Absolutamente conmocionado y noqueado emocionalmente. Así fue como me sentí al salir de la sala de cine tras haber visto la última película que ha logrado dejarme verdaderamente sin palabras. Sydney Lumet es como Vincent Van Gogh, un absoluto genio condenado injustamente a la indiferencia de sus coetáneos. Sólo ahora, cuando el ocaso de los días de este maravilloso contador de historias parece llegar a su fin, es cuando verdaderamente se puede entender la magnitud de su legado. Estoy convencido que en un futuro no muy lejano, el nombre de Syndey Lumet aparecerá con todo merecimiento en los libros de historia del cine como uno de sus mejores y más visionarios ejemplos.

Y ahora la película en cuestión. Podría definirse como obra maestra absoluta y punto pero son tantos los aciertos y tan pocos (o ninguno) los fallos que sería una injusticia no enumerar todas las virtudes de esta maravilla:

En primer lugar la historia es un reflejo absolutamente sobrecogedor de la impersonalización y la carencia de valores morales y familiares a favor del imperio del dinero. Algo que otras muchas películas también han podido reflejar, pero en esta ocasión Lumet nos muestra lo putrefacto de las relaciones de una manera absolutamente clásica, siempre elegante y con un estilo arrollador sin paliativos. Esta es la primera película que he visto en mucho tiempo con unos personajes tan rematadamente viles, amorales e indiferentes a las desgracias ajenas. Pone los pelos como escarpias.

Los actores y actrices se marcan un recital interpretativo apabullante. El desgarro de su alma no sólo se deduce a través de sus actos o sus discursos sino que podemos observar su dolor a través de cada uno de sus gestos y de sus miradas. Lumet los capta vagando entre las estancias de un apartamento vacío, en la habitación de un hospital, en una joyería, en una representación teatral de un colegio, en un bar de mala muerte, en un despacho inmaculado. Momentos en los que se respira la frustración, la ira, el miedo, la culpabilidad y la huída. Escenas todas para enmarcar.

El guión es impropio de una debutante en cine: sólido, sórdido, sexual, inteligente, hiriente, desolador. Un inmejorable decálogo de todas las virtudes que hay que poner encima de la mesa para conseguir una historia a la vez actual y a la vez intemporal, a la vez concreta y a la vez ecléctica. Todo ello en una película con un humor negro, negrísimo, sólo a la altura de los grandes genios del arte cinematográfico. La película más verdadera que ha dado Hollywood en años.

Lumet, enséñale al diablo tu Cum Laude en la vida. Aquí ya eres inmortal.

Muy de vez en cuando el cine franquea la línea de la excelencia para llegar a lo clásico. "La última noche" es un clásico instantáneo. Una película que bajo su modesta concepción alberga todo un universo de reflexiones, homenajes y sentimientos.

La principal reflexión que nos plantea es sobre la libertad de elección que todos poseemos en nuestras vidas. Elegir un determinado camino y no lamentarlo es la opción del protagonista, lo que le traerá como consecuencia su inminente entrada en prisión. Edward Norton interpreta el personaje con una facilidad, convicción y profundidad que deja por los suelos a casi todos los actores que han exitido en el mundo en los últimos 20 años. En ningún momento cae el el victimismo fácil, siempre leal y consecuente, rápidamente empatizamos con el personaje que interpreta lo que nos hace meternos en la película todavía más si cabe.

Hay una escena en un cuarto de baño de un restaurante que no quiero dejar de comentar. Se trata de un monólogo "sui géneris" del protagonista frente a un espejo en el que hace un repaso de toda la "fauna" de Nueva York. Increíble escena, de lo mejor que he visto en toda mi vida. Sencillamente soberbia.

Por otro lado la película también en una declaración de amor a un Nueva York post 11-S. Una vez más no se cae en el sentimentalismo y simplemente Spike Lee se dedica a mostrarnos la ciudad tal como él la ve y también tal y como la ve el protagonista de la película. Escenas de una belleza inusual, bellamente extrañas y reflexivas, no sin cierta melancolía, sentimiento que irradia a toda la película en general.

Y una película así no podía acabar de un modo cualquiera. El final provoca un estallido de emociones e interrogantes. La historia la construímos nosotros con nuestras decisiones y el final de esta historia está tan abierto como la vida misma ante nuestros ojos. Una joya del cine.

Películas como "Bonnie & Clyde" supusieron una auténtica revolución a finales de los 60 y marcaron el camino a seguir hacia una de las mejores épocas de la historia del cine: la década de los 70. Recomiendo encarecidamente la lectura del inmejorable libro del siempre ácido Peter Biskind "Moteros tranquilos, toros salvajes".

Hay varias cosas que hacen que esta película sea un referente. La primera de ellas es la más obvia de todas: la seca, cortante y directa violencia que muestra. A día de hoy sigue impresionando la secuencia final, por lo que se deduce que en 1967 debió ser una absoluta transgresión a todos los niveles. La estilización de dicha violencia sería también objeto principal de otra de las grandes películas de la época, a saber: "Grupo salvaje" de Sam Peckinpah, otro punto y aparte en el género del western. Junto con "La semilla del diablo" de Roman Polanski son, en mi opinión, las tres películas más importantes del cine americano de los 60.

La segunda cosa que hace de "Bonnie & Clyde" una película visionaria y pionera es el hecho de la ruptura total y sin paliativos de la necesidad de identificación del espéctador con el héroe clásico. La película muestra a los personajes tal y como son, con una libertad moral sin precedentes. No importa que sean un auténtico peligro en potencia para todo el que se cruce en su camino. Aquí lo que prima es la sensación de mantenerse completamente vivo en una huída a la perdición. Los personajes saben que tarde o temprano acabarán con más agujeros que un colador (así lo demuestra el poema que recita Bonnie) pero no les importa porque hacen lo que quieren hasta que les dejen, es decir, se sienten libres.

La tercera y última circunstancia a tener en cuenta de la película de Arthur Penn es su particular estética visual, sin lugar a dudas muy influenciada por la Nouvelle Vague (el film fue ofrecido en primera instancia a François Truffaut) y que tiene como punta de lanza la excelente fotografía de Burnett Gufey. Un aspecto que también es extrapolable a otros elementos de la cinta, como por ejemplo el vestuario o la dirección artística.

"Bonnie & Clyde" estaba destinada a convertirse en un clásico imperecedero y lo ha conseguido sobradamente. No sólo es quizá la primera Road Movie de la historia sino también una de las primeras en entender la violencia como fin y no como medio para llegar a un objetivo. Probablemente por ello fue tan tremendamente controvertida en su momento y aún hoy la sombra de su trangresión siga estando tan vigente como el primer día. Sin duda una tremenda patada en los testículos a la moralidad de los grandes relatos.

INSTRUCCIONES DE "EL ORFANATO"

*Composición*

"Suspense" (Jack Clayton, 1961) > 30%
"Frágiles" (Jaume Balagueró, 2005) > 30%
"Al final de la escalera" (Peter Medak, 1980) > 10%
"Los Otros" (Alejandro Amenábar, 2001) > 10%
"La residencia" (Narciso Ibáñez Serrador, 1969) > 5%
"Los abandonados" (Nacho Cerdá, 2006) > 5%
"Poltergeist" (Tobe Hooper, 1982) > 5%
"El internado" (Pascal Laugier, 2004) > 5%

*Indicaciones*

Pupurrí de los referentes de terror de Juan Antonio Bayona, sin magia ni creatividad. Técnicamente optimizado para que parezca que en España también se saben hacer películas mainstream. Indicado para las personas que sufran del síndrome "Guillermo del Toro Presenta" y para tratar a directores noveles con el ego por encima de los valores normales.

*Forma de administración*

A traves de una propuesta audiovisual de una calidad más que notable, una interpretaciones correctas y convincentes y una sucesión de clichés y tópicos del género generosamente abundante. Puede que se note cierta sensación de Déjà vu al contemplar escenas que parecen calcadas de otras películas.

*Interacciones*

Incompatibilidad total con los conceptos de "arriesgar", "creatividad", "aportar algo nuevo", "innovación", "película de autor" y "genuino".

*Posibles efectos secundarios*

Sensación de decepción y plagio. Posible tendencia a pedir a la sala de proyección la devolución del importe de la entrada. Tendencia a no volver a seguir los consejos de cierta crítica "especializada".

MANTENGA A "EL ORFANATO" FUERA DEL ALCANCE DE LOS AMANTES DEL CINE CREATIVO Y ORIGINAL

Si amo el cine es en parte por tres razones fundamentales. La primera de ellas es debido a circunstancias personales que me imposibilitaron llevar una vida normal de pequeño y por las que me vi abocado a ver películas en lugar de, por ejemplo, practicar deportes. La segunda de ellas es mi abuelo materno, gracias al cual empecé a disfrutar del cine no sólo como una evasión sino como un estilo de vida. La tercera razón es, probablemente, Hatari!.

De entre todas las películas que me ponía mi abuelo en su arcaico VHS, recuerdo especialmente esta inolvidable historia de aventuras y amistad. Otras películas como "Los Vikingos" (Richard Fleischer, 1958) "La isla del tesoro" (Victor Fleming, 1934) o la serie "Las aventuras del jóven Indiana Jones" marcaron mi memoria y me siguen acompañando siempre. Hatari! es una reinvindicación del concepto de aventura, entendido como la mas alta experiencia vital del ser humano en compañía de semejantes. Es una declaración de amor a la naturaleza y una exaltación del poder sobrecogedor de lo salvaje.

Una banda sonora para el recuerdo, John Wayne más crepuscular que nunca y una reflexión sobre la profesionalidad y el deber terminan de redondear una historia inolvidable. Como su título indica, "Hatari!" es también un llamamiento de peligro, un grito de la autoafirmación vital en un mundo finito pero inmensamente bello. Probablemente no sea la mejor película de Hawks pero es mi infancia, mis recuerdos y mis sueños pretéritos. Es lo que soy y lo que seré.