Liv Ullmann adapta la famosa obra teatral de August Strindberg con estricta fidelidad realizando un ejercicio no apto para gustos ligeros.

Ullmann juega con los dos únicos espacios que la obra original relata, mayormente el palacio y puntualmente los alrededores, encerrando a los tres personajes en esa jaula metafórica que Strindberg creaba para realizar su análisis cruel e intenso sobre el ser humano.

Una gran mención merecen los tres intérpretes del filme, realizando los tres un intenso ejercicio que los convierte en la mayor virtud de la cinta; Jessica Chastain se exhibe totalmente en su interpretación de Julia y confirmándose como lo que es, la mejor actriz de la actualidad; el misterioso carácter del personaje de Samantha Morton al cual la propia actriz llega a darle ese punto interesante que el personaje tiene; quizás un poco por debajo se encuentra el papel de Colin Farrell, intenso y entregado pero al que quizás el papel se le queda grande. Destacar sobretodo los primeros flirteos y la explosiva última escena en la cocina.

Un ejercicio intelectual que peca de demasiada altivez y fidelidad a la obra lo cual puede agotar con el paso del metraje ante su cerrada puesta en escena que le dota cierta frialdad al conjunto, lo cual no lo convierte en su mayor virtud.

Una estricta obra que merece verse ante la pura exhibición interpretativa de Jessica Chastain y los seguidores del cine como escenario teatral.

Christopher Nolan, director británico odiado y amado a partes iguales por su pretenciosidad y ambición, nos deja su película más trascendental hasta el momento, con un claro referente (2001 de Kubrick) y con ganas de no dejar indiferente a nadie.

Interstellar ha creado y creará una expectación sin igual en el cine actual gracias a un enorme y ambicioso relato sobre la dimensión humana, su evolución y su futuro; además de la cercanía de temas como el amor, el instinto de supervivencia y la eterna ansia de progreso de la especie.

Una buena manera de remarcar las sensaciones que deja Interstellar se basa en las dos maneras de describir a la humanidad; como individuo (los temas que tenemos en nuestro interior) o como especie (mirar más allá gracias a la ciencia). Estas dos maneras tan dispares al parecer entre ellas, el puro sentimiento interno y la ambición máxima es lo que Nolan realiza en la cinta más asombrosa de este año, sobretodo en lo visual.

Realiza un relato tan grande sobre la humanidad que es difícil poder describirlo con palabras, lo mejor es dejarse acompañar y sorprenderse junto a Matthew McConaughey que es, sin duda, el mejor actor del momento, dejándonos un trabajo profundamente emocional y valiente.

Nolan pone todas las cartas de su talento sobre la mesa y se expone con totalidad a ser elogiado y también criticado duramente. Un profundo viaje reflexivo para cualquier tipo de público (e aquí la diferencia con 2001, mucho más intelectual y filosófica) que llenará plenamente a los eruditos de la ciencia y a los fans de la ciencia ficción que crean que cintas tan profundas como ésta son las que convierten en arte al cine y las que hacen que éste género sea el más estimulante de todos cuando se realiza magistralmente.

El cine vasco se encuentra indudablemente en su mejor momento, tras el gran recibimiento de Loreak el pasado año más su nombramiento como película candidata para representarnos en los Oscar, llega a los cines Amama una obra sobre el conflicto generacional que aporta un atrevimiento formal más evidente.

Asier Altuna relata aquí tradiciones rurales de una familia, su historia simbolizada en los árboles y en la presencia de la Amama, abuela en vasco, como figura representativa del pasado, la memoria y la familia.

Altuna explora la diferencia generacional, la pérdida de la vida rural en los caseríos y la diferente forma de vivir y de pensar de padres a hijos. El conflicto entre padre e hija, es el epicentro central, él un hombre labrado, serio y contenido y la hija, creativa, independiente y sensible; maravillosamente interpretada por Iraia Elias; toda una revelación.

Su punto magnético y surrealista a veces le otorga cierta irregularidad, jugando con simbolismos y un surrealismo de video arte que aunque le otorga carácter, también desfallece su naturalista drama rural sobre la historia de una familia.

La abuela se trata más de un concepto, un símbolo sobre las raíces familiares y un tipo de vida que desaparece cada vez más rápido con la urbanización y progreso de los pueblos y ciudades. Un filme a veces irregular, pero que deja un magnético y naturalista drama familiar que confirma aún más el fantástico momento de forma del cine vasco.

El Crítico Inquilino

Jake Paltrow trajo a la pasada edición de Sitges una de las propuestas más originales en términos de universo sci-fi, en la que en un futuro el bien más preciado y escaso será el agua.

El punto de partida puede remitirnos a Mad Max y aunque tiene puntos similares como la creación de algún personaje excéntrico o la presentación de un mundo desesperado y en sequía que remite al western; Young Ones se mueve en una fuerte y retro mirada a la tecnología robótica futura, primando en elogios la talentosa creación de este mundo.

La película podría haber sido brillante y quizás la mejor del certamen (junto a Jarmusch claro está) si en el desarrollo el filme no acabara entrometiendo y primando la trama de la venganza, más que una necesaria mayor profundidad en los personajes y en el porque de sus acciones y decisiones, lo cual la habría convertido en una magnífica obra y que podría haber profundizado en aspectos intergeneracionales por ejemplo.

Este cambio de rumbo hacia un habitual tema del western deja un sabor agridulce elogiando el original mundo que Paltrow presenta sin estridencias y con pocos recursos además de tonos visuales más que interesantes y estimulantes que habrían maravillado aún más si el guión no se lanzara hacia otros derroteros en su último acto.

El Crítico Inquilino

Uno de los cineastas independientes más prometedores del séptimo arte estadounidense vuelve a las carteleras españolas tras la seca y lírica Joe (2013) buscando por parte de respetuosos distribuidores dignificar la obra de Green, que sólo había llegado a las carteleras nacionales con sus vulgares comedias con James Franco y compañía.

Tras La sombra del actor hace unos meses, esta parece ser la resurrección definitiva de Al Pacino, agrandando solo con su presencia y experiencia interpretativa uno de los trabajos protagonistas más a tener en cuenta de este año. Green solo debe encargarse de poner a Al en cuadro para que este eleve al personaje y al filme a otro nivel.

Igual que en Joe, Gordon Green crea un relato minimalista, de personajes desencantados y oscuros pero a la vez conmovedores, augmentando el amor por el detalle y otorgándole una intensidad romántica que, por motivos argumentales, Joe no contenía siendo un filme más contenido.

Otro notable trabajo y pequeña fábula que firma David Gordon Green rindiéndose a la figura, voz y aura que el gran Al Pacino otorga al solitario protagonista. Genio y figura.