Uno de los últimos trabajos del genial Billy Wilder fue esta entrañable comedia donde su director, imaginamos que debido al haber alcanzado una etapa de plena madurez, trata de mostrarnos la importancia de vivir. Donde debe prevalecer en anhelo a la vida sencilla y tranquila. Es una reivindicación del director a una sociedad cada vez más mecanizada y alejada de los parámetros del verdadero ser humano.

“¿Qué Ocurrió Entre mi Padre y tu Madre?” si tiene un defecto, es el de ofrecer una imagen confusa de lo que realmente es la obra en sí. Muy probablemente muchos la ignorarán sin otorgarle ninguna oportunidad por su imagen de comedia simpaticona y amorosa. Pero seamos francos, ¿Cómo podemos imaginar que el gran Wilder se conformaría con eso? El cineasta sube un peldaño más de su excelente carrera reuniendo al gran Jack Lemmon con una grandiosa Juliet Mills en una historia de frescura y ternura irreprochable donde ambos personajes coinciden con la muerte de su padre y de su madre respectivamente que mantenían un romance en la toscana de Italia.

El personaje de Lemmon es un tipo de lo más desagradable y egocéntrico, es francamente curioso verle en este tipo de registro. Pero es ahí donde reside la clave y mayor virtud del film, en su madurez. Todo en él es desagradable, le mueve su trabajo, todo tiene que ser puntual como un reloj, es un hombre nada flexible. Durante su estancia en Italia, donde empatizará con la Mills, esta le hará ver la vida des de una perspectiva ampliamente distinta. Juntos revivirán las vivencias de sus padres, viviendo un romance entre ellos. En esta serie de experiencias, el personaje protagonista hace un giro de 180 grados, cambiando perfectamente su visión de las cosas y de la vida. Termina teniendo un aprecio por la vida sencilla y tranquila.

Es elogiable no sólo su mensaje, el film está nutrido de divertidísimas y frescas situaciones, acompañadas de los ingeniosos y habituales diálogos de Wilder. También se vislumbra en Wilder, un producto comprometido, no falta la denuncia al egocentrismo y a la ignorancia de los americanos, que se creen el centro del mundo. Tampoco se puede olvidar la falta de pudor del cineasta a su ácida crítica en contra de la delgadez extrema y a la publicidad que amarga la vida a las mujeres, con su obsesión por estar esqueléticas sin darle importancia a lo que realmente tiene un verdadero significado: Vivir. Es un film mucho más ambiguo de lo que cabe esperar, no en vano, es de Wilder. Es toda una alegoría a la vida sin darle demasiada importancia a las responsabilidades, anteponiendo las verdaderas necesidades del ser humano, que son el llevar una vida plena y reconfortante, con un optimismo a prueba de bombas.

La última obra del increíble Elia Kazan puede que no cuente con la maestría dotada en muchos de sus films. A pesar de ello, el film constituye una perfecta declaración de amor a la época dorada del cine clásico de los años 30, junto con otros atributos que la hacen sobradamente recomendable.

Si la comparamos con otras obras del director de “La Ley del Silencio”, si que es cierto que no alcanza sus cuotas de calidad. De hecho, no engañamos a nadie al afirmar que la factura del film es más bien discreta. Eso sí, respaldada por un muy buen acabado guión basado en la novela inacabada de Francis Scott Fitzgerald.

Pero seamos sinceros, muy probablemente, todos aquellos que hayan sentido un mínimo interés por el film o lo hayan visionado, es por su magnánimo retrato, donde se combinan actores que se convertirían en grandes talentos, como Robert De Niro o Jack Nicholson, que comparten la pantalla junto con otros reputados actores de la vieja escuela. En este último grupo encontramos a actores de la talla de Robert Mitchum, Donald Pleasance y Tony Curtis. Sin duda, el mayor atractivo del film que atrae como un imán a todo interesado es por su gran reparto. No cabe decir además que todos y cada uno de ellos están espléndidos. Aunque destacaría al joven Robert De Niro, pues hay que reconocer que su papel no es nada fácil y que el interprete domina con gran desenvoltura.

Otro factor a destacar de la cinta, es su genial ambientación, pues plasma con gran fidelidad los años 30 con todo lo que comportaron aquellos años en la industria del cine, donde somos testigos a las creencias, la homofobia, las ambiciones, los deseos y los temores de toda aquella persona vinculada a el mundo del cine, des de reputadas estrellas, hasta guionistas y productores sin escrúpulos.

Poco más que decir, no estamos ante una obra maestra ni ante una de las mayores obras de Kazan, pero constituye una buena lección del funcionamiento de la industria por aquellos años junto con un conmovedor homenaje al cine clásico de antaño.

Siempre me ha gustado la labor de Edward Zwick, es un director que en sus películas se compromete mucho políticamente. Ahora nos narra las hazañas de tres hermanos judíos (Craig, Schreiber y Bell) que durante la II Guerra Mundial se aventuraron a combatir a las fuerzas nazis rescatando a prisioneros judíos que luego protegían hasta llegar a crear toda una comunidad clandestina en los bosques de Bielorrusia.

El mensaje que refleja esencialmente la película es el de la cooperación, la ayuda y el compañerismo. Vemos como hay ciertas personas que deben tener la fortaleza suficiente (en este caso, la de los hermanos) para responsabilizarse de la vida de los demás, que sólo hacen que protestar o que no saben qué hacer si no tienen una figura o un líder que les guie. La cinta en sí es bastante entretenida y amena de ver, sin embargo, hay momentos en que se puede llegar a hacer lenta. No le hubiera venido mal unos cortes de más en la sala de montaje, ya que su duración es tal vez, un poco exagerada para lo que la película trata de demostrar.

Dejando de lado ese aspecto, el resto del conjunto cumple sobradamente. A destacar la siempre eficiente puesta en escena de Zwick y las grandes interpretaciones del trío protagonista, realmente se lucen.

"Chacal" gira en torno a un ficticio intento asesinato del presidente de la república francesa, Charles De Gaulle en manos de un mercenario sin identidad llamado Chacal. La película fue dirigida por el gran Fred Zinneman y sigue siendo muy recomendable su visionado sobre todo para todos aquellos que quieran disfrutar de un muy buen thriller o de una gran película de espías. Tiene una gran fuerza y magnetismo gracias a su gran montaje, donde se alterna el viaje del asesino y el de los que le persiguen. También goza de una bellísima fotografía que hace que la cinta sea aún más, si cabe, interesante. Además cuenta con un gran y original final. Nadie debería perdérsela, incluso para aquellos que ya hayan visto el remake de Bruce Willis y Richard Gere.

Es increíble lo que se puede llegar a hacer con un solo puñado de dólares y con todo el entusiasmo expuesto en llevar a cabo su objetivo. Eso es lo que consiguió el director Edgar G. Ulmer con un modesto presupuesto y seis días de rodaje. La mejor forma de definir este bizarro trabajo es que se trata de una road movie de cine negro de serie B. Ulmer se sirve de una historia inquietante y enormemente perturbadora para adentrarnos a lo más cercano de vivir una pesadilla. Ciertamente creeremos estar en una dado la demasiado generosa dosis de fatalidad y de mala suerte que el director nos otorga.

El film es intensamente fiel a lo que supone que debería tener cualquier película del género, como tener sus dosis de intriga, numerosos flashbacks, voz en off y una femme fatale. Ulmer nos deleita ofreciéndonos los mayores tópicos del género, pero mostrados de forma intensa y con enorme fuerza, con una perspectiva tan bizarra como desagradable. Pocas veces nos sentiremos tan fatigados y hartos de su personaje femenino, clave de las desgracias del protagonista, y es que aquí el término de femme fatale no podría cobrar más sentido. El protagonista de la historia es un tipo corriente y pobre, que movido por el amor, lleva a cabo un viaje a Hollywood para reencontrarse con su amada. El personaje se servirá del auto-stop para llegar a su destino, pero por una serie de fatales circunstancias, se verá envuelto sin ningún remedio en una trágica cadena de acontecimientos que a medida que avanzan no hacen más que empeorar la situación.

Lo desagradable a la vez que extraordinario, es que Ulmer consigue crear una atmosfera perturbadora e inquietante. Vuelve la fatal situación en algo irritable, donde fácilmente a cualquiera le pueden estallar los nervios, incluso a nosotros. El cineasta consigue adentrarnos en su pesadilla, logrando que la vivamos en carne viva. Algo tan desalentador como increíble por haber conseguido sumergirnos en ella. Es fácil sentir todos los sentimientos que siente su protagonista, des de la paranoia, el nerviosismo, la irritabilidad o incluso el asesinato. Pocas veces el cine a conseguido que empatizemos tanto con la fatal sensación de su protagonista, y que además la lleguemos a vivir tan intensamente. Todo ello se debe a su extraordinaria narración, atrayente e interesante como pocas, y con una pareja protagonista extraordinaria. Es fácil ponerse en la piel del personaje de Tom Neal, debido a las desgracias que le causa la presencia de Ann Savage. La actuación de ésta última es, simplemente, auténtica y genuina. Savage se podría convertir fácilmente en el mayor símbolo de femme fatale por excelencia. Lo tiene todo para adorarla, y sobre todo para odiarla tremendamente. Todo aquel que le guste el cine negro tendrá un enorme vacío hasta que no vea “Detour”, un film modesto pero increíblemente creíble y mordaz. Es adentrarse en una montaña rusa de pesadillas y de emociones desagradables increíbles. Un viaje tan inolvidable como extraño.