El cine de Apichatpong Weerasethakul es un misterio de lo intangible, su filmografía se centra principalmente en la intuición donde el poder simbólico sobrepasa el tradicional ‘instrucción, nudo y desenlace’ para hacer una sopa de sensaciones que se abren y cierran constantemente; su línea se basa más en la fuerza de la expresión y la relación que establecemos con la vida y la muerte, de los miedos e inseguridades, de la futilidad de la existencia y sus complejidades que en las narrativas simples u orales-tradicionales.

El particular estilo de Apichatpong lo catapulta como un artista que sobrepasa la capacidad tradicional de comunicación que lo ha hecho un director icono de nuestro tiempo, por ello confunde, deja perplejo al espectador por su visión metafísica de la vida donde sueños, percepciones, miedos, recuerdos y por supuesto la memoria son ejes fundamentales de la sopa que hace de sus creaciones; y sí, es una sopa porque abarca guerras, fantasmas, extraterrestres, recuerdos, espejismos, virus, poesías inconclusas, plantas, sentimientos, toda una multivocalidad de elementos en una sola idea de la que no es ajena en Memoria.

La película lleva su marca, planos largos y fijos, paisajes envolventes, sueños (tanto para los espectadores como los personajes principales) silencios y contemplaciones. Su nombre hace eco a la realidad colombiana si a eso se le suma el primer acercamiento que la mayoría de colombianos tuvieron de la película fue la postura del elenco apoyando las protestas en Colombia y divulgando la violación de derechos humanos por muertes a causa de la policía colombiana a jóvenes que protestaban, y la el exceso de la fuerza del ESMAD (escuadrón móvil antidisturbios), a su vez que su nombre ( Mrmoria, el de la película) evoca a la reconstrucción la historia, y es que efectivamente en Colombia se suele relacionar la memoria con base a la reconstrucción del pasado, y en términos de violencia, para la no repetición de hechos victimizantes.

Apichatpong viene de un país que ha sufrido controles militares, desapariciones y muerte, él sabe de qué habla cuando de dolor y desaparecidos se trata, y aunque Memoria tiene tantos matices y contrastes en los que el vidente y sobre todo la escucha puede perderse, debe esforzarse para captar la trama, y está película sin duda tiene una posición política que se demuestra en las escenas de los soldados en las carreteras, de las conversaciones en el restaurante, el panico en la calles ante cualquier ruido, un pinchazo de carro que evoca la epoca de atentados, y sobre todo en el sonido de los cuerpos, ese sonido bestial, ese estruendo que atemoriza y que es el factor principal de la trama que finalmente es la carga histórica de todos aquellos enterrados, de esos espíritus que acompañan a la protagonista, es un sonido de ultratumba, del fondo de la tierra, pero que tiene una relación directa no solo con el más allá, sino con el espacio mismo y lo que otras especies ven en la humanidad, lo que ellos quieren captar como transmisores y que al final cargamos todos los colombianos en los cientos de cuerpos desconocidos que están por ahí, regados como semillas de orquídeas enfermas de hongos.

Memoria comienza con un estruendo que escucha una mujer y que tendrá relación con el sueño, la muerte, fantasmas, extraterrestres, una carga histórica de un lugar, de un objeto porque son estos, los objetos, las piedras las que cargan la memoria. Ella Jesica, (Tilda Swinton) como pasaría en Pedro Paramo, nos llevará a conocer personajes que podrían estar o no vivos, como se dirá en la película: “para qué televisión, cine, deporte si cada objeto está lleno de historias y memorias.”

Memoria es cine lento que hace de la lentitud el ritmo necesario en el que la vida se contempla a sí misma, es ficción y es historia, será difícil entender cosas como los extraterrestres y encontrarles relación con los sucesos y lo qué esperamos encontrar, para muchos puede ser decepcionante porque es una película más simbólica que literal y nos da memoria no como en Colombia se acostumbra a entenderse o trabajarse, pero sí, sigue siendo política y reflexiva.
Para quienes la vean sin ser colombianos es importante afirmar que la película no se graba en el Amazonas, se graba en Bogotá y la zona andina de Colombia; el país tiene una de las cifras más altas de desaparecidos forzada interna con más de 70.000 desaparecidos desde 1975 al 2022; en bogotá era frecuente en los 90's escuchar estruendos de carros bombas en las calles, es el país más peligroso para sindicalistas y defensores de derechos humanos, sin contar la cantidad de masacres de los últimos años que contando solo lo corrido del 2021 supera las 30; es el país que más fosas comunes urbanas tiene entre las que se encuentra la más grande del mundo ubicada en la ciudad de Medellín (donde vive la protagonista de la historia); su planta principal y más representativa es la orquídea que sale en la película y es tratada simbólicamente, no solo porque el personaje principal (Jesica) la colecciona, sino por las infecciones que la acarrean; y con obras que buscan llevar ‘desarrollo’ a las regiones, pero que a su vez implican demoras de años, como los tuneles que atravisan muntañas que duran años en construcción, suman desfalco de recursos a causa de la corrupción, sumado a un hermoso territorio con imponentes paisajes, por ello no es de extrañar que Apichatpong lo eligiera para su historia, o entrados en la trama de la película, para que los extraterrestres también, como fiel homenaje del director a Odisea en el espacio.

Germán Adrián Cantor Rocha
Twitter @AdrianCantorRoc

He aquí un erudito famoso por su sabiduría cinematográfica. Svankmajer; hombre capaz de arrancar la luna de su esfera y hacer que el mundo sea inundado por el océano.

Película diga de apreciar, donde su juego teatral nos permite entender que esta humanidad engendra títeres para un mundo lleno de divergencias propias de cada Cultura, no se trata aquí de ser contestatario, anarquista, comunista, capitalista, feminista, demócrata, poiliitsmico, como si lo es su país marcado por discordancias políticas-ideológicas, aún así, ilustra al vidente entre un juego de egos y moral (en sentido Kantiano) siendo (nosotros los habitantes de este planeta occidentalizado) títeres del bien y el mal, de las concepciones cristianas que tenemos del mundo, dios y un demonio que nos toco por azar he imposición.

Eso pasa con fausto, un hombre que quiere el mundo y sus explicaciones, quiere sabiduría y se deja engañar por la belleza y banalidad de la vida. pero hay que dejar esas mezquitas trivialidades de las almas de los hombres y reconocer a Jan Svankmajer como lo que efectivamente es: un genio, un artista, que juega con las manualidades del mundo, el stop motion, planos perfectos, animación, música sin exagerar apropiada y la riqueza de la literatura universal, que suele impactar con el marques de Sade, con Freud, Alan Poe y esta vez con Goethe y su relato de Fausto, porque no existe ese lugar llamado infierno, el infierno es este con sus millar de divergencias, pero no se vale decir más, no se vale narrar porque eso sería contar la historia y restarle belleza, simplemente Svankmjer es un genio, un inmortal que con pocos diálogos explica la simplicidad de los humanos, “ya que las palabras superan al hombres”.

Por la fecha y boom mediático se convierte en una cinta obligatoria especialmente en iglesias e institutos.
Lamentablemente la producción sencilla, las carencias técnicas y la crudeza con que se tratan la propuestas, hacen que espectadores acostumbrados a grandes superproducciones hechas con el único y mas que legítimo objetivo de entretener, perdamos de vista las cualidades de estas pequeña “maravilla”.
Las críticas “Tradicionales” pintan una semblanza de por donde va la historia. No me extenderé en ello. Solamente agregar que un mundo marcado de dolor e hipocresía debe ser mostrado, y mostrado y mostrado para nuevamente ser mostrado con la esperanza de la no repetición (lamentablemente por el completo entramado de entes físicos y espirituales, difícil creer). Efectivamente, los aparatos legales de cada país varían, pero por desgracia en estos temas suelen tener la misma regla, por miedo, “amor”, fe, “ética” de las jerarquías católicas y la burocracia política; si, claro, suelen tardar años en hacerse públicos, y más en un país tan conservador como Estadios Unidos.
No es para nada sensacionalista, sin embargo se queda corta en la fuerza de sus argumentos e intenta escandalizar un tema por desgracia naturalizado en mucha gente, pero que no logra lo que si lo haría un medio de comunicación. Alarmar al mundo, o a parte del mundo que le interesa cambiar la suciedad de él.

La nueva tendencia cinematografica colombiana ha logrado lo que tanto se deseabá en los 90s e inicios del 2000. Sacar el cine colombiano de aquel lugar violento, morboso y que alimentaba la idea del pais de los narcos y la traición.
Cesar Augusto nos trae una película cargada de Homenajes, la influencia de Tarkovski se hace evidente, o que hablar de películas como el Caballo de Turin de Volker y Erika Bok , pero aún así, no es algo nuevo en la industria colombiana, al parecer las escuelas y universidades cinematografias del país priman la estetica sobre la narración, films como Los Viajes del Viento, La Sirga, el Vuelco del Cangrejo son la evidencia de ello, sin embargo, se ha dejado de lado lo que personas como Aljure le han otorgado al Cine Nacional, y es un buen Guión.
No podemos decir que la Tierra y la Sombra es 80% Tarkovsky, si bien en él encontramos un guion, unos discursos potencialmente profundos que no estan en la pelicula de Cesar Augusto, auque el entorno quemandose como sucede en el Sacrificio, tomas largas como en Stalker, vacios existenciales como en Nostalgía son evidentes homenajes, La sombra y la tierra carece de fuerza discursiva, conversaciones poeticas e incluso existenciales, las señales de un Valle del Cauca desconocido, de un país arrojado al abandono estatal son el eje central de la historia.
Tal vez la película ha sido inspirada por el mayor de los Buendia en 100 años de soledad, tal vez en la Hojaras o simplemente la actitud mecanica de vincular cualquier historia colombiana, del campo y el arte al ya inmortal Garcia marquez, tal cual ha sido expresado por el blog de crtica “La Pajarera del Medio” por ser este valle del Cauca (lugar donde se desarrolla la cinta) un lugar mitico, poetico cargado de realismo magico. sin embargo, lo perimero que se resalta en la pelicula, son sus planos y movimientos de camara al igual que su fotografia, de ahí el premio recibido en Canes que la acreditan como la película colombiana más importante hasta el momento.
Finalmente y al igual que el Sacrificio de Tarkovsky, la casa es el personaje principal, y a traves de ella nos inserta en un lugar donde la sombras predominan y ayuenta todo tipo de vida.

“Todo el pensamiento moderno es permeado
por la idea de pensar lo imposible”
(Michael Foucault)

Einar Wegener o para ser más exactos Lili Wegener fue la primera persona en relazarse una cirugía de cambio de sexo, un individuo con un notable éxito artístico y un personaje perfecto para Tom Hopper quien le encanta hacer historias biográficas “atípicas”.
A finales del siglo XIX y principios del siglo XX el género era socialmente determinado con rudeza, siguiendo a la teoría Queer actual, el género es el resultado de una construcción social ficticia, o como diría Foucault “la Homosexualidad apareció como una de las figuras de la sexualidad cuando fue rebajada de la práctica de la sodomía a una suerte androginia interior, de hermafroditismo del alma. El sodomita era un relapso, el homosexual es ahora una especie” aunque este no recura necesariamente a prácticas sexuales de penetración.
Y por su puesto, porque si parece claro y se admite la legitimidad de sentirse “otro” independiente de las características fisiológicas, para los transgenero (y habló de los que fueron, son y serán) la construcción de mujer no se desarrolla sobre la base del sexo biológico, la importancia de lo simbólico puede adquirir una nueva dimensión en la ruta de su experiencia; Einar no soñó tener senos o vagina en vez de pene, quería ser esposa, menstruar, ser mama de manera natural. En ese ámbito psíquico se empieza a replantear el mundo preguntas como ¿qué es ser mujer u hombre y en qué se basa esa supuesta identidad de género? Será que como decía Nietzsche “el sexo es una trampa de la naturaleza para no extinguirse?” entonces, ¿qué podemos decir de la sexualidad la cual no está condicionada genéticamente?
Lo cierto es que Lili seguía las ideas feministas de Haraway quien sentía un rechazo a la división sexo/genero por considerar que conduce a terribles consecuencias en la historia del ser humano, el travesti y el transgénero son agentes subversivos no necesariamente diferentes entre sí aunque la sociedad así lo quiera plasmar por el código heterosexual, social impuesto.
De esto nos habla la película, sin duda podríamos tomar sucesos y pensarnos el ser sexuado y/o sexualizado de diversas maneras ya sea dentro de la corriente feminista y sus vertientes, como su contra parte, pero entremos a lo técnico de la obra.
La película es fuerte en los recursos mecánicos, la dirección es elegante, la fotografía, el manejo de cámara, el audio, son elementos dignos y realizados sin duda por profesionales que les encanta la historia y grabar sobre ciertas épocas ya no tan remotas pero tampoco tan distantes, un encuadre del mundo moderno y sus “atributos” occidentalizados.
Lo mejor son los actores, sino fuera por una presión social que traería consecuencias y criticas difícil de curar para Hollywood, el Oscar 2016 a mejor actor se lo debería llevar Eddy Redmayne sobre un Leonardo DiCaprio, muy bueno generalmente, pero por desgracia para él siempre superado por alguien más. Redmayne muestra una mujer en todo su potencial y un hombre “como la sociedad lo impone”, un actor intachable que se convierte en uno de los mejores de esta nueva era cinematográfica, en la película es aún superior cuando los dos personajes interactúan al tiempo. Y claro, habló por Alicia Vikander quien hace de Gerda la esposa de Einar y amiga de Lili.
La historia es lenta y puede aburrir aquellos que no disfrutan de un gesto, y de un tratamiento poderoso, y aunque da mucho sobre lo cual reflexionar y aprender, el guion no es bueno y lo dificulta, aún así es propio para pensar que “la locura no se puede encontrar en estado salvaje. La locura no existe sino en una sociedad, ella no existe por fuera de las formas de la sensibilidad que la aíslan y de las formas de repulsión que la excluyen o la capturan” (Michael Foucault).