"The Wall" es probablemente uno de los discos más inaccesibles de la legendaria banda británica Pink Floyd. Adorado y despreciado a partes iguales, "El Muro" supone la cota máxima de grandilocuencia que el líder del grupo Roger Waters alcanzaría en su carrera. En la cumbre del éxito gracias a trabajos tan emblemáticos como "The Dark Side of the Moon", "Wish you were here" o "Animals", Waters estaba en la cresta de la ola y poco menos que se sentía como el genio que en verdad es. Sus aires de grandeza y su encontronazo con un fan al que escupió durante uno de los conciertos de la gira de su último disco, le hicieron reflexionar y acometer la que iba a ser su obra más personal y ambiciosa: y vaya si lo fue (con la aportación, no lo olvidemos, del guitarrista David Gilmour en tres temas claves como son "Young Lust", "Confortably Numb" y "Run like Hell").

El nivel de perfección de este disco roza directamente el ridículo. No sobra ni una sola nota, ni una sola sílaba, ni un solo segundo; el azar es reducido a la mínima expresión en una obra de ingeniería de proporciones verdaderamente abrumadoras. Ante tal complejidad estructural y conceptual, el oyente no puede más que dejarse llevar por el serpenteante y turbio cauce por el que el disco nos conduce a través de la decadencia y los más bajos estratos de la naturaleza humana.

La película de Alan Parker posee la nada desdeñable virtud de reflejar todo el cúmulo de emociones que el disco provoca de manera sobradamente fiel. La concepción visual está completamente a la altura de la majestuosa sonoridad de la música y, sinceramente, no pensé que eso pudiera llegar a pasar. La dirección de Parker en este largo videoclip (porque eso es lo que en el fondo es este "The Wall") pone los pelos como escarpias por su gran complejidad. El número de planos y escenas antológicas se cuentas por docenas; y las sensaciones de desasosiego, incertidumbre y pavor quedan reflejadas de una forma incuestionable.

La historia del disco/película narra la vida de un niño (Pink) que se cría sin padre (toda vez que éste cayó en la 2ª Guerra Mundial) y con una madre un tanto sobreprotectora. La opresión del sistema educativo y su difícil personalidad llevan al joven a crecer en un mundo que le es hostil. No obstante, no será hasta convertirse en una famosa estrella del rock cuando todo su mundo se desplome y le lleve a construir ante sí mismo un muro para protegerse del exterior. Un muro que le aislará y le convertirá poco menos que en un fascista degenerado y una sombra de lo que alguna vez fue...

Nueva interpretación de Cagney y nuevo avasallador despliegue actoral de este gran actor neoyorkino. Lo de este hombre verdaderamente no tiene nombre: ya sea haciendo de despiadado criminal o de buenazo incorruptible, como es el caso que nos ocupa, Cagney tiene esa rara capacidad de comerse la pantalla cada vez que aparece en escena, y ello a pesar de su menudo aspecto. Pero tampoco quiero explayarme comentando las virtudes de este "gran tipo", pues ya lo hizo en otra crítica el compañero "alfie" mejor de lo que yo pudiera hacerlo.

La historia se centra en la figura de Johnny Cave, un hombre leal e incorruptible que se ve al frente del departamento de pesos y medidas cuando su inmediato superior es objeto de un sospechoso "accidente". Desde ese momento, Cave toma una serie de restrictivas medidas de control para evitar el constante fraude que impera en muchos de los locales de la ciudad. Sin embargo, estas medidas no gustarán a la mafia local que desde ese momento intentará tentar a Cave por todos los medios para que varíe el rumbo de su particular política de gestión.

"El gran tipo" es un filme modesto y sin grandes aspiraciones que logra entretener sin demasiada dificultad pero que en ningún caso, bajo mi punto de vista, podríamos considerar como de gran obra.

Creo que no estaría de más comentar que cuando puse "Juego peligroso" en el reproductor de DVD, lo hice con la intención de ver la película homónima de Abel Ferrara, de 1993, protagonizada por Harvey Keitel y Madonna. Pero hete aquí que a los pocos segundos de metraje comienzo a sospechar que algo falla, confirmado definitivamente con la aparición de los títulos de crédito y de los actores principales. "Esta no es la película de Ferrara", me dije. Pero mi vena cinéfaga salió a relucir en ese preciso instante (y especialmente mi vena de vaguería redomada, para qué negarlo) y me dije: "Bueno, estoy tumbado y, dicho sea de paso, bastante a gusto. No tengo ganas de levantarme y de cambiar el DVD, así que démosle una oportunidad y veamos de qué trata"... Y eso es lo que hice. Y al final de la tragué enterita.

"Juego peligroso" es el típico thriller ligero y fácil de digerir que consigue engancharte por su más que correcta realización y su solvente historia. Ésta se centra en el personaje de Gloria Mundy, una bibliotecaria que acaba de divorciarse y que sin saber muy bien cómo se ve inmersa de lleno en un secreto complot que tiene por objetivo cometer un magnicidio de enormes proporciones. Desde ese momento, Gloria será perseguida por toda suerte de individuos de los que logrará escapar con la ayuda de Tony Carlson, el detective encargado de protegerla.

Típica y tópica historia, para qué negarlo, pero del mismo modo creo que no puede negarse la corrección más absoluta de la propuesta. El ritmo narrativo del guión (obra de Colin Higgins, quien también ejerce de director) es envidiable, y la tensión va renovándose continuamente de modo que apenas hay un solo momento para el aburrimiento. Teniendo en cuenta que el filme dura casi dos horas creo que es un punto muy importante a su favor. La dirección de Higgins, sin destacar en ningún momento, es altamente competente.

Épica, monumental, prodigiosa, colosal... Estos son solamente algunos de los múltiples adjetivos de los que los simples mortales podemos valernos para intentar explicar el auténtico desbarre de proporciones bíblicas al que el binomio Woo-Yun Fat nos somete durante los más de 120 minutos de metraje del filme: 182.880 fotogramas impregnados de un saber hacer del que pocos directores pueden hacer gala. Hard-Boiled es una obra capital del cine moderno de acción.

John Woo y Chow Yun-Fat tocaron el techo de sus respectivas filmografías con este filme, y mientras el uno ha perdido parte de su magia en Hollywood, el otro no puede decirse que haya participado en buenos proyectos precisamente. Sin embargo, Tony Leung sí que ha sabido mantenerse en la cresta de la ola, y no es difícil ver su rostro en filmes de prestigiosos directores como Ang Lee, Wong Kar-Wai o Zhang Yimou.

El guión, obra de Barry Wong y Gordon Chan, toma como base una historia del propio Woo. ¿Qué puede decirse de él? Desde luego, carece de la originalidad de los libretos de Charlie Kaufman. En él no encontraremos los elegantes e ingeniosos diálogos de Lubitsch o Wilder. No nos hará reflexionar sobre la vida o la condición humana como hicieran Bergman o Tarkovski. No. Hard-Boiled es un melodrama de acción, típico de su director, pero más atemperado que otros trabajos suyos anteriores, como The Killer o A Better Tomorrow. Nos encontramos ante uno de esos casos en los que el contenido está totalmente supeditado a la forma, al envoltorio. El filme posee un poderío visual avasallador, si bien no se puede dejar de reseñar en la trama algunos de los temas más habituales del director hongkonés. El honor y la amistad están presentes a lo largo de toda la cinta, en lo que es sin duda uno de los rasgos más característicos del director desde que trabajara en los años '70 como ayudante para la mítica Shaw Brothers.

Estamos pues, como se ha dicho, ante una película fundamentalmente visual, un violento y a la vez bello espectáculo pirotécnico que entra por los ojos, por el corazón, y ante el cual la razón poco o nada tiene que argumentar al respecto, salvo situarse en "stand-by" y dejar que el torrente de imágenes penetren directamente hasta lo más profundo de nuestro ser, hasta nuestra parte más visceral, y disfrutar...

En una Hong Kong al borde del colapso, con unos maleantes sin escrúpulos que actúan a sus anchas mientras los policías son incapaces de poner freno a la situación, el inspector Tequila tomará cartas en el asunto y se involucrará personalmente para dar al traste con una peligrosa organización de tráfico de armas.

Película de la RKO dirigida a cuatro manos entre Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack, con guión de James Ashmore Creelman (basado a su vez en un relato de Richard Connell). Clásica cinta de aventuras que posee un buen número de paralelismos y similitudes con "King Kong", obra de uno de los autores de ésta, Ernest B. Schoedsack. Pero no sólo repetirá el maestro de ceremonias, también lo harán un buen puñado de actores y una parte importante del equipo técnico.

La historia se centra en la enigmática figura del conde Zaroff, un ruso que tras la revolución bolchevique abandonó su patria y se llevo su fortuna consigo instalándose en una perdida isla del Pacífico. Tras el naufragio de un barco, el cazador Bob Rainsford termina con sus huesos en la isla de Zaroff, donde es recibido con los brazos abiertos por el conde. Sin embargo, éste esconde un oscuro secreto más allá de su aparentemente hospitalaria figura.

Magnífica película de aventuras que cuenta con dos elementos que fueron determinantes para su éxito: una historia llamativa y original, y que ha sido readaptada en multitud de ocasiones desde entonces; y unos actores muy adecuados para sus respectivos papeles, destacando el caso de Leslie Banks haciendo del malvado conde Zaroff.

El tema de la caza y el sinsentido de la misma que se plantea en la obra no debe ser tomado a la ligera. De hecho, los propios directores estaban en contra de la caza como elemento lúdico de la sociedad actual, creencia que les sirvió como motivación para implicarse de manera muy personal en la película.

Y llegados a este punto, me veo obligado a detenerme en la figura de Zaroff. Maravilloso villano, creador de tendencias en el futuro (¿alguien ha dicho Hannibal Lecter?). La interpretación por parte de Leslie Banks es fascinante. Actor que, dicho sea de paso, fue herido durante la Primera Guerra Mundial, quedando paralizada la mitad izquierda de su cara. Este hecho fue aprovechado por los directores para destacar, mediante el encuadre y la iluminación adecuada, la asimetría de su rostro y sus inquietantemente saltones ojos. Si a esto le añadimos una personalidad de lo más compleja, sobre todo teniendo en cuenta los tiempos que corren (1932), logramos generar uno de los grandes villanos de la historia: un personaje inteligente, milimétrico, que racionaliza todas sus acciones; un hombre que, cansado de la vida, decide que lo que de verdad le llena tras haber cazado a todo tipo de presas en todos los lugares del mundo, es dar caza al animal más peligroso: el hombre.