpretado por Forest Whitaker- y las colaboraciones con Morgan Freeman -sin olvidarnos de su amistad fuera de las pantallas-.

Sea como fuere, esperamos que el director de Clockers vuelva a reencontrar el camino del éxito. Calidad y capacidad tiene de sobra para volver a deleitarnos.

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Se define la obsesión como 'el estado de la persona que tiene en la mente una idea, una palabra o una imagen fija o permanente y se encuentra dominada por ella'. El noruego Roald Amundsen fue un hombre obsesionado con ser el primero en alcanzar las cimas polares. O al menos así es como nos lo presenta Espen Sandberg -Kon-Tiki- en el biopic que lleva el nombre del aventurero noruego.

Con una fotografía impresionante y una puesta en escena sobresaliente, Sandberg nos lleva a conocer la figura de un hombre que hizo historia en los comienzos del convulso siglo XX. El filme presenta un equilibrio bastante acertado entre aventuras y biopic.

Por un lado nos enseña los peligros de las expediciones que el aventurero lideró en los dos polos. En especial la incursión al Polo Sur, que se convirtió en una competición con el británico Robert Falcon Scott para ver quién llegaba primero al objetivo. La dureza de estas aventuras aparece perfectamente plasmada en la película, ofreciéndonos momentos de muchísima tensión.

Por otra parte nos muestra la personalidad de Amundsen, su obcecación por ser el primero y conseguir reconocimiento poniendo en peligro su vida y la de aquellos que le acompañaban. De acuerdo con lo que vemos en el filme, el noruego era un tipo egoísta, arrogante y rencoroso. La difícil relación que mantiene con su hermano Leon -interpretado notablemente por Christian Rubeck- centran gran parte de la obra poniéndole ese punto dramático a la misma.

No obstante, era un hombre metódico, cuyo éxito radicó no solamente en su tenacidad, sino en la precisión de sus métodos. No dejaba nada al azar, por eso logró ser el primero en alcanzar el Polo Sur. El filme critica el escaso reconocimiento que alcanzó por parte de la Real Sociedad Geográfica Británica, quedando los ingleses como malos perdedores

Amundsen es un certero retrato, con sus luces y sus sombras, de una figura con mucha importancia para la humanidad. Asimismo es un relato fiel de una sociedad, la de los primeros compases del siglo XX centrada no solo en el interés científico, sino principalmente en satisfacer el orgullo nacional. Recomendable.

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El último trabajo hasta la fecha de Steven Spielberg se divide en dos partes bien diferenciadas: la primera de ellas, el juicio al espía ruso; y la segunda, la trama en Berlín. En el proceso contra el agente ruso y en los preparativos del mismo, la relación que se establece entre el personaje de Hanks y Rylance deja entrever la clase de persona que es cada uno de ellos: hombres firmes, con principios y con un gran sentido del deber.

Es en la segunda parte, en la que se tiene que negociar el canje del prisionero soviético por un piloto americano capturado en suelo comunista, cuando el ritmo de la película se dispara. Aquí es donde destaca el trabajo en el guión de Ethan y Joel Coen, con una gran agilidad en los diálogos, giros en la trama y un desarrollo más frenético, con situaciones bastante cómicas que no alcanzando el nivel de la obra maestra de Billy Wilder Uno, dos, tres, dan muestra de la categoría que tienen los Coen a la hora de escribir. No obstante, ambas fragmentaciones están combinadas de forma magistral, desprendiendo un aroma clásico que recuerda a los mejores títulos de espías y que, a pesar de su larga duración, entretiene de principio a fin.

La película también esta cargada de simbolismos que dejan bien claro las diferencias entre estar en el lado oeste del muro de Berlín, la parte libre, y estar situado en la zona este, bajo el yugo comunista. Los viajes en metro, tanto en la capital alemana como en Nueva York, así como el suceso que tiene como protagonista al abrigo de Tom Hanks son una muestra de ello. Muchos han criticado el tono patriótico que pueda tener en la parte final, lo cual me parece un error, ya que Spielberg se limita a mostrar dos situaciones antagónicas que encontraban la separación física en el denominado 'Muro de la vergüenza'.

Un filme sobresaliente, probablemente la mejor de las colaboraciones entre Steven Spielberg y Tom Hanks.
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Al César lo que es del César. Después de ver La balada de Buster Scruggs y terminada la primera temporada de El método Kominsky, a uno le queda la sensación de que Netflix está haciendo bastante bien las cosas. Al menos en lo que se refiere a los proyectos que financia y pueden ver la luz. Aunque sea en la pequeña pantalla.

En su nuevo producto televisivo, la cadena cuenta con dos actores brillantes -Michael Douglas y Alan Arkin-, un guión cargado de situaciones entrañables y diálogos con mucha chispa. Además de tener una duración en cuanto a minutos y capítulos idónea para terminar el día con una sonrisa en la cara. Suficiente, cuanto menos, para captar la atención.

Problemas con la próstata, hijas descarriadas, la búsqueda de una vida sentimental activa y el no verse apartado de una sociedad, en la que las nuevas tecnologías te hacen estar forzosamente al orden del día en dicha materia, son gran parte de las aventuras de estos dos gruñones. Y como testigo de fondo: Los Ángeles.

Estos dos personajes están acompañados de una rica galería de secundarios que incluye caras conocidas en el mundo del cine: como Ann-Margret, Elliott Gould y Danny De Vito en un rol breve pero divertidísimo. Así como otros intérpretes menos conocidos pero igualmente notables. Es el caso de Nancy Travis o Sarah Baker en los papeles de amante e hija respectivamente de Sandy Kominsky.

Situaciones divertidas, entrañables, irónicas y conmovedoras es lo que va a encontrar el espectador en El método Kominsky. Un acierto notable de Netflix que supone una opción muy divertida y entretenida, con unos personajes a los que se les coge cariño. Gracias sobre todo a situaciones donde los diálogos ácidos y mordaces de Chuck Lorre se hacen notar. El creador de The Big Bang Theory ha vuelto a dar con la tecla del éxito.

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Rodado en Nueva Zelanda, nos traslada al viejo Colorado, en el siglo XIX, lugar en el que el joven adolescente Jay Cavendish -Kodi Smit-McPhee- procedente de Escocia busca a su amada Rose -Caren Pistorius-. En el camino, se encontrará con Silas -Michael Fassbender- un misterioso viajero que le ayudará, a cambio de una compensación económica, a sortear los peligros de la aventura entre los cuales se encuentra una peligrosa banda liderada por el enigmático Payne -Ben Mendelsohn.

La película combina la acción en tiempo real, es decir, la búsqueda de Rose por parte de los dos viajeros, con flashbacks en forma de sueños que el protagonista experimenta y que sirven para contar la relación que mantuvo con la joven en el viejo continente, antes de partir hacia la tierra prometida. De esta manera la narración es muy fluida y junto a las escenas de acción hace que el ritmo sea bastante ágil hasta llegar al vigoroso final de la cinta.
El reparto por su parte esta perfecto, en especial Fassbender que en este 2015 tiene pendiente de estreno dos títulos que le pueden reportar grandes beneficios y reconocimiento de crítica y público: Steve Jobs (Danny Boyle) y Macbeth (Justin Kurzel). Kodi Smit-McPhee, a pesar de su juventud (nació en 1996 y debutó a la edad de 10 años) demuestra que tiene un futuro bastante prometedor, mientras que Ben Mendelsohn se está convirtiendo en esos secundarios expertos en robar escenas a los primeros espadas de los repartos en los que aparece.

A todo ello se suma una notable labor en la fotografía y el montaje que hace de Slow West un título más que recomendable para recuperar un género olvidado en el cine actual y que pone en escena a un director a tener en cuenta en el futuro.

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