La primera demostración de inteligencia de este autor (Fernando Franco) está en el título de su película, “La herida”. Será esa palabra el hilo conductor con el que acompañamos a la protagonista en su desquiciado discurrir.

“La herida” es una película que muestra el tormento psíquico de una persona, por otro tormento psíquico y también físico que padeció. Eso no lo dice la película, ni casi lo insinúa, pero la maestría con que el director va dejando aflorar detalles, casi de manera imperceptible, excepto en una más evidente ocasión, nos lleva a compenetrarnos con la protagonista, a entender, conmovernos y horrorizarnos con su dolor. Esa es la única manera de que esta intensa y explícita (sin parecerlo) película pueda afectarnos tan hondamente. Si no se entiende ese dolor se puede llegar a opinar “Lamento mucho que esa conductora de ambulancias no se soporte ni a sí misma ni a los demás, que el alcohol y la coca la pongan peor…/ …que su estancia en la tierra sea un exclusivo infierno…/…No comprendo las intenciones de esta árida, fría y desagradable película.” (Boyero dixit)

Hace bastante tiempo que el cine español ha caído en una apática y creciente mediocridad (incluyendo alguna “vaca sagrada”, Almodóvar, Trueba (el Fernando), De la Iglesia) por lo que ver algo original, precisamente narrado y magistralmente interpretado lleva al estímulo y la confianza. Con una economía de medios (sobre todo económicos) y narrativos, hasta logar que evitar el plano/contraplano, sea un ejercicio de estilo y dote de más intensidad a la película. Como he leído por ahí, todo el film parece ser un plano secuencia. Quizá solo pretenda ser un interminable travelling, con algún receso, para acompañar a Ana y observar muy de cerca todo el dolor que impregna su vida y que de manera tan violenta expulsa hacia los demás y, sobre todo, hacia sí misma.

Fernando Franco acerca su cámara a Anna y ya la acompaña en todo momento. Marian Álvarez es toda la película, por ser la protagonista absoluta y porque todos sus registros, corporales y gestuales, consiguen transmitir todo ese horror interior. Hacía tiempo de una actriz española no llegaba a impresionarme de forma tan real.

“La herida” es una película dura pero conmovedora, es cálida (no fría, Boyero) y está llena de vida y pasión. Arroja hacia el espectador todos los demonios que, un trauma causado a un inocente, pueden llegar a invadir una vida, hasta convertirla en un calvario interminable. Fernando Franco y Marian Álvarez nos lo cuenta, nos impresionan y nos conmueven.

Sólo cuando el dolor ajeno es empatizado, podemos llegar a ser el que sufre. Es entonces cuando entendemos que su herida es la nuestra y que su dolor lo sufrimos con él.

Afortunadamente hay tanto cinéfilo suelto (junto a algún despistado) que las críticas florecen en todas sus formas y colores. Las hay de buenas y de malas, así como de muy buenas y muy malas, pero hay tantas que cualquier crítica se acaba perdiendo en el ilimitado infinito de la red. Es por ello que haré una crítica (o parecido) bajo un concepto diferente al habitual.

La caza es una película impresionante. Es intensa, profunda, amarga, triste, emocionante, redentora, desafiante… Los actores, sobre todo él y la niña, inmensurables. El guión perfecto, la dirección extraordinaria…

Ahora viene el motivo de la crítica, determinada por esta España que me toca disfrutar/padecer. He contado 15 críticas profesionales, con sus respectivos semáforos. 11 son verdes, 2 son ámbar y los 2 rojos (un 13%), de dos periódicos españoles que representan una visión de la sociedad demasiado alineada con el conservadurismo más rancio; aunque uno de ellos tenga algo de progre, el otro lo define el subjetivismo obsesivo de su “marainístico” director.

Quizás sea el tema, el abuso a menores, lo que desagrada a algunos espíritus de pretendida moral elevada, y les lleva (curiosamente a ambos) a calificar esta película con el despreciativo término de telefilme.

Afortunadamente, agradezco intensamente que tanto ellos como yo podamos expresarnos libremente. Pocas cosas son tan sanas como poder decir lo que se quiere decir.

Conociendo el cine de “Rosales”, e intuyendo lo que en él pretende decir, podría comenzar con el chiste fácil a partir de “Sueño y silencio”. Decir que en el sueño estuve a punto de caer, pero que no existió el silencio, porque algún bostezo lo impidió. “Jaime Rosales” va de inteligente con su cine y el problema llegará cuando se acabe pasando de listo, aunque parece que todavía no ha llegado ese momento, porque si bien el director se arriesga en apuestas que bordean lo pretencioso aun no ha caído en el ridículo.

Puede parecer que “Las horas del día”(2003), “La soledad”(2007), sobre todo “Tiro en la cabeza”(2008) y definitivamente “Sueño y silencio”(2012) apuestan por la presuntuosidad, la intelectualidad fría o la búsqueda del reconocimiento autoral, pero “Rosales” tiene un pulso narrativo, una audacia y una desvergüenza hacia el público, que consigue dotar a sus películas de momentos sublimes (ese ojo del ogro, en “Tiro en la cabeza”), insertados en esa quietud de imágenes y ese “estaticismo” narrativo con que filma.

Creo que “Sueño y silencio” no es una película para el público, es una película para “Rosales”. El va de autor y así nos lo demuestra, intentando emular a “Erice”, a “Dreyer” a “Bergman” y sobre todo al “Tarkovski” de "Andréi Rubliov"(1966), por el curioso tratamiento que hace del color y hasta a “Welles”, con ese largo y un tanto forzado travelling por el parque, que queda como un elemento hermoso pero paradójico dentro del relato.

Reconozco que el cine de “Rosales” llega a engancharme, aunque aun no a sublimarme. “Sueño y silencio” es una película tan hermosa como triste, tan intensa como hueca, tan preciosista como desatinada.

Es posible que si “Jaime Rosales” me leyera diría que él va a lo suyo, pero yo espero que su próxima propuesta no sea un ejercicio de autor, sino que llegue a ser una película de autor, como esas que hicieron “Welles, “Erice”, “Dreyer”, “Bergman”, “Tarkovski”… esos autores inmensos a los que un aspirante “Rosales” intenta emular.

Nunca he sido un entusiasta de “Tornatore”, ni de su afamada “Cinema Paradiso”. Reconozco que su cine es honesto, amable y entregado, pero veo en sus imágenes un exceso de autocomplacencia y una sensibilidad tan blanda que a veces revolotea en torno a la sensiblería. Con esta premisa empecé a ver “La mejor oferta”, temiéndome que la película transitaría por esos mismos parámetros, pero esta vez a “Tornatore” le ha funcionado.

A pesar de algún fallo de guion, a nivel de credibilidad de la historia, y alguna torpeza narrativa, la película funciona en su propuesta y en su puesta en escena. Los movimientos de cámara, a veces algo gratuitos, acaban atrayendo al espectador y envolviéndole con esas imágenes suntuosas que la historia requiere. Los personajes están bien perfilados y algunos extraordinariamente interpretados (Geoffrey Rush, como siempre) y consiguen integrarte en sus vidas, hasta empatizar, que es a lo que un buen cineasta aspira, en este tipo de narraciones.

Los mejores momentos en esta ancestral historia, de seducciones encubiertas y amistades conjuradas, son los que muestran el acercamiento emocional de ese “offsider” de la fisicidad emotiva que es el protagonista. Ambientando el espacio en una decadente y antaño aristocrática casona asistimos, a través de los solemnes movimientos de cámara, a esa entrega desesperada, negado ya cualquier control.

Esta vez la emotividad que ha puesto “Tornatore” en su película le ha funcionado y sus pretensiones modestas, en cuanto lo que quería contar, han conseguido transmitir al espectador, de una manera tan sencilla como efectiva, las grandezas y miserias que, en lo más profundo, esconde el corazón humano.

Todo en esta banal película resulta tan cargante que lleva al espectador hasta el hastío.
Entre demasiadas películas con moralina barata, que tergiversan penosas realidades para endulzar las situaciones más duras y angustiosas, ésta llega al súmmum de la estupidez.

El guión es bochornoso, por ridículo, amanerado y simplón; la dirección no existe, ya que todo es un puro cliché, incluida esa excesiva dedicación que la cámara ofrece a ese simulacro de actriz autollamada “Love”; y es que esa afectada “Jennifer Love Hewitt”, resulta tan cargante, con sus muecas, mohines, perfecto maquillaje, su cuerpo impoluto y esa cara de gallina asustada, que adereza el conjunto hasta convertirlo en una visión de tortura.

Vaya asco de “peli”!!!