La desaparición de un cuadro es el punto de partida para contar una bella historia de amistad entre dos almas que sufren y buscan respuestas. Ella es una artista que moldea el dolor a través del lienzo, mientras que él arrastra traumas que le conducen a una vida disoluta. La relación comenzará a fraguarse a fuego lento, a la vez que sus heridas comienzan a sanar. Pese a ser un documental, Benjamin Ree domina a la perfección el lenguaje de la ficción capturando con acierto momentos emotivos y sinceros gracias a una fotografía cuidada y a la naturalidad de sus protagonistas.

En definitiva, una película por momentos terapéutica que retrata la belleza de las cicatrices como esos vestigios de lo que hubo y permanece en nosotros.

Hay amores que no se consumen ni tras la muerte. Cuando me topé con Burning Ghost, recuerdo que me produjo cierto rechazo la comparación con la archiconocida Ghost que desde los medios de comunicación y algunos usuarios insistían en mencionar. La realidad no podía ser tan distinta, por suerte. El festival de cine independiente Atlantida Film Fest 2020 abraza este hermoso poema visual sobre un chico que se aferra al mundo de los vivos por reencontrarse con quien ama. Un relato sobre los recuerdos, la soledad y lo insondable del alma. La fotografía está muy cuidada, al igual que la delicadeza con la que está narrada la historia. Lo mejor de Burning Ghost es que no le debe nada a nadie. Sabe forjarse una identidad muy clara sin recurrir a los eternos tópicos de lo que dentro de poco podremos tratar como un género en sí mismo. Es difícil en los tiempos que corren encontrar una película con tanta alma y personalidad. Una pequeña maravilla.

Durante años parecía que la única manera de contar historias LGTBI en el cine era a través de la lástima, compasión o dramatismo. Cualquiera que quisiera empatizar o sentirse identificado con esas películas debía firmar un acuerdo tácito al sentarse en la butaca del cine por el que aceptaba que, de una forma u otra, el desenlace estaba abocado al desastre. Quizás se saldase con la muerte del protagonista, el desamor o las mil variantes de esta fórmula. Y entonces una cinta adolescente como Love Simon consigue lo imposible: la conquista al mainstream. Por primera vez una multinacional como Fox apuesta por un protagonista gay y con una trama entrañable que posiblemente ayudó a muchos chicos y chicas a normalizar su condición sexual.

¿Pero por qué cuento esto al hablar de Moffie, una obra expuesta en circuitos independientes y lejos del optimismo de la cinta citada? Quizás porque, a su manera, la película de Oliver Hermanus consigue retratar la crudeza e intolerancia de la Sudáfrica de los años 80 en plena segregación racial sin un ápice de tremendismo ni condescendencia. La trama sigue los pasos de un joven que se alista en el servicio militar donde debe soportar la tremenda disciplina y brutalidad que le rodea, todo ello mientras reprime su despertar sexual debido a la homofobia del país. La composición de los planos es preciosa, al igual que la manera en la que se muestra el impacto de la ideología en unos adolescentes que juegan a ser soldados. Es de esas películas que, aunque en algunos momentos es dura, hay que verla porque remueve conciencias.

En muchos sentidos, Away es una película de animación atípica. Lo es por su narración sin diálogos, también por su estructura en forma de capítulos y por reunir en algo más de una hora toda la iconografía del diseñador de videojuegos Fumito Ueda (un niño como protagonista, presencia de las sombras, importancia de la naturaleza...). Pero ante todo porque demuestra el talento de su artífice, Gints Zilbalodis, un joven de 23 años que ha dado vida él solo a un proyecto que supone la culminación de un trabajo mastodóntico. La gran fortaleza de la cinta es el lirismo mágico que respira con escenas realmente magnéticas y evocadoras, pese a que su mensaje se diluye en en medio de su apabullante despliegue artístico cargado de metáforas y simbolismos.

Mis sensaciones al acabar la cinta son más que positivas. Se agradece que Away rehúya de transitar por lugares comunes en el cine de animación, pues demuestra que detrás hay talento y una sensibilidad más que necesaria.

En la actualidad existen pocas sagas de videojuegos tan longevas y reconocidas como Final Fantasy. Desde su primera entrega en 1987 ya supera los 100 millones de unidades vendidas y se compone de más de 50 títulos que abarcan todo tipo de géneros. Se trata de una franquicia en constante evolución que con cada nueva entrega introduce mecánicas y experiencias distintas sin renunciar a sus elementos más significativos.

Por ello, que Squaresoft diera el salto al mundo del cine con 'Final Fantasy: La Fuerza Interior' fue recibido por la industria como un movimiento de lo más natural. Y es que la narrativa de la saga bebe de elementos propios del cine tanto en su narrativa como desde un punto de vista estilístico mediante planos que dan protagonismo absoluto a las acciones y expresiones de sus personajes. Sin embargo, su estreno en la gran pantalla fue un absoluto desastre por prescindir de todo aquello que encumbró a Final Fantasy en el Olimpo de los videojuegos. Tal descalabro tuvo consecuencias sonadas como la salida de Sakaguchi de la compañía y la fusión de Squaresoft con Enix, pero sin duda supuso un punto de inflexión para una gran empresa que tenía por delante el duro trabajo de reencontrarse con su obra, de iniciar un largo viaje con la búsqueda de su propia identidad como fin.

En este punto, el segundo intento de llegar a las salas con 'Advent Children' puede considerarse una mirada al pasado donde hubo pocos riesgos y demasiado reclamo para el jugador habitual de Final Fantasy. Una vez más Square Enix erraba en su intento de crear una obra audiovisual con la suficiente consistencia como para no recurrir al medio que vio nacer la saga. Y es que 'Advent Children' no tiene demasiado valor cinematográfico, para ser sinceros.

La franquicia lleva años navegando entre la vieja guardia que apuesta por las mecánicas de sus orígenes y la tarea de renovar sus cimientos tras años de continua exposición. Dos posturas antagónicas, pero no imposibles de conjugar. Con esta premisa nace 'Final Fantasy XV' y un universo en el que lo viejo y lo nuevo confluyen con aparente sencillez. Su estreno viene precedido de 'Kingsglaive: FF XV', una película que supone la tercera incursión seria de Square Enix en el campo cinematográfico. ¿Ha conseguido la compañía crear un producto consistente y a la altura de su nombre? En parte sí.

La cinta ahonda en los acontecimientos que desembocan en el inicio de 'Final Fantasy XV', por tanto su importancia en el argumento del juego es crucial y su coherencia narrativa como obra independiente es uno de los elementos que más preocupaban. Sin embargo, aquellos espectadores que no estén familiarizados con los videojuegos no encontrarán una puerta de entrada demasiado compleja para disfrutar de la película. El guion maneja con solvencia los conceptos propios de este universo fantástico a la vez que alterna escenas de acción con intrigas políticas en sus casi dos horas de metraje.

Sin embargo, las comparaciones con 'Advent Children' van más allá de compartir equipo de producción y director. Es difícil no sentir por momentos que estamos ante una gran cinemática a la que se le ha intentado dotar de coherencia interna. Y es que el principal problema de 'Kingsglaive' está en la sala de montaje, hasta el punto de que resulta absurdo que cada escena esté encadenada con la siguiente mediante fundidos. Se trata de un error que un buen equipo de realización conocedor de este medio -y por tanto capaz de discernir sus diferencias respecto a lo que es un videojuego- podría haber solventado, así como el irregular ritmo de la cinta y la presentación de ciertos personajes con los que resulta imposible llegar a empatizar.

Los hechos se desarrollan en una historia demasiado abierta en la cual el arco argumental de sus protagonistas queda desdibujado en pos de mostrar continua información en pantalla. Sin ahondar en detalles, la trama nos sitúa en el reino mágico de Lucis que está protegido por un cristal sagrado y la amenaza que supone el imperio de Niflheim por lograr tenerlo en su poder. Tanto el argumento como todo lo que rodea a la película es en ocasiones tan denso que la presencia de las escenas se diluye.

Por suerte no todo es negativo en la obra. Hay que valorar el justo sentido de la épica que se aplica en toda la cinta, nada desmesurada y calculada para causar el efecto necesario en el espectador. De la misma forma, el plano técnico es sobresaliente con modelados expresivos y escenas en las que tanto el entorno como el uso de la iluminación crean postales en movimiento que combinadas con la excelente banda sonora de Yoko Shimomura elevan el plano audiovisual al más alto nivel.

En conclusión, 'Kingsglaive: FF XV' es un conjunto de buenas ideas que rehuye de premisas pretenciosas para exhibir un universo rico en detalles y con el suficiente potencial como para reimaginar la fórmula Final Fantasy. Sin embargo, los errores en la sala de montaje desvelan una obra demasiado preocupada por atender al lenguaje propio del videojuego como para encontrar su propio camino en el cine. No es un estrepitoso fracaso ni una pérdida de tiempo para los fans debido a su interés narrativo de cara a FF XV, pero se traduce en una nueva oportunidad perdida para Square Enix en el campo cinematográfico.