Esta nueva adaptación del clásico infantil Caperucita roja tiene el punto a favor de saber en todo momento cual es su público objetivo y a que tipo de espectadores quiere ofrecer su producto. Lamentablemente la película se equivoca en todo lo demás. Porque lo cierto es que no tiene demasiado sentido querer hacer una nueva aproximación de un cuento infantil tan popular como éste, con un carácter pretendidamente más adulto (adulto tirando a adolescente para ser más exactos), convirtiéndolo en un thriller gótico y sobrenatural con toques fantásticos y de terror, para terminar tratando a ese público objetivo que estaban buscando como niños de menos de diez años.

Para dirigir este despropósito le han encargado el trabajo a Catherine Hardwicke, para ver si conseguía repetir el éxito cosechado con la primera entrega de la saga Crepúsculo. Lamentablemente lo único que han logrado repetir ha sido la fórmula, porque éxito poco y el resultado final deja bastante que desear. Entre los actores encontramos a Amanda Seyfried (¡Mamma Mia), interpretando a la protagonista, a quien le debieron meter algo en la Coca-Cola para que aceptara el proyecto; a Gary Oldman, quien, tristemente, se está especializando en encarnar a los malos de las malas películas y que ya empieza a necesitar un buen proyecto al que agarrarse como el aire que respira; y nos reencontramos con un semi desaparecido Lukas Haas. Ninguno de ellos está bien y, sin embargo, uno tiene la sensación de que tampoco se les puede culpar de nada.

La mitad de la película es una bobada, la otra mitad es una soberana estupidez y sin embargo ese no termina resultando ser el peor de los problemas del film. Su mayor problema es que a pesar de todo lo dicho la cinta pretende tomarse en serio convirtiendo la trama en una especie de thriller donde el espectador deberá averiguar quien se esconde tras la forma humana del hombre lobo. Un hombre lobo quien, por cierto, en su forma animal logra hablar con algunos de los humanos, pero no hablando moviendo el hocico, no, no, eso aún hubiera tenido cierta gracia, lo hace con telepatía, ¡comunicándose a través de la mente!. Para colmo, la peli se empeña en influir sobre el espectador de la forma más tosca y absurda posible, mostrando ciertos personajes después de cada ataque del hombre lobo o introduciendo música de suspense con la aparición de algún otro para lograr sembrar la duda. En mi caso sembró la carcajada. Y es que los despropósitos se van sucediendo a lo largo de una trama que no avanza, se precipita a lo largo de su poco más de hora y media de duración, con momentos que rozan de forma constante el absurdo, como esa familia que el mismo día en el que pierden a una hija, muerta a manos de un hombre lobo, por la mañana, preparan la boda de su otra hija por la tarde y bailan entre risas en una improvisada fiesta en la plaza mayor del pueblo por la noche. A eso se le llama tener un día completo.

James Bond, el popular personaje creado por Ian Fleming, cumple sus bodas de oro en el cine. Para ello, sus responsables lo han embarcado en una peligrosa aventura en la que el agente secreto deberá enfrentarse al que probablemente sea su mayor enemigo: ¿Javier Bardem? No, el paso del tiempo. Y es que el mayor reto de este Bond del siglo XXI es el de lograr aunar algo tan antagónico como tradición y modernidad. Sin lo primero no existiría Bond (esos coches, esos gadgets, esos martinis, esas hembras de carnes prietas) y sin lo segundo, seguramente, no existiría saga. Y mucho menos a estas alturas.

Lo cierto es que la franquicia lo petó durante las décadas de los años 60 y 70, con Sean Connery (más rudo) y Roger Moore (más paródico) interpretando a 007 (de lo de George Lazenby mejor nos olvidamos), para empezar a languidecer durante los años 80, hasta cerrar la década tocando fondo, en cuanto a popularidad, con los dos films protagonizados por Timothy Dalton. En los 90 llegó Pierce Brosnan y se revitalizó la saga (aunque lo cierto es que la gran mayoría de sus películas no es que fueran nada del otro jueves, pero dio resultado que los productores apostaran firmemente por la espectacularidad en detrimento de las tramas). Finalmente, en 2006, Daniel Craig se hizo cargo del personaje con la obligación de dotar a Bond de nuevos aires, pero con la obligación, a la vez, de no perder la esencia que lo había convertido en un icono. Trabajo complicado, como decíamos. En las dos primeras entregas con Craig la cosa se salvó bastante bien, en esta tercera no solo se salva, sino que, además, se logra dar un salto de calidad importante.

Resulta que al principio de la peli vemos a James Bond en una de sus habituales misiones secretas, haciendo sus cosas de espía, pero en esta ocasión la cosa sale rana y terminan dando al agente secreto por muerto. Para colmo de males, la identidad de un montón de espías del MI-6 salen a la luz pública y su sede central es atacada. Por suerte para todos James Bond no estaba muerto, que estaba de parranda (se estaba haciendo un Rambo 4) y como todo el mundo le da por muerto, pues será en él en quien confíen los mandamases para lograr solucionar todo el marrón y dar con el villano que ha puesto la seguridad del país patas arriba: Silva, un malo malote, con el color de pelo de Marta Sánchez y un punto sarasa-canalla que lo hace bastante entrañable.

Si ya sorprendió en su momento la elección de Marc Forster para dirigir la anterior Quantum of Solace, debido a que el hombre no había dirigido anteriormente ninguna cinta de acción, la de Sam Mendes no se queda atrás. El director de títulos como American Beauty, Camino a la perdición o Revolutionary Road ha sido finalmente el elegido para llevar a la gran pantalla la nueva aventura del agente 007. Francamente esperaba a alguien con más experiencia en cintas de acción/thriller/espías, lo que viene a demostrar, una vez más, que yo no tengo ni la menor idea de como funciona este negocio, porque Mendes realiza un trabajo excelente y ha logrado realizar una de las mejores pelis de Bond de los últimos tiempos.

En el apartado interpretativo volvemos a encontrar a Daniel Craig, como Bond, y a Judy Dench, como “M”. Además Ralph Fiennes parece que se sube al carro de la saga y como villano principal de la cinta encontramos a Javier Bardem. Resulta curioso que en la anterior Quantum of Solace también había un actor español haciendo de malo, Fernando Guillén Cuervo, pero su personaje carecía del empaque, carisma, profundidad y minutos del interpretado por Bardem, que logra construir un malo perdurable y reconocible dentro de la franquicia Bond (algo que no pasaba desde hacía muchos muchos títulos). El único apartado donde parece cojear un poco Skyfall es en el apartado “chicas Bond”, algo que lamento profundamente como gran aficionado que soy a la... saga.

Punto número uno: Skyfall es muy larga, dura dos horas y media de metraje. Punto número dos: a pesar del punto número uno la peli es muy entretenida. Lo cierto, es que lo que tenemos aquí es una cinta cien por cien Bond, pero que logra no resultar desfasada, logrando adaptarse a la acción de los nuevos tiempos, con escenas francamente espectaculares con muchos tiros, persecuciones y explosiones, amen del habitual catálogo de agencia de viajes que termina resultando toda cinta Bond que se precie. Además cuenta con el valor añadido de tener un malo de altura (de que te sirve tener un héroe de nivel si puedes ofrecer un villano que esté a su altura) y una trama atrayente, con un punto oscuro y tenebroso, que logra enganchar al espectador desde el minuto uno. Skyfall es un thriller de espías atrayente y sumamente eficaz, aunque no excesivamente complicado, todo hay que decirlo, y con un final que recuerda poderosamente a un capítulo del Equipo A.

Resulta curiosa la coincidencia, o no, de que las dos grandes triunfadoras de los pasados premios Oscar, The artist y La invención de Hugo, rindan, ambas, un “sonoro” homenaje al cine mudo y en blanco y negro de principios de siglo XX. Pero más curioso resulta todavía el hecho de que, a pesar de su declaración de principios inicial (y de la colaboración en ellas de perros molones y divertidos), ambas cintas no pueden terminar resultando ser más alejadas la una de la otra a la hora de abordar su realización. Mientras la primera le rinde su homenaje con una cinta muda y en blanco y negro intentando recuperar el aroma de ese tipo de cine, la última lo hace con efectos especiales, con cámaras digitales y con el último grito en formato 3D. Al final, los premios gordos de verdad se los terminó llevando The artist (película, director, actor) aunque uno empieza a sospechar que únicamente fue más por la anécdota de haber realizado una película de estas características en pleno siglo XXI, que por ser mejor película que La invención de Hugo.

La peli arranca con un espectacular plano secuencia que ya empezará a marcar por donde irán los tiros. La película resulta amena y entretenida en su tramo inicial, tontorrona en ocasiones, especialmente de la mano de ese calamitoso policía, pero eficaz al fin y al cabo. Uno se enternece con la desdicha del joven protagonista y se ríe por debajo de la nariz ante su desenvuelta picaresca. En general todo parece estar en su sitio, la peli tiene buenos actores y les saca rendimiento y la dirección destila ese olor a cine clásico que mola. En la segunda parte de la cinta la cosa cambia de registro y la peli se pone a hurgar en el interior de los espectadores buscando su complicidad y su corazoncito para lograr emocionarlos con una historia de amor por el séptimo arte y de echar la vista hacia atrás para ver el camino recorrido (temas que ya se trataban en Cinema paradiso). Cierto es que también podríamos hablar de algunos fallos de la película, como de algunos secundarios que la cinta no termina de sacarles partido o todos los más que alarmantes cúmulos de casualidades que ayudan a provocar que la trama pueda seguir avanzando. Pero lo cierto es que, por momentos, la peli logra tocar la fibra y eso termina haciendo que se le perdonen muchas cosas.

Splice es el nuevo exponente de un género cinematográfico que ha dado grandes títulos a lo largo de la historia: el del científico loco que juega a ser Dios. En este caso los científicos son dos, Adrien Brody y Sarah Polley, que encarnan, respectivamente, al ángel y al demonio, instalados sobre los hombros de la ciencia, luchando entre sí por salvaguardar o destruir los límites de la ética, a la hora de llevar a cabo sus experimentos. La película, además, nos vuelve a plantear, de nuevo, la eterna pregunta de si el fin justifica los medios. Que quieren que les diga, después de ver como suelen terminar la gran mayoría de éste tipo de películas a lo "mad doctor" a uno se le quitan las ganas de experimentar más de la cuenta.

El director de la película, el canadiense Vicenzo Natali, resulta todo un clásico de la ciencia ficción, con títulos como Cube, Cypher o Nothing, experto en thrillers clautrofóbicos, cuya esencia también encontramos en Splice, aunque con la incorporación de un elemento nuevo, como es el del monstruo. Adrien Brody (El pianista) y Sarah Polley (Mi vida sin mi) interpretan a la pareja protagonista con solvencia aunque sin alardes, y la criatura está interpretada por la francesa Delphine Chanéac, aunque por momentos hubiera jurado que la película significaba el salto de la cantante Sidney O'Connor al mundo de la interpretación.

El punto de partida de Splice me pareció muy acertado, con un arranque espectacular a medio camino entre el thriller y la ciencia ficción, con unos toques de terror, que va calando en el espectador. A medida que la criatura crece, la cinta se va volviendo más perturbadora, consiguiendo que nos solidaricemos más con la criatura que con sus creadores y acercándose más hacia el drama fantástico. La película avanza y su ritmo narrativo, a pesar de resultar irregular en algunos momentos, logra no decaer en exceso, aunque algunas de las decisiones de sus protagonistas cada vez empiezan a resultar más cuestionables, ya no sólo a nivel moral sino también a nivel de sentido común. Ya hacia su recta final la cosa pierde originalidad y termina convirtiéndose en algo que ya hemos visto en otras películas, a pesar de lo cual logra mantener un cierto interés hasta su final.

Siguen llegando en masa nuevas revisiones de clásicos del terror de las décadas de los '70 y '80. Recuerdo haber visto Piraña (1978) de Joe Dante y su secuela (1981) de un joven James Cameron en mis años mozos. La primera apareció a la sombra del éxito de Tiburón y, en la segunda, las pirañas tenían alas y podían volar. Eran películas divertidas, sin excesivas pretensiones y bastante malas, todo sea dicho (especialmente la segunda). Ahora nos llega una nueva peli de pirañas, en 3D, porque los tiempos así lo exigen, de la mano del director francés Alexandre Aja (que se está especializando en hacer remakes de clásicos del terror cómo Las colinas tienen ojos o Reflejos), que ha puesto todo el empeño posible para realizar la película más burra de los últimos tiempos, además de buscar de forma constante, durante todo el metraje, objetos absurdos para poder arrojar a la cámara, para acentuar la técnica del 3D.

En Piraña 3D aparecen dos tipos de chicas: las que llevan bikini y las que no (porque ya se lo han quitado). Yo es que creo que la cosa fue así. Cuando escribían el guión y no sabían muy bien como acabar una escena, introducían un plano de chicas bailando en bikini. Cuando en mitad del rodaje, vieron que la cosa, a pesar de todo, estaba quedando un poco sosa, los responsables optaron por introducir un mayor número de chicas en bikini. Cuando en la sala de montaje se dieron cuenta de que algún plano quedaba cojo, añadieron digitalmente más pirañas, si la cosa no mejoraba añadían digitalmente más chicas en bikini. Cuando, a pesar de todos los esfuerzos invertidos, la cosa seguía sin cuajar volvieron a rodar algunos planos, introdujeron más chicas en bikini y añadieron algunas chicas más que, de paso, enseñaran las tetas. Los productores brindaron con champagne.

Debo confesar que, como película de terror, Piraña 3D es la película con la que más me he reído de los últimos tiempos (comedias incluidas). Si esta película se tuviera que analizar desde la cabeza, con frialdad y objetividad, el resultado es un puro cero, pero si se analiza desde las entrañas, la película es un rotundo éxito. Piraña 3D es pura bazofia, un continuo de situaciones absurdas, que va encadenando escena ridícula tras escena ridícula, llena de sangre, entrañas y tetas. Lo cierto es que la película juega al despiste con el espectador, ya que en un principio pensaba que se trataba de un producto más al uso, tan previsible como vacío de intenciones, pero a medida que avanza te das cuenta de que la cosa se va desmadrando por momentos llegando hasta el delirio más absoluto en su recta final, donde uno termina dándose cuenta, por fin, de que no es que la cosa no se pueda tomar en serio, es que la película no jugaba a eso en ningún momento. La película es una mierda, pero es buena mierda.