Afortunadamente, a pesar de los esfuerzos hollywoodienses y los efectos de la propaganda militar, si nos fijamos en la historia del cine las películas bélicas que mejor han trascendido nos ofrecen argumentos para cuestionar y combatir las guerras. Les croix de bois se inscribe entre las pioneras de este género, toda ella impregnada de un profundo humanismo.

En el apartado técnico hace gala de un exquisito uso del blanco y negro con abundantes planos distantes, que permiten un desarrollo natural de las escenas así como capturan la belleza de los paisajes, incluso encontrándose estos bajo las bombas y la artillería. Es justo reconocer que tanto la historia como la forma de abordarla remite a All Quiet on the Western Front (Sin novedad en el frente), dirigida por Lewis Milestone un par de años antes. Sin embargo, casi nos atreveríamos a decir que en este film todo llega un poco más lejos: la belleza de las imágenes y la profundidad de su argumento. En todo caso se trata de dos películas absolutamente recomendables independientemente de las preferencias de cada cual.

Refleja muy bien el contraste de la guerra: el desquicie y la solidaridad entre los soldados rasos y los cuadros intermedios frente a la distancia, hipocresía y crueldad de los altos mandos; la alegría bañada en alcohol que sirve de válvula de escape para la frustración y la dureza del frente; la nostalgia de los seres y lugares queridos y la presencia de la muerte siempre presente que se combaten con la compañía y los gestos generosos. Todo con un cierto aire de brutalidad física más que espectacular, en comparación con las guerras ulteriores, ya que predominaba el cuerpo a cuerpo a las bravas, con fusiles y bombas de mano principalmente y esas imágenes de hombres deambulando por inmensas llanuras plagadas de trincheras. En todo momento queda patente el sin sentido de la guerra, bajo órdenes y situaciones absurdas que hacen peligrar tantas vidas con pretextos que se revelan inútiles e injustificados. Quizás sea la guerra la incongruencia del autoritarismo llevada a su máxima y devastadora expresión.

En definitiva, un film que destaca en todas sus vertientes y que merecería mayor repercusión dado que parece haber pasado injustamente inadvertido.

Crítica sarcástica del nazismo y por ende, del totalitarismo. Las bajezas morales de su protagonista son tornadas en delirios de grandeza y su ignorancia, deja paso a la ideología para colmar cada hueco de su pensamiento. Humor negrísimo llevado hasta el extremo de la alucinación, acompañado desde el apartado técnico con un dinámico juego de lentes, planos entrecruzados, efectos de sonido y desdoblamientos de escenas, que le otorgan una apariencia sólida y vanguardista. Una idea original e irreverente llevada a cabo con elegancia y atrevimiento.

Entretenido experimento italiano de llevar a la pantalla, a cuatro manos, diferentes historias escritas por Boccaccio, con el "amor" y las relaciones de pareja como nexo común.

En el primer acto, "Renzo y Luciana", Mario Monicelli retrata las vicisitudes de una joven pareja que trata de tirar adelante su vida y construir una familia juntos, enfrentándose a unas severas constricciones sociales. Con un inicio algo exagerado, poco a poco, la narración construye una realidad plausible en la que nos podemos ver reflejados. A pesar de los cambios acaecidos en la Europa de las últimas décadas, el esfuerzo y sacrificio de dos jóvenes enamorados con trabajos precarios por lograr su independencia, sigue de plena actualidad. A destacar el maravilloso plano final.

Federico Fellini dirige "La Tentación del Doctor Antonio", con una fuerza visual enorme que se ve plasmada ya desde los primeros segundos. Aunque en algún momento el hilo conductor parece desdibujarse, mantiene siempre un equilibrio entre lo desmesurado de los personajes y lo que representan. Magistral la forma en que retrata una fobia sexual escudada en la rectitud moral, como ocultación de una filia reprimida. Sus juegos simbólicos se insertan perfectamente en el tránsito entre sus primeras películas más crudas o la desenfadada "La Dolce Vita", sirviendo de antesala a las visiones oníricas de "8½".

Lento y artificial, a pesar de la sensibilidad que trasmite la gran actuación de Romy Schneider, me resulta el tercer acto "El Trabajo". En él Luchino Visconti retrata los interiores de la vida de un excéntrico conde muy aficionado al sexo que se acaba de ver envuelto en un escándalo. La historia sirve de perfecto contrapunto a "Renzo y Luciana"; mientras que aquellos tratan de esconder su relación para conservar su trabajo, estos trataran de esconder su infidelidad para conservar sus riquezas. A pesar de su retrato crudo de la aristocracia y sus valores (o mejor, su falta de ellos), el resultado queda demasiado cargante disminuyendo el ritmo del conjunto.

Cierra la cinta De Sica con "La Rifa", donde trata de recuperar el ritmo perdido. Aunque con momentos inspirados y una Sofía Loren que se basta y se sobra para llenar la pantalla, la narración flojea en su intento de ser graciosa, pecando de demasiado histriónica y predecible. La idea del tonto del pueblo elevado a la categoría de héroe, mintiendo para que esto sea posible, tiene fuerza, pero no logra mantener la tensión necesaria a lo largo del relato.

Al final, un experimento interesante que vale la pena ver, con una primera mitad muy prometedora que si bien no llega a hacer aguas, encalla en su segunda parte. Hay que reconocer que los intentos de rodar a cuatro manos son arriesgados y es justo decir que este, a pesar de todo, sale airoso de la empresa. También que los cuatro relatos se complementan perfectamente ofreciendo puntos de vista distintos sobre una misma cuestión.

Bonita comedia dramática en la que se entrelazan diversas historias siguiendo el rastro de una falsa moneda de oro. Además de contar con un gran trabajo de dirección, guion e interpretación, ofrece algunos detalles desenfadados que le dan un aire de frescura (como la recurrente voz en off que nos presenta y sigue la historia). En el aspecto formal entremezcla su vocación de film clásico e incluso teatral con elementos que evocan el neorrealismo o el cine social. Esta sensación se ve reforzada por el argumento y guion, que en un segundo plano ponen en duda el valor del dinero y cuestionan constantemente el arbitrario e injusto reparto de la riqueza. Y digo en segundo plano porque lo que predomina en este film es la comedia, con frecuencia romántica e incluso trágica, de personajes entrañables, simpáticos y a su manera obsesionados. Historias que a priori no tendrían nada que ver pero que el azar se ha encargado de ensamblar para que nos sean servidas deliciosamente. Muy recomendable.

Una denuncia devastadora de los hechos acontecidos en la bahía de Pasaia el 22 de marzo de 1984, donde cuatro miembros de los Comandos Autónomos Anticapitalistas fueron asesinados en una emboscada policial premeditada. A través de los testimonios de familiares, testigos y conocedores de los sucesos, se reconstruye lo ocurrido, escarbando en los entresijos de un poder capaz de ocultar toda responsabilidad, así como desvelando los motivos y modus operandi de este crimen de Estado. Un documento importante y necesario que restablece la verdad de unos hechos y clama por el reconocimiento "oficial" de estos, a la vez que nos muestra una cara poco conocida del dolor de una época reciente, directamente relacionada con el presente.