El cine es una disciplina artística que tiene muchas limitaciones; no es lo mismo leer “La rebelión de las masas” de Ortega o “El capital” de Marx, a ver “Braveheart”. Y eso pasa con la totalidad de películas, cojan el film que consideren más profundo –el que cada uno quiera-, pues no le llega probablemente a la epidermis de un libro medio de filosofía de Hume, por no hablar de Kant.

Por eso yo valoro tanto el sentido ilustrado del cine. Sin Ilustración no hay más que barbarie, que es lo que tenemos en las calles en nuestros días. Hoy la progresía reinante, es un grupo de aprovechados, de encumbrados, sin ningún tipo de autoridad moral ni cultural, para vendernos sus panfletos políticos. Y por eso su público son intelectualmente como niños.

No siempre fue igual, la izquierda ha vivido buenos tiempos, con profesionales de una calidad didáctica, pedagógica, política e ideológica que da gusto escucharles, leerles o verles, aunque no se esté siempre de acuerdo con ellos.

Me ocurre eso con el director italiano Gillo Pontecorvo, a mi juicio un genio del cine, y algo más. “La batalla de Argel”, de sobra conocida, es estupenda, como lo fue luego “Operación Ogro”, pero a mí me encanta “Queimada!”, me parece de un nivel de estructura narrativa política, dirigida a una población para la comprensión de un sistema cíclico, de una brillantez insuperable.

En manos de cualquier directorcillo actual, hubiera hecho una cosa más obvia, enfática, sentimental y apologética, en cambio Pontecorvo, convierte el cine político en arte, y viceversa.

Rodada en gran parte en Colombia y producida por Alberto Grimaldi, “Queimada!” no es cine para sensibleros, sino para cabezas pensantes, una joya fílmica muy difícil de admirar sin instrucción. Como dicen los anglosajones, una de las películas under-rated de todos los tiempos.

¿Qué le falta para ser perfecta? Evidentemente más valentía. Podría haber hecho que los colonizadores fueran franceses –pero ellos pagaban la película- o españoles –pero interesaba que en círculos hispanos se comercializara sin problemas-, por lo que el muerto les cayó a los portugueses, nación de poca enjundia para algunos, pero que pierde verosimilitud narrativa, ya que los ingleses jamás hubieran perjudicado a los lusos, pues eran sus mayores aliados. Pero hay que extrapolar, “Queimada!” es una manual de teoría política.

Un acierto que el papel del negro revolucionario no lo hiciera Sidney Poitier, sino un actor amateur, y que decir de Marlon Brando, ya los saben, el más grande. Bestial su nivel, uno de los cinco mejores trabajos de su carrera.

Una de esas obras maestras que casi nadie ha visto. Enhorabuena, sí llegas hasta aquí.

Nota: 8,7.

Creo que nadie en nuestros días puede dudar que los cinco Oscar y siete nominaciones que recibió esta película fueron, como ha pasado otras muchas veces, excesivos. Y más cuando ese año había obras como "La naranja mecánica" "Verano del 42" o "Nicolás y Alejandra". "French Connection" es ante todo una película oportuna, y eso siempre se valora en los premios.

La moda y estética de "Bullit" y "Cowboy de medianoche" había impuesto un tipo de cine policiaco realista y sucio, que tanto crítica y público querían ver. Algo estaba cambiando en el cine de la época, se estaba haciendo más televisivo y nuevos valores surgidos de la pequeña pantalla empezaban a trabajar en la industria del cine. De ahí surge esta película. Para casi todo el equipo que compuso la película esta era su primera o segunda película (guionistas, montadores, fotógrafos, músicos, fotógrafos, director...) también para el actor Roy Schneider e incluso para Gene Hackman, más avezado, era su primer protagonista. Quitando a nuestro Fernando Rey (y eso que no era el actor elegido por Friedkin sino Rabal) el resto eran casi novatos. Y eso se nota en ideas muevas, como zooms, cámara en mano, giros de cámara brutales, y una estética como decía antes un tanto kitsch.

Había nacido el cine de los setenta que marcaría una época para directores como Scorsese por ejemplo. Friedkin se convertiría en el director de moda y rodaría un par de años después su obra maestra "El exorcista".
Por lo tanto con la segunda parte, de otro director televisivo como Frankenheimer, no tiene casi nada que envidiar a esta, pero como lo que se premiaba a la primera era su impacto novedoso en la época - y no tanto su valor artístico- y eso ya había pasado pues no recibió los aplausos.
Película que destaca más que por sus valores cinematográficos por su significado en la evolución de la historia del cine.

Cuando en 1989 moría Sergio Leone, dejaba en proyecto la película “Stalingrado” que estaría basada en un libro de un periodista norteamericano y que pensaba contar con Robert De Niro.
Joseph Vilsmaier, un director alemán que teniendo una filmografía aceptable, nadie le dio oportunidad de hacer ”las Américas”, retomó el proyecto de Leone consiguiendo unos resultados más que aceptables. Vilsmaier se aleja del típico enfoque de guerras de países y opta por las guerras sociales donde el enemigo son los superiores y no los ciudadanos del otro país. Magníficas ambientaciones, buena fotografía y correctas, aunque frías, interpretaciones.
En definitiva una película que bebe del antibelicismo de “Senderos de Gloria” de Kubrick, del narcisismo de los mandos de Peckinpah de “La cruz de hierro”.
Con “Stalingrado” el cine alemán sigue demostrando hacer buenas películas bélicas como ya hizo con “El puente” de Wicki o “El submarino” de Petersen.
Sin lugar a dudas Leone aunque hubiera hecho un trabajo más completo estaría orgulloso de este film.
Película notable.

Debo confesar que cada vez que revisiono “El día más largo” encuentro más cosas que no me gustan e incluso me desagradan tanto de forma como de fondo.

Eso no significa que ponga en cuestión una película que tiene suficientes méritos por sí misma para tener un pequeño hueco en la historia del cine. Pero creo que esa es la cuestión. Estamos ante una obra que tiene en la historiografía del cine una mención pero más por su presupuesto, su manera de ser producida y dirigida, su elenco... pero que es una especie de gran castillo de naipes que si soplas un poco fuerte se puede desmoronar. Es una película endeble.

En términos generales los directores que filman son bastante mediocres y se nota que son meros comparsas de la mano de Darryl F. Zanuck (uno de los más grandes productores de todos los tiempos “La venganza de Frank James, “Tierra de audaces” “Eva al desnudo” “Viva Zapata”...), entonces me pregunto ¿para qué tanto director? Porque parece que Zanuck cayese en el reino de la cantidad, cuanto más mejor, independientemente si es útil, artístico o bueno. Esa especie de bulimia por abarcar y engullir hace que la película pierda algo de esencia y parezca en ocasiones un álbum de cromos.

Precisamente en momentos de actores es cuando la cinta está mejor, y no me refiero a los John Wayne (no le coge el aire al personaje), ni Henry Fonda (desaprovechado), ni Robert Mitchum (el dramatismo que requería Omaha no se corresponde con su forma de ser) sino a Richard Burton que hace el mejor papel sin duda y transmite se aire melancólico y de cierto pesimismo que tenían mucho cientos de miles de hombres en toda Europa y que no suele aparecer en este tipo de cintas bélicas.


La novela de Cornelius Ryan no llega a las 300 hojas, vamos que no es un mamotreto, y eso hace que muchas escenas de la película no aparezcan ni por asomo en el libro. En ese sentido otra novela del mismo autor como “Un puente lejano” sí está más próxima al film.

Mucha gente no termina de aguantar tampoco un sentido del humor muy anglosajón en toda la película que resulta un tanto desagradable y que comparto con ellos porque tiene un aire de “a posteriori”, de que sabes que aquello va a salir bien. Hace que te distancies de la película y que resulte más teatral y menos real.

Aún así sus méritos son muchos, incluso en enseñar cosas que hasta ese momento eran tabú. Por ejemplo es una de las primeras películas donde podemos ver ametrallar a soldados alemanes que se han rendido por parte de soldados aliados.

1. Porque disfrutará de un estratosférico George C. Scott, ganador del Globo de Oro por esta interpretación, el que ha sido uno de los mejores actores norteamericanos de la historia.

2. Porque podrá apreciar el mejor trabajo desde “El exorcista” de un director sin suerte como William Friedkin, que recupera aquí su mejor nivel.

3. Porque sale Jack Lemmon, el hombre por enésima vez bueno, que nos hace ser mejores con el prójimo.

4. Porque comprobará que la televisión, cuando quiere, puede ser no sólo el hermano pobre del cine, sino su alumno aventajado.

5. Porque sale Armin Mueller-Stahl, un señor que nació en un país que ya no existe, pero que siempre existirán en cambio sus personajes, en una filmografía envidiable y formidable.

6. Porque veremos una vez más la historia original de Reginald Rose, un hombre que demostró que el guión es el pilar esencial de todo buen cine.

7. Porque te servirá de excusa para volver a visionar la obra maestra de Sidney Lumet y comparar.

9. Porque homenajea a Descartes y a su duda metódica, y nos demuestra que hay que dudar de los sentidos, de la razón y de la misma duda.

8. Porque nos recuerda que un hombre puede cambiar a los demás de parecer, no venciendo, sino convenciendo.

10. Porque te ayudará infinitamente cuando en tu vida te toque ser jurado sin llegase el caso.

11. Porque durante dos horas no querrás acordarte del teléfono móvil, ni de los políticos, ni de las facturas, ni del jefe, ni siquiera de bajar al estanco; porque estarás más pendiente de la suerte de un chico hispano al que no conoces, al que unos hombres tienen en sus manos.

12 Porque cuando oigas a alguien que critica de forma global los “remakes”, usted pueda decirle que conoce uno y muy bueno.

Nota: 8,3.