Posíblemente Will Smith y Tom Cruise sean las dos únicas muestras en activo de lo que entendemos como verdaderas megaestrellas de Hollywood. Esa estirpe limitada de actores cuyos nombres aparecen en los carteles por encima de los títulos de sus películas y en caracteres mucho más grandes, que generalmente aprovechan dicho estrellato de manera efímera, salvo en los dos casos nombrados.

A pesar de no ser los mejores actores del mundo, tantos años afianzados en los primeros puestos de actores más taquilleros son el resultado de diversas pautas muy similares en la carrera de ambos. Una profesionalidad fuera de toda duda, un conocimento único de su profesión y de la industria en la que se mueven y una sutil y constante evolución, siempre sin renunciar a sus señas de identidad. Dicha fórmula en rara ocasión fracasa en su objetivo y genera productos realizados con un mimo exquisito y que, sobre todo, tratan con un extraordinario respeto al espectador.

“Al Filo del Mañana” y “Focus” ilustran un momento de madurez en las carreras de ambos intérpretes en las que cualquier atisbo de ego queda relegado a un segundo plano. La gran prioridad es la película y para ello no dudan en rodearse del máximo talento posible, compartiendo e incluso cediendo en algún momento protagonismo, aún a riesgo de quedar eclipsados por sus partenaires.

“Focus” se sostiene equitativamente, tanto en Smith como en una estupenda Margot Robbie y en la química generada entre ambos. Además el actor muestra una actuación bastante más contenida de lo habitual, dejando su galería de tics para “El Hormiguero” y la gira de promoción.

Aunque daba la impresión de que esta sofisticada historia de ladrones debía ser el regreso al blockbuster por todo lo alto de Smith trás una temporada centrado en apoyar la carrera de su hijo Jayden, “Focus” sorprende gratamente por su sencillez y falta de pretensiones. Todo hacía presagiar una megaproducción espectacular de robos a gran escala, pero nada más lejos de la realidad. “Focus” presenta un tono mucho más intimista de lo esperado, desarrollando su sencillo guión de manera prácticamente íntegra en interiores y en el que los diálogos predominan sobre la acción.

Dicha sencillez no quiere decir que la trama sea simple. La película es consecuente con el género en que se mueve y en ella no faltan los giros de guión (algunos más previsibles que otros) y sus 105 minutos de duracción son un continuo y estimulante juego psicológico en el que el espectador nunca deja de ser partícipe, ya sea en la relación entre Nicky y Jess o entre estafadores y objetivos, todo ello con sus bien medidos toques de humor y rodado con una magnífica elegancia.

Los glamourosos escenarios, embellecidos más aun por su fantástica fotografía y la dirección del tándem formado por John Requa y Glenn Ficarra rebosan clase y convierten a “Focus” en una demostración de pura elegancia cinematográfica. Muestra de ello es la fantástica elipsis que muestra a la pareja dirigiéndose al dormitorio mientras la cámara les abandona para seguir el recorrido del pasillo y doblar una esquina, mostrándo a ambos sobre la cama a la mañana siguiente. Sutil pero muy top.

Quizá decepcione a quien busque el blockbuster espectacular típico del Will Smith de la época de “Hancock”, “Soy Leyenda” o “Yo, Robot”. En cuanto a thrillers sobre robos, “Focus” se encuentra más cerca de “Un Romance muy Peligroso” que de “Ocean´s Eleven”. No se convertirá en un clásico del género pero sin duda es un entretenimiento de lo más agradable.

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Explicada de manera rápida, “Chappie” podría resumirse como “Cortocircuito” ambientada en un Johannesburgo que recuerda estéticamente al Detroit ciberpunk de “RoboCop”, mezclado con influencias hip-hop. Un cocktail de influencias acelerado, ruidoso y rodado con pulso firme que cumple más que de sobra como producto de puro entretenimiento, pero que decepciona debido a las expectativas generadas por su director.

El sudafricano Neill Blomkamp deslumbró en un género siempre complicado con su ópera prima “Distrito 9″. Un debut con un presupuesto modesto que rebosaba frescura y originalidad, enlazando de manera fascinante denuncia social con ciencia ficción y entretenimiento de calidad. Trás la irregular “Elysium” y ahora “Chappie”, parece que toda esa frescura ha ido menguando a medida que ha ido creciendo el presupuesto de sus producciones, además de transmitir una evidente sensación de estancamiento en un recurrente y reiterativo discurso.

Ya sea a través de una ocupación extraterreste, una sociedad futurista distópica o un robot con alma, Blomkamp nos envía siempre el mismo mensaje: Hay algo que no funciona en el ser humano y es absolutamente necesario un cambio, un nuevo paso evolutivo. “Chappie” no es una excepción y contiene dicho mensaje recurrente, metaforizado también de manera muy similar como transformación física, como en el caso de la mutación del protagonista de “Distrito 9″ o el exo-esqueleto de Matt Damon.

El máximo y casi único acierto de la película reside en otorgarle el peso de la misma a Sharlto Copley y su interpretación del robot protagonista. El actor fetiche del director, con la captura de sus movimientos y su voz como herramientas, se carga la película a sus espaldas y consigue transmitir de manera ejemplar la evolución de Chappie. Los sutiles matices de su actuación definen perfectamente las etapas que el robot va experimentando y quemando a velocidad de vértigo: de niño asustado a adolescente rebelde y de adulto que asume responsabilidades hasta llegar a la madurez que le otorga la consciencia de la cercanía de su muerte. Un especie de “Boyhood” acelerado por un procesador de mil nucleos. Copley aporta también todo el tono cómico en la relación con su estrambótica familia adoptiva y el drama y la ternura cuando interactúa con su padre “biológico”.

Respecto al resto del elenco, Dev Patel se limita a cumplir y Hugh Jackman aporta poco más que presencia y caché, muy limitados dentro de unos personajes demasiado tópicos y esterotipados. El dúo de raperos sudafricanos Die Antwoord sobreactúan interpretándose casi a si mismos y aportan sus imposibles looks y un par de temas realmente potentes a la banda sonora mientras que la intervención de Sigourney Weaver, al igual que en “Éxodus”, se podría catalogar como simple cameo.

Aunque no sea para tirar cohetes ni se destaque por encima de encima de otros films de ciencia ficción de robots con sentimientos, “Chappie” cumple con los mínimos exigibles a una superproducción de estas características, no aburre en ningún momento gracias a su ritmo frenético y es una buena opción si solo se buscan dos horas de entretenimiento.

Veremos como se adapta y lo que puede aportar Neill Blomkamp en su próximo proyecto, dentro de una franquicia tan importante dentro del género como “Alien”. Esperemos que sea con mejores resultados. Ya demostró que talento le sobra y que puede hacerlo fantásticamente bien.

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Desembarca en nuestro país, casi a la par que en Estados Unidos, la nueva serie de ABC. Con el Oscar al mejor guión adaptado del pasado año bajo el brazo por su trabajo en “12 Años de Esclavitud”, John Ridley se embarca en la creación de “American Crime”. Una nueva propuesta televisiva, dividida en 11 episodios que se suma al catálogo de productos de calidad de Movistar Series.

La premisa inicial de “American Crime” puede recordar demasiado a “Crash”, la oscarizada película de Paul Haggis, ya que pretende ofrecer un sobrio y crudo retrato de la sociedad norteamericana a través de un acontecimiento que servirá de detonante para que colisionen entre sí los distintos estractos sociales, raciales y económicos que conforman dicha sociedad en la localidad de Modesto, California. Aunque no sea del todo original y rompedora, a esta premisa se une el interés añadido de la trama policial, que irá desentrañando poco a poco los motivos y circunstancias del brutal crimen que origina la trama.

La primera entrega de la serie es una lección de lo que debe ser un buen capítulo piloto. Un ejercicio ejemplar a la hora de perfilar tanto trama como personajes, con la dificultad añadida que supone contar la historia a través de un reparto coral. En 43 minutos las numerosas piezas que conforman este mosaico social quedan perfectamente colocadas en el tablero, rematando con un cliffhanger que hace casi imposible no querer ver el siguiente episodio.

Dirigido de manera sobria, sin ningún tipo de alarde, salvo alguna pequeña filigrana de montaje y con una discreta banda sonora, la serie apuesta por el realismo y la crudeza, colocando la cámara para que “American Crime” hable, casi únicamente, a través de sus personajes. Entre ellos, destaca de manera especial esa madre coraje llena de prejuicios interpretada por Felicity Huffman. Gracias a un personaje potentísimo y arriesgado, a la fantástica actriz le hacen falta apenas dos escenas para asegurar su presencia en los próximos Emmy en la categoria de drama. El éxito de “American Crime” también podría certificar el regreso a la primera linea de Timothy Hutton trás una carrera llena de altibajos, dentro de un reparto que mezcla veteranía y caras jóvenes, en el que podemos disfrutar también de la siempre estupenda Penelope Ann Miller.

Un retrato social dramáticamente muy potente y un crimen en el que no todo es lo que parece se convierten en elementos de interés más que suficiente para arrastrarte a seguir viendo más y desde aquí lo haremos cada semana.

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Moviéndonos por el siempre complicado género de la ciencia ficción, es en la escena independiente donde suelen surgir propuestas verdaderamente nuevas y estimulantes, donde el ingenio aflora para superar limitaciones presupuestarias. “The Signal” no puede catalogarse como un paradigma de originalidad, pero muestra bastante habilidad a la hora de mezclar las múltiples referencias de las que bebe. El joven William Eubank presenta en su segundo film como director unas credenciales más que suficientes para que lo marquemos como nombre a seguir en los próximos años.

“The Signal” comienza como una road movie adolescente que pronto nos introduce junto al protagonista en un thriller psicológico de atmósfera opresiva e incomodísima gracias al trabajo de dirección y fotografía y a un inquietante Laurence Fishburne, único rostro familiar de un elenco compuesto por jovenes talentos procedentes de la televisión norteamericana. Es en el aséptico y blanquísimo laboratorio que estéticamente recuerda a “2001” donde discurre el grueso de la película y Eubank juega a desconcertar al espectador planteando muchas preguntas y casi ninguna respuesta a un ritmo de narración deliberadamente lento, únicamente adornado por unos flashbacks de bellísima factura estética.

Ahí es donde la película corre serio riesgo de caerse. Quizá demasiado metraje a ritmo cansino dedicado a descolocarnos y a esconder sus cartas que roza el límite de la paciencia y se arriesga a pillarnos francamente agotados cuando llega el fantástico tramo final. Por suerte en ese momento Eubank se desata, mostrando un estupendo clímax rebosante de talento visual que desemboca en un desenlace bastante satisfactorio. La acción tarda en llegar pero es realmente apoteósica, transformando el film en un comic en movimiento gracias a un elegante uso de la cámara lenta y unos brutales efectos especiales, que beben claramente de la influencia del mejor manga japonés. Una auténtica demostración de estilo que puede servir perfectamente como carta de presentación para que Marvel o DC tengan el nombre de Eubank muy presente para futuros proyectos.

Debido a su estructura deja cierto regusto a episodio de “En los límites de la Realidad” excesivamente alargado y funciona más como cóctel de referencias y géneros que como obra puramente original. Aún así y a pesar a estar lejos de ser una obra maestra, “The Signal” es un producto de estética sobresaliente que contiene suficientes elementos para satisfacer al aficionado al género que busque propuestas interesantes.

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Con casi tres años de retraso llega esta interesante muestra de cine de espionaje a nuestro país, gracias a la reciente revalorización de su director e interpretes. Esta producción de BBC Films pasó bastante desapercibida en su día al contar con la presencia de Clive Owen, ya entonces algo alejado de la primera linea de Hollywood, como único gancho comercial.

Tres años después su director James Marsh está de plena actualidad gracias a “La Teoría del Todo” y su protagonista Andrea Riseborough, es reconocida gracias a sus trabajos en “Oblivion” y “Birdman”. El reparto lo completan otros dos nombres en clara progresión ascendente como Aidan Gillen (“Juego de Tronos”) y Domhnal Gleeson, asentadísimo en Hollywood trás films como “Frank”o “Invencible” y al que veremos en el episodio VII de “Star Wars”. Incluso el propio Clive Owen ha vuelto con más fuerza al candelero gracias a su soberbia interpretación televisiva en “The Knick”, con nominación al globo de oro incluida.

Nombres atractivos para el espectador dentro de una producción con poquísimas pretensiones comerciales. Si buscáis un thriller adrenalítico de espionaje, esta no es vuestra película. “Agente Doble” narra esta historia de mentiras y lealtades con los últimos coletazos del IRA en el conflicto del Ulster como marco de fondo de una manera extremadamente fría, que puede alejar al espectador que busque entretenimiento ligero.

La trama avanza muy despacio, a base de planos, miradas y silencios exagerademente largos. Sobriedad y realismo llevado al extremo dentro de una pesimista y plomiza atmósfera de la que película no consigue salir, ni siquiera en los contados arrebatos de violencia.

Superadas las dificultades que pueda acarrear su propuesta formal, “Agente Doble” contiene una interesantísima visión del conflicto irlandes a través de un retrato intimista de un ambiente familiar educado en la violencia. Una familia para la que la actividad terrorista es la única forma de vida que han conocido, en la que cada miembro asimila a su manera la inminente llegada del adiós a las armas. En el centro del huracán se encuentra Collette, fantásticamente interpretada por Andrea Riseborough. La película se mueve y respira a través de los enormes ojos de esta mujer dolorosamente sola, envuelta en la titánica tarea de sobrevivir dentro de una telaraña compuesta por su responsabilidad como madre, la lealtad a su familia y sus ideales y una insoportable presión policial.

Una interpretación contenida, sobria y alejada de cualquier artificio al igual que el resto del estupendo elenco. Clive Owen protagoniza la trama puramente policial del film, que aunque es bastante convencional, aporta con el proceso de investigación del misterio una buena dosis de interés que se agradece bastante para afrontar el tramo final.

La Aventura y Good Films han repescado un film muy competentemente realizado en términos técnicos y artísticos, al que una pizca de ritmo y emoción hubiese convertido en auténtica joyita.

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