El gran tipo y sensacional artista que es Guillermo del Toro, ha creado otra vez más, una fábula fantástica deliciosa, pero qué, con esta ocasión se nos revela como su obra más humana y quizás también, la más personal de su filmografía.

Es a la vez, el trabajo suyo más depurado y mejor diseñado visualmente, y el más sencillo en cuanto a temática. Además, dentro de los canones del director tapateo y su peculiar forma de sumergirse en el género fantástico, sería su obra menos bizarra y recargada de su ya extensa carrera.

La trama de la película es como otras del director (El Laberinto del Fauno o La Cumbre Escarlata), una fábula. Un cuento de hadas, donde ni los monstruos que habitan en el relato son tan malos, ni las personas que pueblan sus escenas son tan inocentes. Sino que, con la peculiar visión del mexicano ocurre lo contrario a lo que se nos contaba de pequeñitos.

Del Toro con La Forma del Agua ha conseguido quizás su jugada más redonda, ya que consigue sintetizar los elementos de todos sus trabajos anteriores en uno solo, mas pensado y maduro, con la salvedad de El Laberinto del Fauno, que sigue siendo a mi parecer su mejor trabajo.

En la trama de este nuevo cuento, introduce una serie de personajes que ofrecen una perspectiva muy definida y opuesta los unos de los otros. Por un lado, tenemos tres personajes que son los marginados e invisibles para la sociedad; el excéntrico gay (Richard Jenkins), la hastiada empleada de la limpieza afroamericana (Octavia Spencer), y la frágil y olvidada chica muda (Sally Hawkins). Mientras que, en el otro lado del espectro se encuentra el personaje interpretado por Michael Shannon, como hombre autoritario, retrogrado y de comportamiento mezquino.
Todos estos personajes se encuentran muy bien dibujados y descritos por Del Todo, y poseen cada uno, características que los hacen ciertamente interesantes y llamativos para el espectador.
Con semejante elenco actoral, ninguno de los presentes tropieza y nos regalan unas mas que correctas interpretaciones. Además, no deberíamos olvidar al especialista en bichitos, Doug Jones. Que una vez más se introduce bajo la piel de la criatura y ofrece unos matices a su caracterización y una riqueza motriz que no podrían llegar de otro actor que no fuera él, o del igual genuino, Andy Serkis.

En cuanto al guión, la historia en sí, es bastante sencilla, incluso queda algo pequeña en comparación con el diseño de los personajes y lo visual de la obra. Vendría a ser de los pocos peros que le puedo poner a la película. Pero, de igual forma no deja de ser una historia muy conmovedora, imaginativa como pocas y bien concluida.

Elaborada con un regusto y una estética muy singular, toma como espejo las películas clásicas fantásticas y de terror de serie B, profundamente visuales y repletas de momentos emotivos gracias, a sus cuidadas escenas concebidas en pocos escenarios y filmadas en pequeños sets de rodaje.

En conclusión, bajo mi punto de vista una de las mejores películas estrenadas en el 2017, única en su especie, dotada de hermosos sentimientos y que consigue tocar la fibra del espectador por su compasión y el amor hacia los seres solitarios, como tema central del relato.

Cuando Coppola comenzó con la producción de The Godfather no se imaginaría ni por asomo la grandiosidad y la magnitud del trabajo que había logrado con el comienzo de la famosa trílogia.

Son de sobra conocidos sus problemas con la productora de la película y del tiempo con que contaba el italo-amerícano para realizar el film que narraba la historia de la mafia en America, basado en el best seller del italiano Mario Puzzo.

Coppola finalmente llegó a un acuerdo y sufridamente pudo terminar su obra en el plazo establecido.

Su resultado: numerosas nominaciones y premios en los Oscars. Un trabajo encumbrado hasta la élite cinematográfica de la historia y que a servido y sirve de inspiración hoy en día para seguidores de un estilo único.

Narrada de forma magistral por Coppola, que cuenta en el reparto con una serie de actores sensacionales: mágnificos Brando y Pacino, soberbios Duvall, Caan, Cazale, etc...

Todo este conjunto aderezado con un guión esquisito basado en la novela de Puzzo, hacen de la película uno de los grandes referentes de la historia del cine.

Contada con un lírismo y un romanticismo del que solo un Coppola en estado de gracia podía dar cuenta, enmarcan a Vito y su familia como una representación del hampa en América espectacular y grandiosa.

Inquietante película esta Phenomena del italiano Argento. No había oído hablar de ella y me puse a verla totalmente virgen de prejuicios, encontrando por casualidad que en el reparto estaba la señorita Jennifer Connelly, una chiquilla por aquel entonces. Era un pequeño aliciente para acrecentar mi interés por la obra de Dario.
Connelly se encuentra muy cómoda en el papel de chica siniestra y abducida por la atmósfera cargada de misterio. Está muy guapa y realiza una gesticulación delicada y atractiva.
El resto del reparto no es de destacar especialmente, tienen unos papeles escasos de diálogos y flojos. El punto más fuerte de la película según mi opinión es el magistral uso que hace de la luz su realizador, muy destacable. Por otra parte al igual que otras películas de Argento te mezcla escenas muy ingeniosas con otras secuencias que son totalmente absurdas y alucinadas, que no me acaban de convencer y me sacan un poco del transcurso de la historia. Si me gusta las entradas de canciones que hace en las escenas de terror, son temas adecuados y que añaden el toque de intriga necesario (flash of the blade-I.MAIDEN) por ejemplo.
Argento pone empeño en la relación de la psique humana con la de los bichos (salen muchos insectos incluso un chimpancé superdotado) con un simbolismo macabro marca de la casa que no acabo de encontrarle la relación y me parece toda esa parte un poco rollo. Mi interés inicial va decayendo paulatinamente con el desarrollo de la trama, y acabo terminandola por los pelos.
En definitiva me parece un trabajo muy desigual, que cuenta con algún detalle interesante y poquito más. También he de decir que al ser una película rodada con pocos recursos, el paso del tiempo en ella no le hace un gran favor.

Los Coen en su forma más original. Estos señores tan inteligentes y que han visto tanto cine, condensan en esta obra un talento descomunal. Con unas ocultas referencias hacia tantas cosas; escritores-fraude, gangsteres fascistas, el retrato sencillo del teatro o el cruel y hostil de Hollywood, entre otros. Cuenta con los ya acostumbrados actores del reparto habituales en los trabajos de esta pareja de hermanos, realizando Goodman, Turturro y Lerner unas actuaciones supremas.
El guión de la historia es ambiguo, y proclive a numerosas interpretaciones. Mezcla comicidad y drama de la única forma que solo los Coen saben llevar a la pantalla. A lo que hay que añadir la numerosidad de géneros que recorre la obra: el drama intimista, cine negro, comedia alucinada, surrealismo o la intriga paranoica.
Las aristas que presenta un personaje como el de Fink, son infinitas, un hombre pusilánime, absorto y alejado de la rutina cotidiana del día a día. Y además un intelectual y un consumado conocedor de la literatura. Lo que podría ser perfectamente una radiografía de muchos escritores con una forma de trabajar independiente, o como no, una entrada a la propia mente del aclamado tándem de cineastas.
Desde el punto de vista artístico, la película es una maravilla, una delicia. Con escenarios geniales (hotel donde se instala Barton, restaurantes, baños...)
Su punto más fuerte reside en los cínicos y corrosivos diálogos que bombardean a la apacible mente de Barton desde todos los ángulos posibles. La película tiene frases que recordaré para la posterioridad. De ello se encargaron gente como Lerner o Mahoney.
En su debe, Barton Fink peca de ser algo grandilocuente, con algunos planos que no aportan demasiado, centrándose en tics y simbolismos.

En definitiva, para mí, Barton Fink es la obra de unos genios, una película que alcanza unas cotas artísticas e intelectuales elevadísimas y con la justa dosis de cinismo, el plato fuerte de la casa. Con unos primeros planos, travellings y decorados para enmarcar.

P.D. espero un pronto y buen envejecer de Turturro, para que estos genios lleven cuanto antes la continuación, con "Old Fink" en la gran pantalla.

Curiosa propuesta esta Mauvais Sang del enfant terrible Leos Carax, corría el año 1986 cuando presentó al mundo la citada obra, y el siempre innovador y experimental realizador francés propone un ejercicio de estilo con mensaje pseudo apocalíptico que recoge claramente el testigo de la Nouvelle Vague francesa, pero pese a contar con unos ingredientes más que interesantes el presunto espectáculo de pirotecnia narrativa y visual se pierde en la nada y termina por ser fallido.

A su favor cuenta con algún elemento, como una cuidada iluminación, que se apodera de la escena en todo momento y le da al trabajo un acabado visual muy elegante, y tenemos a la estupenda Juliette Binoche que cumple con creces en su papel. Pero hasta aquí llegan los aciertos de la película, el resto peca de teatralidad y dramatismo mal concebidos y muestra un director demasiado centrado en su propio ego y su mundo artístico, mientras que el retrato de personajes y el argumento no se abrazan con el espectador durante la mayoría del metraje

Cuenta con un actor principal, Denis Lavant que a parte de tener un rostro bastante peculiar y con cierto punto de marciano, no despierta en mí un mínimo de interés, y constantemente deambula por la película sin empatizar con el espectador lo más mínimo, sino alejarnos con su estancamiento emocional y su rostro inexpresivo. Un personaje realmente apático.
También aparecen con papeles más o menos relevantes Julie Delpy y Michel Piccoli, con más penas que gloria la verdad, aunque siempre guste ver en pantalla las delicadas facciones de Delpy.

La trama cuenta con un inicio visualmente muy atractivo y llamativo pero va disminuiendo paulatinamente hasta límites insalvables para llegar al final con la necesaria sospecha o interés en un planteamiento de este tipo. Son numerosas las conversaciones alargadas y que se pierden en la palabrería y piruetas vacías, además de momentos realmente absurdos e innecesarios para el transcurso de la historia.

En definitiva es más un quiero y no puedo del autoproclamado autor francés, que una obra de entidad en la escena europea