Volvemos a debatir hasta que punto es importante los alardes técnicos respecto a la historia que nos quieren contar. Yo no voy a dividir la historia en tres. Ya lo hizo antes mucha gente y con suficiente talento. Voy a dividir esta película en dos:

1. El explosivo inicio: Joe Wright saca los apuntes de clase, se codea con grandes profesionales y nos plasma un inicio y presentación de personajes prodigioso. Resuena aún en mi cabeza quizá, la mejor banda sonora de este año. Su música está implicada con la trama hasta el punto de enlazar escenas, hasta el punto de quedar indivisibles y deslumbrarme con cada nota. Dario Marianelli es uno de los grandes o al menos lo es para mí, desde hoy mismo.

Wright nos muestra la primera escena juntos de Knightley y McAvoy desde la distancia. E incluso a través de la ventana, saltan chispas sin oír siquiera un susurro de sus labios. Consiguen transmitirnos fuego en una escena en la que Keira sale casi desnuda (igual tampoco es muy difícil).

No sé cuanto dura esta primera parte, hasta que la separación hace su intervención. No miré el reloj, no me aburría y disfrutaba incluso con cada interpretación. Todos dando lo mejor, todos convenciéndome de esta historia.

2. Mambrú se fue a la guerra: ¡qué dolor, qué dolor, qué pena! Aquí la historia desaparece. Aquí desaparecen también mis ganas de seguir los enredos de cámara y fotografía de Wrigth&cia. Llega un momento en que me doy cuanta que lleva casi veinte minutos y no me ha contado nada. Nada. La historia no avanza, los personajes quedan mudos, sólo la cámara de Joe Wright parece hablar con una gran fotografía y puesta en escena. Se olvidan de algo tan fundamental como el guión, como dotar a los personajes de una evolución sincera, sin trompicones.

Incluso tanto lirismo en la cámara de Wright me parece obsceno, me molesta en exceso. Empiezo a verle demasiada falsedad. ¿De verdad había una noria en aquellas frías playas francesas? Ese tan comentado plano secuencia de la playa consiguió ponerme nervioso. Y acabó cabreándome tanto ir y venir en el tiempo, tanto chantaje emocional.

El final es triste (no me refiero al devenir de la historia) me refiero al final en si. Vale, es una adaptación de una novela… pues el final de la novela es patético. Menuda tomadura de pelo.

Wrigth puede tener talento, pero le queda que aprender lo más importante: cuidar la historia.

Sensacional me parece esta propuesta del director coreano Ki-Duk Kim. De nuevo, nos sumerge en un mundo donde la locura y la soledad se entrecruzan. Ejercicio salvaje, de cruda violencia y de descenso a los infiernos de una mente perturbada.

La fabulosa fotografía y la completa banda sonora no consiguen disimular este barroquismo de sangre y sufrimiento. Puede ser, que sea en esta película, donde comience a mostrar un dominio ejemplar del encuadre, donde unos escenarios y naturalezas desoladas que siempre utilizó para recrear sus guiones, empiecen a formar parte de las historias, más que ser un mero acompañamiento. El combate de boxeo en el agua es impactante (que sin duda es lo que buscaba su director) y su salvajismo es jodidamente hermoso.

Gran actuación de Dong-Kun Jang estira su papel hasta el límite, hasta lo imposible. Más o menos es siempre lo que busca el realizador coreano, llevar las cosas un poco más allá de lo que debiera, intentando sacar de quicio al espectador.

Fantástico el final, el acercamiento a una sociedad que siempre espía desde la barrera de la seguridad.

Mejora la historia del Zar en esta segunda parte. Eisenstein se serena un poco, Cherkassov, mucho más comedido que en la primera parte, mejora mucho aunque sigue llevando como todo el elenco de actores sus trabajos a una exageración con la que yo no caso. Queda esta obra de Eisenstein, como un alarde técnico y un control sin igual de las escenas, pero nunca quedará como una obra imperecedera, porque amigos, y mirar como me preocupa que fusilen y refusilen, a esta “obra maestra” se le han comido las lombrices.

El tiempo no perdona a aquellas obras que no son maestras.

Ese curioso dato de que aparezca el color en cierto momento, me parece una cagada grandísima. Eisenstein demuestra que la era del color le pillo dormido. La fotografía en B/N tan enorme (para mí es de lejos lo mejor de toda esta historia del terrible Iván) y cuidada de Eduard Tissé y Andrei Moskvin se vuelve tosca y ramplona cuando aparece el color.

Enorme, como en la primera parte, la banda sonora compuesta por Sergei Prokofiev. No me produce urticaria algunas canciones y casi-bailes hechos en esta segunda parte, lo que querrá decir que no están mal planteados.

Sigue Eisenstein, atiborrándonos de primeros planos sensacionales, pero muchos de ellos innecesarios. El abuso en el uso, es un arma peligrosa.

¡Uff! ¡Qué difícil es evaluar esta película! ¡Cuan complicado resulta no dormirse en determinados momentos o no maravillarse por una excelente fotografía! ¡Qué extraño me resulta la actuación exagerada de Nikolai Cherkassov y cuantas risas me dieron sus gestos al vacío y sus ojos saltones saliendo de sus órbitas!

¡Cuánto simbolismo soterrado bajo esta historia! ¡Qué poder de persuasión la de este director en mostrarnos lo que él quiere! ¡Qué gran montaje y qué guión tan plano y maniqueo! ¡Qué inicio tan soporífero y que maravillosa presentación de personajes!

¡Qué sobrevalorada película y cuanta sabiduría técnica! ¡Menudos decorados y juegos de sombras y que exteriores tan poco acertados (excepto el final)!

¡Cuanta lentitud en la narración de la historia y que bien sabe plasmar el transcurrir del tiempo en la película!

¡Qué sencillo hubiera sido el que Eisenstein hiciera una maravillosa película si se hubiera dejado las gafas de pasta en la cómoda de la habitación!

Sobretodo, para amantes de Bergman y su Séptimo sello o debería decirlo al revés. Ok, sí te encanta esta película (después de darle al No a mi crítica, no te pierdas la de Bergman (alumno de Eisenstein).

Poquito puedo salvar de esta propuesta de Mira Fair (directora que tiene en su currículo como obra destacable únicamente a “La boda del monzón”. Una de esas pocas cosas que podría salvar es su banda sonora.

El tedio se apodera de mí cuando llevo unos treinta minutos de película y ya no consigue abandonarme. Con el aburrimiento, surge también un mirada previsible que no deja un buen sabor de boca.

Nada original aporta Mira Fair. Además, se enreda ella solita fabricando un guión obtuso, con personajes que no envejecen o envejecen de risa, con escenas de ahora sí o ahora no me interesan mis raíces y con viajes en el tiempo para explicar cosas que no necesitaban tanto flash back.

Ya hemos visto esta película muchas veces. Si me la quieren repetir, espero algo diferente, carente de clichés manidos. Porque si no es así, tengo en mi videoteca una enorme “Oriente es Oriente” (Damien O’Donnell, 1999) que revisaría sin pereza alguna y con una gran sonrisa en la cara.

Por cierto, el doblaje endosado a “El buen nombre” es horroroso. Recomiendo VOSE.