La habitación de Lenny Abrahamson es un drama basado en el secuestro de una joven durante varios años que se encuentra retenida en una habitación junto con su hijo de 5 años que es del mismo secuestrador y no conoce más mundo que la misma. Dirigida con un ritmo tranquilo y con un estilo asfixiante que hace que el interés por su trama crezca a medida que avanza el film, es una obra incitadora e intrigante que se aleja algo del género habitual y que tiene varios picos de suspense que no esperan al final, sino que suceden a lo largo del film para machacar al público con lo que se le ofrece, concluyendo una excelente película que mantiene absorto al público y lo desconcierta con un entramado provocador y lúcido que está bien construido y dejará más que satisfecho al cinéfilo exigente.
La fotografía es oscura y claustrofóbica al principio y evocadora en sus recónditas imágenes estéticamente sombrías y repleta de detalles que se va volviendo algo más despejada a medida que avanza el film. La música es emotiva en sus sentimentales melodías que añaden confort o nostalgia al espectador, ya que sus misteriosos sonidos son en ocasiones inquietantes y turbadores y en otras más agradables para acompañar eficazmente su trama. Los planos y movimientos de cámara consuman un trabajo técnico notable mediante el uso del seguimiento, cámara en mano, plano-contraplanos, primeros y primerísimos planos, reconocimiento, avanti, retroceso, detalles, subjetivos, tercera persona y seguimiento que se centran en sacar lo mejor de las interpretaciones.
Las actuaciones son verosímiles y relumbrantes. Como protagonistas Brie Larson está profunda y sentida en una manifiesta interpretación y Jacob Tremblay está impecable y admirable en su representación infantil, siendo intachables los acompañamientos de Joan Allen, William H. Macy, Megan Park, Amanda Brugel y Sean Bridgers entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones humildes en sus andrajosas ropas en el secuestro, siendo el resto comunes en una correcta y sugerente labor que junto con los decorados de interiores te transportan y atrapan en su asfixiante habitáculo.
El guion, escrito por Emma Donoghue y basado en su propia novela, es absorbente desde el principio y mantiene eficazmente al público absorto con lo que se le va ofreciendo en el secuestro y la psicología que utilizan los personajes para no sentirse atrapados en esa pequeña habituación, buscando en todo momento no caer en el pesimismo y luchar para que su hijo no piense que no hay nada fuera de ese habitáculo, finalizando con esa premisa un magnífico film que cautiva a todos aquellos que se aventuren a descubrirlo. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off infantil por parte del niño y su imaginación y explicativa que añade profundidad e intriga con cierto tono desesperanzador. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que tranquilamente va exponiendo su trama y desnudando a sus personajes.
En conclusión, la considero una obra inolvidable e insustituible por lo que ofrece en su género que contiene una historia sincera y emotiva que no pretende impresionar a nadie, sino tan solo dar su punto de vista en lo que ocurriría en un secuestro y posterior liberación de una madre joven y su hijo que no conoce más mundo que la habitación donde nació, concluyendo un hermoso film que no dejará a nadie indiferente tras su visionado. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara y narrativa que vuelven a La habitación, un film indispensable para los que les guste el buen cine que muestra las reacciones humanas tras situaciones dramáticas e insólitas.

Spotlight de Thomas McCarthy es un drama periodístico basado en hechos reales que muestra las investigaciones que realizaron los periodistas del Boston Globe, para destapar los escándalos de pederastia de los sacerdotes de Boston. Dirigida con un ritmo dinámico y con un estilo fiel a la realidad que se basa sobre todo en lo indagatorio, es una obra absorbente que penetra de forma soberbia en el espectador y lo machaca con una historia de lo más incitadora que mantiene la intriga todo el rato y con ello absorto a toda clase de públicos, creando con ello gran reacción y sobre todo indignación por unos sucesos que te dejan con la boca abierta por lo que representan, concluyendo con ello un deslumbrante film que deja cautivado a toda clase de públicos.
La fotografía es lumínica y evocadora en una labor bien trabajada en detalles que pasan de estimulantes a confortantes según el momento de la trama, manteniendo expectante al espectador todo el rato con mucho oficio. La música es intrigante con sus sonidos clásicos de piano que añaden profundidad y tristeza al film, usando también sonidos insidiosos e inquietantes que son de lo más sugerentes y en ocasiones enigmáticos para crear la atmósfera apropiada para el film. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica a través del uso de los plano-contraplanos, seguimiento, steadycam, reconocimiento, subjetivos, detalles, tercera persona, generales, cámara en mano, avanti y retroceso en un soberbio trabajo técnico que exprime lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son remarcables y creíbles. Como protagonistas Michael Keaton está notable e intachable en su papel, Mark Ruffalo hila una de sus mejores y más profundas interpretaciones hasta el momento y Rachel McAdams está irreprochable en su labor, formando estos un trío que se compenetra a la perfección en sus indagaciones para satisfacción del público, siendo notables también los acompañamientos de Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci y Brian d'Arcy James entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones variados según el personaje pasando de elegantes a informales en los sacerdotes, policías, periodistas, etc... que aparecen en el film en una oportuna labor que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por el director junto con Josh Singer, está basado en hechos reales y es junto con las interpretaciones lo mejor con diferencia del film, ya que mantiene todo el rato al público absorto con las investigaciones y conclusiones a las que poco a poco y sin ninguna prisa van llegando los periodistas, logrando con ello tallar una historia provocadora y desde luego comprometedora que sacude y asquea al público por las verosimilitudes de los hechos narrados con la realidad, finalizando con ello un enorme film que es además necesario de conocer por toda clase de públicos, indistintamente de sus creencias y religión. Esto se lleva a cabo con una narrativa variada según el personaje y condición, siendo esta expresiva y conspiradora en su tono directo y académico, logrando con ello una labor intachable y muy atractiva. Cabe destacar también, el montaje lineal y acompasado que imprime un ritmo dinámico y mantiene eficazmente expectante al espectador.
Concluyendo, la considero una obra imprescindible de conocer e imperecedera que saca los colores a la iglesia con un tema tan delicado como lo son los abusos a menores, mostrando poco a poco un entramado absorbente e incitador que deja al público boquiabierto con su historia, la cual es además necesaria de conocer por todos por su profundidad y trascendencia, logrando con ello sacudir al público y dejarlo en una nube turbia que lo llena de rabia e impotencia. Muy recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara y narrativa que hacen de Spotlight, un film demoledor que se queda para siempre en la memoria del espectador.

La niña de tus ojos de Fernando Trueba es una comedia dramática en la que un grupo de artistas españoles del cine va en plena guerra civil española a la Alemania nazi a los estudios de la UFA para rodar una película. Dirigida con un ritmo tranquilo y con el estilo reconocible de burla y drama del director, es una obra que mezcla con mucho acierto el humor y la tragedia para deleite de sus seguidores, ya que su historia es sustanciosa por colocar al folclore español del momento en la Alemania nazi, logrando convencer a todos con su visionado y dejando grata sensación con ello, concluyendo uno de los films a tener en cuenta dentro de la filmografía del director.
La fotografía de Javier Aguirresarobe muestras al principio imágenes de archivo reales y hace después en el film gran uso de los claroscuros, logrando un espléndido trabajo que se hace muy vistoso y desde luego evocador por estar trabajado bien en detalles. La música típica española del momento suena durante todo el film con sus conocidas melodías y ritmos de fiestas en las escenas de rodaje, usando también según el momento de la historia sonidos emotivos, alegres e insidiosos para añadir atractivo al film. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor magnífica a través del uso del seguimiento, generales, primeros planos, cámara en mano, steadycam, reconocimiento, detalles, nadir cenitales, grúas, avanti y retroceso que se centran tanto en las interpretaciones como en su entorno.
Las actuaciones son auténticas y recordables cada uno en su estilo propio. Como protagonistas Penélope Cruz está sentida y susceptible en un papel de artista andaluza con carácter, Antonio Resines está cumplidor y con su estilo habitual y Jorge Sanz acertado en su labor chulesca, siendo estupendos los acompañamientos de Santiago Segura, Neus Asensi, Karel Dobri, Loles León, Rosa María Sarda, Jesús Bonilla y Juan Luis Galiardo entre otros. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones elegantes y formales por un lado y también distinguidos en las fiestas, siendo además en todo momento sugestivos de cada personaje en una soberbia labor que junto con los trabajados decorados te transportan in situ.
El guion, escrito por Rafael Azcona, David Trueba, Carlos López y Manuel Ángel Egea, tiene el gran acierto de mezclar el folclore español con la Alemania nazi para ganarse a los cinéfilos exigentes que busquen comedias con sello propio y toques dramáticos, dejando así, una sonrisa algo amarga tras su visionado por tener un trasfondo histórico tan real como triste, finalizando con ello un notable film que está bien trabajado técnica y artísticamente, además de tener una incitadora historia que no dejará a nadie insatisfecho. Esto se lleva a cabo con una narrativa sugerente de cada país, con toques ordinarios y acento andaluz y alemán, que es de lo más expresivo e incluso exagerado y que contiene unos diálogos sarcásticos y mordaces que harán reír a más de uno. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que marca un buen ritmo en la cinta y que no se hace pesado en absoluto.
En definitiva, la considero una comedia dramática notable y esencial en la filmografía del director que gusta ver por entretener y hacer reír dentro de un trasfondo histórico tan dramático como la Alemania nazi y la guerra civil española para aumentar el interés de una historia que no carece de ningún componente para satisfacer a todos los públicos. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, vestuarios, caracterizaciones, decorados, narrativa y diálogos que convierten a La niña de tus ojos, en un film digno de visión y justo ganador del Goya en su categoría.

Dos pares de mellizos de Harry Lachman es una comedia basada en el famoso dúo cómico de Stan Laurel y Oliver Hardy, que en esta ocasión son fastidiados indirectamente por los hechos que cometen sus hermanos gemelos. Dirigida con un ritmo dinámico y con el estilo de humor slapstick característico de ellos, es una de sus obras recordables que vuelve a cautivar a sus seguidores con sus interminables gags y bromas llenas de inocencia que satisface a los buscadores de un humor sencillo y poco rebuscado que es efectivo y gusta a toda la familia y en especial a los más pequeños, concluyendo un divertido y notable film que agrada su visionado a cualquiera y hará pasar un buen rato a todos.
La fotografía en blanco y negro es confortante y está repleta de detalles sencillos pero efectivos para el humor, con algunos detalles visuales soberbios para la época. La música es simpática y rítmica en sus melodías agradables que logran un sutil acompañamiento musical. Los planos y movimientos de cámara consuman una notable labor técnica no desprovista de mérito por sus efectos a través del uso del seguimiento, primeros planos, generales, plano-contraplanos rápidos y planos medios que exprimen lo mejor de los gags. Cabe señalar también, los efectos visuales sorprendentes y bien trabajados para la época que dejan al público con la sonrisa puesta y la boca abierta.
Las actuaciones son genuinas y carismáticas al más puro estilo del gordo y el flaco. Como protagonistas Stan Laurel y Oliver Hardy están cumplidores en esta ocasión en un doble papel, siendo aceptables también los acompañamientos de Alan Hale, Sidney Toler, Daphne Pollard, Betty Healy y James Finlayson entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones clásico y elegante por un lado y sugestivo de los principales por otro en una correcta labor que junto con los sencillos decorados cumplen bien con su cometido.
El guion, escrito por Felix Adler, Richard Connell, Jack Jevne y Charley Rogers y basado en una historia de W.W. Jacobs, está repleto de situaciones hilarantes gracias al buen hacer del gordo y el flaco en su habitual estilo cómico exagerado que deja al público con una sonrisa en la boca, siendo ese el principal fuerte del film, las innumerables situaciones inusitadas que viven los protagonistas con el único objetivo de hacer reír al espectador. Esto se lleva a cabo con una narrativa sugestiva de los protagonistas en su conocido acento inglés y sus diálogos inocentes y graciosos a su estilo. Cabe destacar también, el montaje seguido y acompasado que gracias a su ritmo activo y su corta duración pasa en un santiamén.
Para finalizar, la considero una de las obras inmortales e indispensables del gordo y el flaco por sacar las risas de toda la familia e incluso alguna que otra carcajada para deleite de los amantes del género y seguidores de un dúo cómico que caló en toda clase de públicos con su estilo sencillo pero efectivo de humor inocente y basado en golpes y exageraciones. Recomendable por su dirección, actuaciones, fotografía, música, montaje, efectos visuales, planos, caracterizaciones y diálogos que vuelven a Dos pares de mellizos, en un film notable en su humor que hará pasar un buen rato a todos los que se aventuren a disfrutarla.

A cambio de nada de Daniel Guzmán es un drama social basado en un joven adolescente que se evade de sus problemas familiares junto con su amigo, un mecánico y una anciana que recoge muebles por la noche para sobrevivir. Dirigida con un ritmo tranquilo y con un estilo personal que plasma la clase humilde y los exprime en su humanidad, es una obra valiente por llevar a cabo esta temática siendo el primer largometraje del director y sorprende por la naturalidad con la que expone diversas historias de personas que hacen lo que pueden por sobrevivir, aunque para ello destruyan el poco futuro que puedan tener, concluyendo un hermoso y duro film que deja mella en el corazón de los que se dejan abrazar por él.
La fotografía es lumínica por un lado y oscura por otro en una competente labor que es estéticamente apropiada según la trama y humilde aunque efectiva en lo que se propone el director. La música brilla por su ausencia, así no desvía la atención del espectador. Los planos y movimientos de cámara consuman una correcta tarea técnica a través del uso de los planos fijos, plano-contraplanos, primeros planos, generales, seguimiento, subjetivos, detalles y cámara en mano ininterrumpida que aumenta la sensación de inestabilidad de los protagonistas y sus vidas.
Las actuaciones son certeras y apropiadas para la historia que se desarrolla en la película. Cuenta con las primerizas interpretaciones de Miguel Herrán, Antonio Bachiller, María Miguel y la entrañable colaboración de Antonia Guzmán que se adueña del corazón del espectador, además de la cara conocida de Luis Tosar que hace un corto pero notable papel a su nivel habitual y los acompañamientos de Felipe Vélez, Patricia Santos y Miguel Rellán entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugerentes de las gentes y jóvenes humildes de clase baja en una aceptable labor que junto con los exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por el director, es absorbente al plasmar un drama sobre la dura realidad de esa clase baja y humilde que desesperada por sobrevivir hacen cualquier cosa para seguir adelante, llegando con esa trama al espectador ya que sus personajes son tan reales como la vida misma y da así verosimilitud a los hechos que ocurren en el film, finalizando con ello el director su opera prima con la que deja clara su intención de que ha venido a ofrecer algo que interese al cinéfilo exigente y no al público más comercial. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva y efusiva según el personaje que es en ocasiones ordinaria para plasmar su condición y sugestiva de barrios humildes. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que va desarrollando su trama a buen ritmo sin hacerse pesado en absoluto.
En conclusión, la considero una obra notable y con mucha intención que deja un sabor agrio tras su visionado aunque algo esperanzador por mostrar la cruda realidad que viven muchos y que nadie quiere mirar por recordar mucho de los problemas que vive actualmente el país, dejando con ello al espectador con la sensación de haber visto un film algo pesimista pero efectivo para calar en el público. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, montaje, movimientos de cámara y narrativa que convierten A cambio de nada, en un film turbador que se toma muy en serio el querer llegar sin sentimentalismos al corazón del espectador.