La película habla de un experimento de arte total, que combina las distintas formas de expresión para ofrecer una experiencia sensorial global e irrepetible. Ante tan ambiciosa propuesta, ¿cómo hacer un making of? Hay que agradecer el riesgo y la originalidad de este documental, pero ante tan colosal planteamiento supongo que la derrota estaba cantada de antemano.

A mi entender, "El somni" adolece de una excesiva indefinición, no hay una propuesta clara que atrape al espectador. En cuanto a la actuación directa de los hermanos Roca, se habla mucho del proyecto en general y del modo en que cada uno lo vive, pero apenas se dan pautas respecto de su trabajo, ni detalles sobre los platos que conforman el sofisticado menú… Francesc Aleu no consigue acercarnos a la esencia del ambicioso proyecto de los Roca. De hecho, a mí me han parecido más interesantes todos los pasajes que se refieren al trabajo de los Roca en general, más allá de este peculiar banquete. En cualquier caso, la película sólo ofrece una sucesión poco hilvanada de experimentos artísticos incluidos en el proyecto, con apuntes fugaces de sus creadores. La presentación de los doce comensales tampoco es muy afortunada (los afortunados son ellos, más bien, aunque no ponen cara de disfrutar mucho). Hay un tono de exageración que atosiga a quien ve la película, de modo que la experiencia parece sólo un carísimo y superguai experiencia para snobs, a la mayor gloria de los mejores cocineros del mundo. Al público de a pie le entrarán pocas ganas de formar parte de esa experiencia. Todo demasiado abrumador, demasiado trascendente… Y demasiado lejano.

"J. Edgar" me parece una muy buena película, superior incluso a muchas de este director, lo que ya es decir…

La película habla de Estados Unidos y de los estadounidenses de hoy, más que de su protagonista principal. No creo que Eastwood haya pretendido mostrarnos un cuadro de la América del siglo XX, ni siquiera creo que haya querido ofrecernos una biografía de Hoover. No hay una visión especialmente crítica del personaje histórico, ni un ensalzamiento hagiográfico de su figura. Creo que con esta película Eastwood nos muestra su propio retrato de la sociedad americana de hoy, incluso más que en otros films ambientados en la actualidad. Y, sobre todo, nos muestra que no todo ha de ser lo que parece y que todos arrastramos nuestras debilidades y contradicciones. En fin, puro Eastwood...

Todas las interpretaciones son más que correctas. Leonardo DiCaprio está muy bien, como siempre, aunque con su acartonado maquillaje recuerde en algunas escenas a Orson Welles caracterizado de Ciudadano Kane, 70 años después. Un descubrimiento Armie Hammer, y una confirmación más Naomi Watts y Judi Dench, que son apuestas seguras.

Y, por supuesto, destacaría la delicada dirección. Clint Eastwood sabe hacer prevalecer la contención en el relato a pesar de los giros y saltos temporales que propone el guión. De unos diálogos aparentemente sencillos y de situaciones en principio cotidianas surgen momentos verdaderamente emotivos. Por destacar algunos, citaría el principio de la película con DiCaprio y Watts, en la biblioteca (genial cómo está trazado el personaje de Naomi Watts, en realidad resume por sí solo todo el film) y la escena final con DiCaprio y Hammer, después de cenar. Eastwood se mueve mejor en las distancias cortas que en la amplitud de los grandes escenarios. Es más, cuando se da este tipo de situaciones en la historia (muerte de la madre, escándalos profesionales...), parece como si el director quisiese pasar de puntillas. Incluso el modo de acabar la película, con el final del protagonista, está tratado con sencillez y sin grandilocuencia...

Es evidente que al director no le importaba especialmente mostrarnos una biografía fiel de Hoover. Sin duda deja deliberadamente muchas cosas en el tintero y hace hincapié en aspectos de su vida que desde el punto de vista de la realidad objetiva quizá no están debidamente contrastados. Pero, ¿debe importarnos eso? Clint Eastwood busca emocionarnos, y conmigo lo ha conseguido. Una vez más.


(Rev 13/02/2012)

Una película aparentemente sencilla y sin pretensiones, que relata las grandezas y miserias de una comunidad de vecinos, desde la perspectiva de un maduro cantante semifracasado. El personaje interpretado por De Kervern busca huir de sí mismo mediante un trabajo abnegado y paciente a favor de un grupo de lo más heterogéneo. La extrema bondad del protagonista encuentra el contrapunto perfecto en la presidenta de la comunidad, una jubilada un poco neurótica. Este argumento podría dar juego para muchas cosas. Salvadori opta por la comedia, mediante una sucesión de gags ingeniosos y divertidos, que pasa deliberadamente por alto aspectos más lúgubres de la historia, cuando podía dar pie a subtramas menos ligeras. El problema es que, en un determinado momento, el director cambia de tono para adentrarse en un drama en toda regla. No estoy en contra de que una película combine géneros, en absoluto, el problema es que en este caso hay un cambio de registro que confunde al espectador, hasta el punto de no quedar muy claro qué es lo que el director pretendía. Una película entretenida, bien interpretada, que invita a reflexionar sobre muchas cosas, pero que sin embargo deja un sabor de boca agridulce y una extraña sensación de despiste.

Una película que da buen rollito, como la música que escucha el protagonista, pero que tampoco ofrece mucho más. El argumento es simple y es fácil que cualquier espectador se sienta identificado con alguno de los pasajes de la historia. “Una cita para el verano” muestra los comienzos de una relación entre dos personas que con el tiempo se han convertido en tímidas y solitarias. Los personajes de Seymour Hoffman y Amy Ryan viven esa situación entre el miedo y la ilusión, y en lucha contra sus dudas y complejos. La idea de un maduro conductor de limusinas aprendiendo a nadar para poder conseguir una cita es para mí la más brillante del guión, y las escenas que muestran a los dos amigos en la piscina, con sus trajes de baño, gorros y gafas, de lo más destacable de todo el film. Paralelamente, vivimos el progresivo declive de una pareja que sufre el desgaste que en su relación han provocado diversos incidentes ocurridos a lo largo de años. Y todo ello en el escenario de una ciudad de Nueva York gélida y plomiza.

“Una cita para el verano” es una película sencilla, en la que su desapasionamiento es posiblemente su mayor virtud y también su mayor defecto. Hay películas que sólo provocan entre la gente una honda admiración o un rechazo absoluto. Me cuesta trabajo creer que alguien sienta una cosa u otra con este film. El tono de la historia languidece hasta derivar en un repentino clímax argumental, cuando todos los personajes principales de la historia se reúnen para compartir un momento que deliberadamente han querido convertir en especial. De todos modos, ni siquiera eso rompe las estructuras de la narración, todo se reconduce. Seymour Hoffman, en su primera y desgraciadamente única película como director, se deja llevar por la mentalidad introvertida y poco ambiciosa de sus personajes, y nos ofrece una obra intimista y delicadamente placentera, aunque nada emocionante. Como nadar despacio y relajadamente en una gran piscina…

No es una obra mayor de Wilder porque parte de unas premisas argumentales que suenan hoy anticuadas (quizá los roles masculinos no hayan cambiado mucho, pero los femeninos sí), y porque el humor es más obvio y con menos ironía que en otras películas del director. No obstante, si uno la ve liberado de prejuicios, “La tentación vive arriba” aún es hoy una comedia amena y entretenida. La historia se centra en dos personajes principales, aunque el punto de vista de la narración se ponga únicamente en uno de ellos. Tom Ewell y Marilyn Monroe están lejos de ser mis actores favoritos, pero su relación en la pantalla funciona bien. En especial, la mezcla de explosividad-ingenuidad-candor tan característica de la Monroe tiene aquí un peso específico propio en la narración.

Destaco sobre todo un guión endiablado que deja poca tregua al espectador. Los diálogos, sin ser brillantes, son muy divertidos. Hay muchos gags que han pasado a la Historia a partir del mero relato de los personajes, sin ser presenciados por el espectador (ropa interior en la nevera, dedo del pie atascado en la bañera llena de agua…), con lo que son más literarios que cinematográficos. Otros aparecen como meros sueños o imaginaciones del protagonista, y sin duda no son tan destacables. La célebre escena de las piernas de Marilyn en la salida de aire del metro constituye una idea muy audaz para la época. Hay una clara intención de dar un toque de locura a la narración, y a ello contribuyen unos secundarios que enriquecen una ya de por si colorista película. En fin, una película que en otras manos habría dado pie a un perfecto disparate, es una película meritoria gracias al buen oficio de quienes intervinieron en ella. Wilder utiliza la parodia para criticar a la sociedad burguesa americana de los años 50 (con agudas referencias cinéfilas, literarias, musicales y hasta freudianas). El paso del tiempo ha hecho que ese tono burlón sea si cabe más evidente. Creo que es por eso por lo que, a pesar del anacronismo de su argumento, la película aún funciona.