*Little Lady Birds

Tras el pelotazo que supuso Lady Bird (2017), el anuncio de que Mujercitas sería el siguiente proyecto como directora de Greta Gerwig resultó un tanto decepcionante. Un trabajo de encargo a partir de una novela muy conocida y adaptada al cine y la televisión múltiples veces no resultaba demasiado excitante a priori. Pero no contábamos con la pasión que sentía Gerwig hacia la historia y su autora, Louisa May Alcott, y que se puede apreciar en cada entrevista que concede. Tampoco reparamos en el gran parecido que hay entre Lady Bird y Mujercitas: ambas giran en torno al crecimiento y aprendizaje de dos chicas con una ambición que no cabe en el entorno en el que se han criado. Y que Saoirse Ronan encarne a la heroína de ambos films no hace más que fortalecer ese hermoso vínculo que las une pese al siglo y medio que las separa.

*Un giro moderno

La principal novedad que presenta esta versión de Mujercitas respecto a las adaptaciones precedentes es su estructura: en vez de ser lineal, alterna entre dos líneas temporales, el pasado y el presente. La elección no resulta caprichosa, pues enriquece y da lustre a uno de los temas del libro en los que Gerwig se quiere centrar: el paso del tiempo. Los paralelismos que se establecen entre un pasado cálido, jovial e ingenuo y un presente austero, lúgubre y melancólico conforman una nueva aproximación al crecimiento de las hermanas March que se siente fresca y audaz.

Gerwig ha hecho una adaptación fidedigna a la narración original pero con un toque moderno, alejado del encorsetamiento de este tipo de producciones, y que enfatiza temas que hoy en día siguen en boga como la independencia económica de la mujer o el papel que la sociedad le tiene reservado a esta.

*Complicidad coral

La película está tan bellamente escrita como filmada, orquestada e interpretada. Lo único que se le podría reprochar a Gerwig en cuanto a la elección de su reparto es haber ido sobre seguro y elegir intérpretes bastante más mayores de los personajes que encarnan. Pero cualquier reproche se disipa cuando se comprueba lo bien que están todos y, sobre todo, la deliciosa complicidad que se forja desde que aparecen por primera vez las hermanas hablando todas a la vez; cuando la película termina, no dudaríamos en quedarnos a vivir con esa familia.

Saoirse Ronan y Timothée Chalamet son unos Jo y Laurie perfectos, Laura Dern es la matriarca y vecina soñada, Meryl Streep está estupenda como la antipática tía March, y es un placer reencontrarse con Chris Cooper en plena forma. Por su parte, Eliza Scanlen es el corazón de la película y la presencia de Emma Watson es agradable pese a que no destaque tanto como el resto. Pero ante todo, es Florence Pugh la que realiza la interpretación más memorable del elenco dando vida a Amy, el personaje más despreciado del relato desde siempre. Pugh y Gerwig se ponen del lado de Amy para que entendamos su postura, otorgándole una humanidad que permite que Pugh se coma cada escena en la que aparece.

*Conclusiones

Mujercitas viene a confirmar que Greta Gerwig, la directora, ha venido para quedarse y que podemos seguir esperando grandes cosas de ella. La película recurre al metalenguaje para rendir tributo tanto a la novela como a la propia Louisa May Alcott, a la que hace partícipe del relato. En su emocionante e ingenioso desenlace, el film se alza no solo como un homenaje a las mujeres precursoras y a su libertad de elección, sino también al arte de contar historias, entendiéndolo como bálsamo de una realidad mundana y una inquebrantable forma de mantener unidas a las personas a través del tiempo y del espacio.

Escrito por Jorge Blanch

*Muy adictiva

Mare of Easttown es de esas series que consiguen mantener al espectador en vilo, desde el primer hasta el último capítulo. Se las apaña para situar y presentar a los distintos personajes de la trama al espectador, de una forma rápida pero sin caer en algo apresurado. Es una miniserie que está realmente bien construida narrativamente y eso es algo que se nota nada más comenzar a verla. Pese a no ser un gran amante del género policiaco y de crimen, he de decir que esta serie ha conseguido mantenerme pegado a la pantalla como ninguna otra serie en lo que va de año. A diferencia de otros intentos fallidos que ha tenido HBO en esta temporada como fue el caso de “The Undoing”, aquí los giros de guion tienen cierto sentido y lógica.

Hablaba antes que encontraba a Mare of Easttown como una serie con mayores aspiraciones, que la de ser otra ficción más del género. En ese sentido y salvando las distancias porque tampoco entra como tal en dicho género, me recuerda a otras producciones como “Big Little Lies”. Me recuerda a esta serie en concreto no por la trama en sí, sino por los temas que intenta abordar a lo largo de sus capítulos.

*No nos merecemos a Kate Winslet

Kate Winslet vuelve a ofrecernos una grandiosa interpretación (para variar), superando las altas expectativas que uno tiene al principio. No necesita impregnar a sus personajes de un melodrama desmedido o tirar de una expresividad actoral forzada y superficial. Desde la sutileza y la gran inteligencia que demuestra constantemente a la hora de abordar a sus personajes, Kate Winslet consigue en Mare of Easttown ser tremendamente expresiva de una forma austera; es decir, el hecho de que a veces en el mundo de la interpretación, menos es más. El personaje de la policía Mare Sheehan, se ve dotada de un trasfondo y complejidad narrativa maravillosa; es sin duda, uno de esos personajes que cualquier actor moriría por dar vida en algún momento de su carrera.

Hay una dualidad en el personaje de Kate Winslet, que me resulta totalmente hipnótica y fascinante de ver como espectador. Por un lado demuestra ser una mujer fuerte e independiente, pero por otro lado tampoco tiene reparos en mostrar su lado más vulnerable. Puede sonar evidente y quizás lo es, pero pocas veces en la ficción se llega a indagar en el mundo interior de un personaje femenino de mediana edad. Parece que el retrato y representación que se hace de ciertos arquetipos de mujeres, tienen que estar dotados de una resiliencia ante todo. Esta serie se atreve a visibilizar que es totalmente normal sentirse a veces pérdida y frágil como persona; en ese sentido, no tengo nada que objetar de cómo está construido el personaje principal y el resto de protagonistas.

*Visibilizar la salud mental

El aspecto que considero más fascinante de Mare of Easttown, tiene que ver con el retrato y visibilización que hace de la salud mental y de la violencia doméstica. A partir del pasado del personaje de Kate Winslet y de sus respectivos vínculos familiares, podemos ver un retrato muy honesto y desgarrador sobre temas tabúes como el suicidio. El hecho de que esta serie se haya atrevido a tocar temas tan delicados en lo referido a la salud mental, me parece que es algo digno de aplaudir. La relación de Mare Sheehan y su hijo es algo vital, que es clave para entender el desarrollo del personaje del nieto de Mare.

El trato de la salud mental y el retrato que hace de la familia disfuncional de la protagonista, me parece que está muy bien llevado a lo largo de toda la trama. Hay muchas preguntas abiertas en ese sentido, acerca del papel que desempeña cada uno en este entorno familiar. ¿Qué es ser una buena madre? ¿Cómo puedo evitar cometer los mismos errores del pasado? Son algunas de las preguntas a las que tendrá que hacer frente el personaje de Kate Winslet. No obstante, estos dilemas también acabaran por plantearse de distinta manera, en el resto de personajes de la serie.

*Conclusión

Mare of Easttown es una de las grandes propuestas por parte de HBO para este año. Una miniserie tremendamente adictiva, con una construcción narrativa de la trama y de sus personajes impecable. Kate Winslet hace una interpretación excepcional en el papel de Mare Sheehan, demostrándonos una vez más que es una de las mejores actrices de su generación. También es interesante el trato y la conversación que abre esta miniserie, acerca de la salud mental y la violencia doméstica. Sin duda una de las mejores series de lo que va de año y que dará mucho de qué hablar, a medida que se vayan estrenando los siete capítulos con los que cuenta.

Escrito por Daniel Jimenez

*Ben Affleck vuelve a la dirección

Ha pasado tiempo desde la última película como director de Ben Affleck. Parece que después de su traspiés con el alcoholismo y el fracaso que supuso no llegar a realizar su película de Batman ha vuelto a encontrar el amor por el cine con su mejor amigo, Matt Damon, en los guiones y en la dirección. Recordemos que Affleck y Damon estaban detrás de "El último duelo" de Ridley Scott donde recibieron muy buenas críticas por su trabajo. Ahora se han vuelto como pareja creativa para contar historias en un cine de presupuesto medio que les va a permitir más libertad.

Affleck tiene una gran carrera en la dirección. De momento no tiene una sola película mala. Recordemos que tiene un Oscar como guionista junto a Matt Damon por El Indomable Will Hunting. Empezó su carrera dirigiendo a su hermano Casey Affleck en el maravillo thriller Gone Baby Gone, luego nos entregó otro thriller maravilloso y muy reivindicable como es The Town, Ciudad de Ladrones en el que reunía un elenco de lujo y también actuaba. Con Argo se ganó el reconocimiento de la industria ya que fue nominada y ganó varios Oscars y finalmente dirigió Vivir de Noche, que es una gran película pero fue un fracaso en taquilla. También es verdad que no fue culpa suya sino que la película tuvo una mala campaña de marketing. Pero ahora vuelve a juntarse con Damon para traernos, por primera vez un biopic amable llamado Air.

*Un biopic de toda la vida

Ben Affleck se pasa del thriller al biopic amable de bajo presupuesto con Air. Aún no sé a que viene ese cambio ya que se le daba muy bien el género pero la verdad es que tenemos a un narrador nato. Si bien Air no es una gran película sí que es muy agradable de ver. Para que nos entendamos. Yo me esperaba algo con más mala baba, algo tipo El Lobo de Wall Street y me he encontrado con una película más parecida a El Fundador. No es demasiado dramática, no tiene un ritmo endiablado pero sí que tiene un humor que la hace muy familiar. Y esa es la clave de su éxito. Nadie va a odiar Air.

Pero para mi el gran problema que tiene esta película es que existe la serie de HBO Lakers: Tiempo de ganar, y eso juega en contra de Air. La película tiene un ritmo correcto pero no endiablado, tiene humor pero no te mueres de risa, tiene poco drama y es muy buena narrando los hechos. Pero puede que los hechos tampoco sean tan interesantes. Para empezar sabemos muy bien lo que ocurrió. No es uno de esos casos de "basado en hechos reales" que desconoces y que la película te cuenta. Todo el mundo sabe de la existencia de las Air Jordan. Todos conocemos al deportista y a la marca. Y claro, es difícil hacer eso apasionante.

*Que nos cuenta y cómo nos lo cuenta

Air habla sobre el acuerdo que hizo Michael Jordan con Nike cuando entró en la NBA para sacar una zapatilla con su nombre que revolucionó la industria y la moda. La película se centra en el personaje de Sonny Vaccaro, interpretado por Matt Damon, que fué el que tuvo la corazonada sobre la joven promesa del deporte. Un hombre con una ligera ludopatía que se lo jugó todo a una sola tirada. El sueño americano. A los americanos estas historias siempre les gustan y Hollywood nunca tiene suficiente. También lo vemos reflejado en el personaje interpretado por el propio Affleck, Phil Knight, que fue quién creo la que es ahora mismo la marca de zapatillas más reconocible del mundo.

Se nota mucho que edad tiene Affleck ahora mismo. Se nota que los años ochenta son su juventud y eso se refleja en la película. Air tiene mucha nostalgia. Des de los temas musicales, hasta la estética super cuidada y la maravillosa ambientación. Intenta reflejar 1985 en cada fotograma. Y no solo eso. Algo que hace muy interesante Air es tratar a Michael Jordan como el mcguffin haciendo que se vaya incrementando la tensión des del inicio hasta su aparición.

*Un reparto de lujo

Si una cosa tiene Air es un reparto de lujo. Creo que nos hemos olvidado de lo buen protagonista que es Matt Damon. Es uno de esos actores que nunca te cae mal y que siempre cumplen. Pero es que además está acompañado de actores como Jason Bateman, Matthew Maher y Chris Messina, que son muy buenos secundarios. Y no debemos olvidarnos de Viola Davis, que está maravillosa. Hace años que no me gustaba tanto la actriz. Puede que porque parecía que se había encasillado un poco en su papel de señora dura de roer, pero en serio, está fantástica. Obviamente el mismo director se guarda el papel más estrafalario para si mismo donde nos recuerda que Ben Affleck era gracioso.

*Conclusiones

Air es una buena película sin ser una gran película. Es un biopic que seguramente veas más de una vez porque los personajes son atractivos, la ambientación y la música son muy buenos y tiene buen ritmo. Pero dudo que sea una película que te cambie la vida.

Escrito por Daniel Buron

*New York, New York

De todos es bien conocida la política racista de alguno de los presidentes de Estados Unidos. Levantar muros para impedir la entrada de personas en busca de trabajo, de una vida mejor que la que tienen en sus países de origen. De vez en cuando, aparece en los medios la noticia de la muerte de detenidos en manos de la policía. La mayoría de las veces, las víctimas son personas de raza negra. El abuso de autoridad no parece estar penado en el país de las oportunidades. La Estatua de la Libertad debe estar mirando para otro lado mientras se cometen este tipo de injusticias.

En Upon entry, la pareja formada por Alberto Ammann o Daniel y Bruna Cusí, Elena, va a vivir una pesadilla. Quizás la misma que padecen otras parejas latinas en los extenuantes interrogatorios a los que son sometidos en el aeropuerto.

Rodada en diecisiete días, mayoritariamente en una única habitación y de manera cronológica para mantener la tensión. Es una perfecta presentación de los personajes, no solamente por lo que dicen, sino también por los gestos, que van descubriendo secretos de la pareja. El espectador se implica en lo que le está sucediendo a esta peculiar pareja. Siente la misma angustia y perplejidad por todo lo que les está ocurriendo.

*La última palabra

Una entrevista que decidirá la última palabra, la de ser admitido en la tierra prometida o no. Una cruel invasión contra los sentimientos de los interrogados que les cambiará la vida para siempre. Les hará dudar, incluso, del amor que sienten el uno por el otro.

Según propias palabras de Alberto Ammann (Diego), no ha realizado un mero papel de imitación de alguien en esas tensas circunstancias. En Upon entry va tomar como referencia a un amigo suyo desde la adolescencia. Un muchacho que tenía dificultad para enfrentarse a los conflictos. Tics nerviosos en los ojos, movimientos de las manos, reflejaban su inseguridad, no creerse lo que le estaba pasando.

El final no está hecho para sorprender, se trata de un retrato veraz de ese tipo de proceso. La policía, que lo hace de manera rutinaria, a veces encuentra algo y otras no. No son conscientes, o no les interesa, la forma en que cambian la vida de las personas que interrogan. Para ellos es tan sólo un día más de trabajo.

*Sin fronteras

En el fondo y aunque no lo parezca, la creación de Upon entry ha sido un riesgo, por la temática poco frecuente que muestra, por tratarse de dos directores noveles. También, por ser una apuesta completamente actoral que focaliza toda la importancia en la interpretación.

Todo un reto para cualquier actor, aunque también un regalo. La escucha de las preguntas de los policías y las reacciones a ellas, es lo fundamental en el papel de Elena, Bruna Cusí. Entender la relación que mantenía con su pareja, a medida que ésta se va desmoronando por las dudas que van surgiendo. ¿Verdaderamente la ama? o ¿es tan sólo el medio para conseguir la meta de Diego?

A pesar de ser un conflicto ocurrido en una frontera, las emociones que despierta son universales. No entienden de fronteras. Cualquier persona se puede sentir identificada de una forma u otra. ¿Quién no se ha visto nunca expuesto a una situación injusta y absurda?

*Conclusión

Upon entry es una perturbadora película de suspense psicológico. Una demostración de abuso de poder, del miedo a no alcanzar una meta casi a punto de lograrlo. Del odio profundo de un país hacia los inmigrantes. Pero también de la esperanza.

Una pequeña, aunque magnífica película que refleja emociones universales ante las injusticias y la vulnerabilidad al padecerlas. Con un magnífico trabajo actoral y una veraz visión de sus directores sobre algunas vivencias personales. Todo esto contribuye a que el espectador se sienta identificado y, en cierto modo, incluso humillado, como los protagonistas.

Escrito por Irene Abecia Navarro

*Un habitual de Cannes

Desde que presentara en 1996 Nubes pasajeras, Aki Kaurismäki se ha convertido en un nombre habitual del Festival de Cannes. El director finlandés ha ido exhibiendo desde ese momento en el certamen la mayoría de sus películas que han sucedido a esta, incluyendo proyectos conjuntos con otros realizadores. Aunque su último largometraje hasta la fecha, El otro lado de la esperanza, fue parte del Festival de Berlín, eran muchas las voces que vaticinaban que su nuevo trabajo iba a ser parte de la Selección Oficial de Cannes de este año. Y así ha sido. Tras un hiato de seis años, Kaurismäki ha vuelto al cine con Fallen Leaves y lo ha hecho en la Croisette.

*Un estilo genuino e innegociable

El cine, como todo, ha cambiado bastante durante estos seis años. Pero Aki Kaurismäki no. Sus personajes de semblante gélido, de diálogos breves y de sentencias tajantes continúan presentes. Sus planos estáticos, también, al igual que las elipsis y los fuera de campo. Persisten los ambientes de clase trabajadora y los amores puros de sus protagonistas. Por ello, casi desde el primer segundo hay una sensación de agradable familiaridad en Fallen Leaves.

La historia de amor entre Ansa (Alma Pöysti) y Holappa (Jussi Vatanen) rápidamente nos lleva a la de otros personajes del universo Kaurismäki, como la de los protagonistas de Ariel por la instantaneidad de su enamoramiento o la del matrimonio de Nubes pasajeras por su estoicismo para salir adelante ante las adversidades. La visión y el estilo de Kaurismäki son innegociables. Y aunque el simple hecho de seguir siendo fiel a sí mismo no convierte automáticamente a Fallen Leaves en una excelente película, sí que reafirma una vez más a su director como un verdadero autor.

*Ejecución impecable

Lo que hace grande a una película pequeña en su coraza como esta es que Aki Kaurismäki, una vez más, muestra que su entendimiento del lenguaje cinematográfico es impecable, al igual que la precisión de sus guiones. No sería exagerado, incluso, decir que con los años ha pulido aún más si cabe sus virtudes. Comprende como nadie la conveniencia de una elipsis para trasladarnos de un momento a otro en una relación amorosa o el uso de la música diegética como forma de expresión de la situación vital de sus protagonistas. Kaurismäki se vale de sus armas y no necesita más de 90 minutos para contarnos la historia de amor más tierna y pura del año.

Al finlandés no le hacen falta grandes diálogos ni actuaciones estridentes. Con un primer plano que lo dice todo simplemente por ser un primer plano, le basta. Nos pasamos el tiempo buscando y rebuscando y a veces da la sensación de que el cine, como la vida, es una cosa menos complicada de lo que imaginamos. Quizás al final, las cosas son mucho más sencillas de lo que pensamos. Y pocos directores dominan tan bien lo sencillo (que no lo simple) como Aki Kaurismäki. Su nueva película es una muestra de resistencia de un personalísimo estilo. Y en tiempos como los que vivimos, se siente como un regalo.

*Conclusión

Fallen Leaves, el regreso de Aki Kaurismäki, es una tierna historia de amor marca de la casa. Todas las virtudes del trabajo del finlandés están presentes en esta divertida, entrañable y certera película, una de las grandes obras presentadas en el Festival de Cannes de 2023 y la enésima confirmación de su director como un cineasta espléndido.

Escrito por Juan Galarza López