Zack Snyder lo tenía seriamente complicado en su intento de abordar la novela grafica del, porque no decirlo, algo endiosado Alan Moore, sabía que para contentar a los puristas el mensaje siniestro, critico y existencialista del texto no debería ser ultrajado, pero tampoco podía despistarse en su exultante universo visual, transportando en imágenes todo el esplendor de las viñetas genialmente dibujadas por las manos de Dave Gibbons. La duda, o mejor dicho la mía, era saber si el director de 300 conseguiría desligarse del copismo transliteral del comic, es decir no caer en cosas del tipo Sin City o en peor medida The Spirit, en favor de un lenguaje mucho más cercano al cinematográfico, ambos medios pueden ser compatibles pero los recursos utilizados son totalmente diferentes, por eso tiene doble merito el que Snyder adapte con exorbitante fidelidad el reputado mundanal de los Watchmen sin que se pierda, al menos no del todo, la fuerte personalidad de sus creadores, pecando quizás de ingenuo al intentar contentar a los millones de adeptos que claman respeto sin pensar en que ello pueda llevar a una sobrecarga de pulcritud no exenta de defectos, el director tendría que haber recortado partes de la trama, siendo una ardua tarea, en pro del espectáculo impenetrable, su mínima capacidad de síntesis tambalea el resultado, una grafía apabullante que empieza increíblemente alto para ondear con ritmos contrariados en su desmesurado metraje (se habla de una versión de casi cuatro horas en su lanzamiento al Dvd), peajes obligados en productos de la talla de unos Watchmen que se disfrutan por su reproducción caligráfica de aventura épica con lecturas dispares e interpretaciones diversas.

Watchmen es someramente una cinta de superhéroes, se aplaude su matiz humano y acento adulto que dista en años luz del infantilismo de títulos recientes como Iron Man, tonterías como Hancock, ñoñerías del tipo Spiderman 3 o películas sobredimensionadas como El caballero oscuro (no es que sea un film desechable pero tampoco es la panacea por más que muchos se empeñen en ello), hincando el diente en su ejemplo de evento que no tiene que tachar sus referencias político sociales para ser el gran entretenimiento que se le reclamaba, una pancarta centelleante de héroes imperfectos y paranoia comunista que condensa de forma entusiasta parte importante de la historia americana en sus inmejorables títulos de créditos. Al son de Bob Dylan desfilan momentos y personajes claves como la muerte del presidente John F. Kennedy, La guerra de Vietnam o las apariciones de Andy Warhol, Los Village People, etc.… todos con el común denominador de los Watchmen como protagonistas y el ambicioso propósito de salvaguardar una sociedad que a lo mejor, no merezca ser vigilada.

En la mayoría de los casos cuando un proyecto parte, ya desde sus primeros pasos, con una sucesión encadenada de imprevistos, de contratiempos y reajustes constantes en su desafortunado rodaje, uno puede tomárselo desde dos posturas, una bastante más optimista de poder estar ante una de esas películas malditas que, a base de sacrificios y dificultades consiguen finalmente sobreponer sus titubeos o vacilaciones comentadas en un despropósito extravagante, fallido, pero con dotes para pescar algún escollo de aprovechamiento en sus desvaríos, o por el contrario y, siendo esta la opción más familiarizada, un descalabro tieso y mutilado en donde no solo será dificilísimo sacar provecho sino especulativo el atinar a ubicar la menor coherencia en sus planteamientos. Este último es, y no por esperado o temido menos lastimoso, el carril elegido por The Wolfman. Una cinta que desgraciadamente venía con la predisposición condescendiente de patinar con nota en su retrasado, polémico y recompuesto estreno.

Numerosos cambios en los puestos de dirección, del primeramente contratado Mark Romanek al fichaje residual del insulso de Joe Johnston, reajustes precipitados tanto en las diferentes escrituras del guion como en los insertos desesperados de escenas adicionales, agregados de socorro para rehacer, no solo aspectos técnicos sino también ajustes de montaje - la llamada desesperada de Walter Munch, habitual en la nómina de Francis Ford Coppola - y sospechosos mareos en la responsabilidad final del entuerto no han promulgado, ni por asomo, al desenlace armónico de lo que a simple vista intentaba ser la refundición licantrópica en tono remake directo del clásico de la Universal que inmortalizaría Lon Chaney Jr. en 1941. Si las intenciones eran volver a dar protagonismo al mito del monstruo legendario y a un cine perdido que abogaba por un arte del horror totalmente abolido y gradualmente infantilizado, esta era una excelente oportunidad, pero si pretendíamos llevar el proceso a cabo mediante una arquitectura desfigurada, con olor a gótico de salón, y fundida con soplete de cartón piedra no negaré que la faena les salió redonda.

The Wolfman 2010 convalida el pecado de que una atmosfera sugerente y un atuendo decorativo no son suficientes para camuflar alarmantes carencias y desperfectos en cuanto a un texto unidireccional, simplón y anestesiado y unos personajes unidimensionales que no estimulan o interesan. Se traba en su rudimentaria escritura y en no acertar con la diana que la coloque en el centro de alguna parte.

Son muchas las historias acerca del Holocausto que todavía el cine tiene por explotar, algunas de ellas parten de premisas excepcionales como la verídica odisea de los hermanos Bielski, unos hechos espeluznantes acerca de estos valerosos judíos polacos que resistieron con bravura las implacables persecuciones nazis a su país organizando una encomiable resistencia en campo abierto en la que protegieron a miles de judíos en peligro, unos sucesos que no se han concretado de la manera fílmica deseada, algo atribuible en la mayor parte a la convencional y gélida dirección de Edward Zwick y al lacónico guión que no despierta la mínima tensión emocional necesaria para considerar Defiance como algo más que un producto comercial pobre y rutinario.

Edward Zwick parece no querer darse cuenta de su incapacidad para contar grandes relatos ahogando sus potenciales en una épica de segunda mano, empeñado película tras película en medir con desigual acierto aventura y mensaje (las fallidas Diamantes de sangre o En honor a la verdad) con unas capacidades limitadas que no le dan para ofrendas de este tipo, si bien es cierto que al menos siempre otorga un mínimo de entretenimiento que lo salva pudorosamente del ridículo (la correcta El ultimo samurái o la funcional Estado de sitio), no ha podido a día de hoy demostrar ser capaz de levantar pasiones (la horrenda Leyendas de pasión) o sentimientos en su cine manufacturado. Aquí Daniel Craig parece querer emular a Oskar Schindler al igual que Zwick juega a ser Spielberg, una osadía que huye de temibles comparaciones, pero que no esconden del todo los pequeños aciertos de Resistencia, un film que puede aceptarse como un endeble pasatiempo que no insulta exageradamente al género.

Resistencia destaca por la bellísima fotografía del portugués Eduardo Serra, atención a los hermosos cambios de estación o los momentos en donde la nieve se convierte en protagonista visual, con esos bosques perfectamente encuadrados por un trabajo sin fisuras, una iluminación llena de poesía que sube holgadamente la nota de un proyecto que ondea, ya desde el principio, a media asta, una cinta bélica que no saca partido de su argumento heroico, del dolor de unos momentos terribles que Zwick divisa a kilómetros de distancia.

LO MEJOR: La sensible y nada ostentosa partitura de James Newton Howard, apoyada por los geniales solos de violín de Joshua Bell, unas delicadas melodías que junto con la sobresaliente fotografía de Eduardo Serra son el refuerzo positivo a la frialdad generalizada. Las continuas referencias a pasajes bíblicos considerando a la dura supervivencia como una demostración de sacrificio religioso y lucha mesiánica contra el exterminio, cargando ese peso en las fornidas espaldas del actual 007, un Tuvia justo, compasivo y valiente.

LO PEOR: La mediocre dirección de Edward Zwick, el que los alemanes sean rostros prácticamente invisibles y lo previsible de unos diálogos que suenan a épica de andar por casa.

Hace no mucho tiempo en una galaxia no muy lejana…un predicador televisivo cambió el rumbo del destino, el nuevo apóstol de la generación virtual enchufada al trifásico del ciberespacio, los videojuegos y las T.V. de culto, un iluminado, J.J.Abrams, que renace, con genio e ingenio, a una saga restaurada en la primera gran space opera del milenio, una opereta cósmica que suscita ludopatía enganchado a su juego extasiado del nunca parar, el lego sideral que redefine el concepto de blockbuster a un nivel parejo al de Lucas y Spielberg. Abrams respeta las bases de sus maestros pero registra el estigma que le da pronta personalidad al líder mediático, tanto visual, esos abundantes y francos primeros planos o la cámara nerviosa, como narrativa, los viajes en el espacio-tiempo, el ritmo sin freno, características que hacen ver en este Star Trek uno de los productos mejor avenidos al cine palomitero, capaz de actualizar una franquicia con cierta hemorragia productiva, creando nuevos simpatizantes, como de ser fiel al trekkie ortodoxo que no pretende ser difamado encontrando en ella parte de la doctrina metafísica de la obra creada por Gene Roddenberry, con una medalla condecorada en la estelar aparición de Leonard Nimoy y establecida en la exploración dual de un mito vulcaniano.

Como el magma de un volcán en erupción, la lava aventurera de este supersónico acontecimiento no se detendrá en la autopista interplanetaria que hace vibrar a una platea oxigenada por un relanzamiento fantástico, que mueve los peones de una manera impresionante, presentando personajes, definiendo roles, guiando la emoción épica de una película formulada casi en las coordenadas de un descomunal episodio piloto, con humor, pureza ficcional y look aplastante, la precuela silvestre sin déficit en sus esquemas, algo similar al Batman Begins de Nolan, un tuneado Enterprise que el creador de Perdidos serigrafía con oro en su cuaderno de bitácora y lo acredita como el gurú audiovisual de la era moderna.

La calidad de Star Trek 11, o mejor punto 0, no es solo digital, estupendos efectos visuales, sino popular, su comunicación con la ciencia ficción novelesca nos reabre la esperanza de soñar con un tipo de cine casi perdido, el de batallas galácticas, federaciones, dimensiones desconocidas, héroes, villanos y fronteras reconquistadas.

Es imposible desviar el entusiasmo más apasionado cada vez que Pixar estrena nuevo trabajo cinematográfico, parece ser una constante indispensable deshacerse en elogios hacia la inmutable creatividad de los geniecillos que pueblan el estudio de los sueños, por eso es reiterativo y en cierto modo redundante volver a poner en evidencia cualquier otra compañía animada que intente en vano competir con una Pixar imperturbable, protagonista de una supremacía jubilosa que parece rodar con las líneas geométricas de un arte babilónico fabricado a escuadra y cartabón. Pixar hace las tareas con el manual artístico bien aprendido, dominando el relato en tres actos con una libertad voluntariosa que transforma en humanidad y fantasía cada movimiento, sonido e imagen, con un regocijo catedrático que mejora súbita y presurosa en la escalada épica del legítimo entretenimiento.

Up!! es una de esas maravillas tecnológicas a la que las limitaciones restrictivas del mero adjetivo difícilmente pueden reflejar, hacerle justicia con la banalidad de las palabras es insuficiente y nunca bastaría para englobar los logros fílmicos de una cinta sencillamente memorable, un poema móvil a dos tiempos, 1º visual (los fundamentos del color y la utilización digital de un sistema tridimensional que aumenta sus talentos), 2º narrativo (la implicación emocional hace olvidarnos por momentos de su condición de cine animado) que sobrepasa los límites de la aventura con una historia sin fugas adornada con destellos de hazaña novelesca (citas conmemorativas al serial clásico, Julio Verne, los buscadores de tesoros, Indiana Jones, el Capitán Nemo, el anime de Miyazaki), fusionados con una valiente parábola espacial sobre el paso del tiempo y la vejez inevitable de un Carl Fredriksen romántico e inquieto al cual el recuerdo de una perdida irreemplazable le hará embarcarse en su última gran excursión ambulante a las exóticas y salvajes selvas sudamericanas.

Nada falta ni sobra en Up, su presencia en Cannes revalida una división que ha convertido a la animación en un género plenamente considerado, y quizás, sin quererlo, a la Disney como una filial menor totalmente dependiente de una Pixar que tiene laborioso el superarse, el reto de ir allí donde nadie parece acercarse, la central motora de un instrumento eficaz que no espera detenerse, el carrusel fantasioso en donde montan niños grandes y adultos pequeños, aprendices incondicionales de unos magos sin varita, con un secreto guardado con la llave maestra de un reino insobornable.