Existen casi 40 versiones del Pinocho de Carlo Collodi siendo la más famosa la fábula de Disney de 1940, por eso cuando Matteo Garrone anunció que su próximo proyecto iba a ser una nueva versión era inevitable arquear una ceja. Arquearla tanto por cansancio (otro live action) como por interés, ¿qué tiene Garrone que aportar al mundo tras tantas versiones?

Pues aporta una adaptación mucho más fiel al cuento infantil original, aquí no hay problema en ahorcar al títere en quemarle los pies o lanzarle al mar con una cuerda atada al cuello. Pinocho aprende de la vida siendo engañado, robado, explotado y asesinado. Es un cuento infantil con mucho jugo y aquí Garrone aporta un análisis más profundo de lo que significa la bondad humana en un universo más anclado en el realismo italiano y sobre todo con un apartado visual impresionante.

Basado en las ilustraciones originales de Enrico Mazzanti ha conseguido crear un mundo sucio pero increíblemente bello, sentimentalista y grotesco. Con una puesta en escena barroca y excesiva y un diseño de personajes que son animales antropomórficos digno de admirar en sí mismos. Cada uno de ellos es fascinante, pero el caracol es verdaderamente brillante.

La interpretación jovial de Federico Ielapi como el propio Pinocho y de un Roberto Benigni mucho más comedido en su tristeza como Geppetto aporta un grado de profundidad a la historia paterno/filial.

Y aunque la historia es la que todos conocemos, Garrone deja pequeñas perlas por el camino, ver cómo a Pinocho le crece la nariz es siempre un lujo jovial, pero aquí no lo hace cuando le miente al juez/gorila, como si la mentira y su uso es parte del proceso de crecimiento.

Hay ecos a Frankenstein, ecos a Alicia en el país de las maravillas, ecos al nuevo y antiguo testamento y, por supuesto, al Tale of Tales del propio director.

Pero que nadie se engañe, éste no es un giro oscuro porque sí, la película sigue siendo un cuento infantil. No es edulcorado como Disney pero sigue manteniendo el sello de cine familiar. El que quiera algo macabro y siniestro tendrá que esperar a la versión de Del Toro que se estrena el año que viene.

Este Pinocho es un cuento sobre el crecimiento y sobre “la magia” de educar a un hijo en un mundo extraño, sucio, cruel pero increíblemente bello en su fealdad. Es sobre la “magia” de cómo insuflar vida y personalidad a un niño que parecía un muñeco de pequeño. A cómo las apariencias engañan y la bondad no es únicamente ser bueno, sino también aprender a no dejarse llevar por las mentiras o falsas verdades del resto.
Aunque no les crezca la nariz.

La serie es la vida en un supuesto mercado, y digo supuesto porque lo que vemos no es más que una calle de papel cartón hecha en una guardería pública. Allí una carnicera, un pescadero, un frutero y un bar, nunca puede fallar un bar, intercambian experiencias sobre lo duro que es llegar a fin de mes.

Prepárense para escuchar la palabra crisis unas 20 veces por minuto y un humor basado en palabrotas, golpes, ostias, flatulencias y demás surtido. En un gag humorístico llegué a contar 23 palabrotas.

Vamos que estamos ante un ejemplo claro de humor inteligente, porque es verlo y sentirte extremadamente listo. Además los actores se encargan de recitar los diálogos a toda velocidad como para que parezcan que dicen algo con gracia. Es como las matrimoniadas de marcado carácter teatral y eso que no es ni bueno ni malo, aquí se convierte en lo peor del mundo.

Además la única linea argumental es la misma que siempre sacan en todas y cada una de las series de este hombre, unos peces gordos inmobiliarios quieren comprar el mercado, vamos el autoplagio llevado al extremo.

Ante tal despropósito tenemos una serie de estereotipo tipología moreno. vamos que tenemos:
Un inmigrante,
Un andaluz,
Un gay,
Una soltera independiente,
Un joven guapo,
Una señora mayor,
Una guapa tonta,
Un catalán,
Un fan del atleti,
Un vasco,
Dos gamberrillos,
Y así podía seguir.

Una cosa es hacer una serie para intentar llegar al mayor público posible y otra muy distinta es meter a todo el público dentro de la serie.

Y encima los actores son los que son. Por un lado tenemos a Neus Asensi, que viene a ser lo que queda alrededor de unos morros de silicona.
Vamos, que su talento es inversamente proporcional a la silicona que lleva en el cuerpo.

El otro gran actrizón de la serie es Miriam Diaz Aroca.
Odio a esta mujer.
Yo creo que ella sola está sobreactuada en su vida, así que imagínatela como carnicera…

El resto una colección de tópicos tras otro, de situaciones mil vistas y de chistes sorprendentes, porque te sorprende que cada vez que ves uno malo y crees que no se pueden superar llega otro peor.
No me parece solo lo peor, es que me parece que está a la altura de aquel botones sacarino.

Se ha dicho tanto sobre “El oficial y el espía” la última obra de Roman Polansky (o en su original y menos telenovelesco “J’accuse”) y tan poco a la vez de la película en sí que los titulares lo han englobado lo extra cinematográfico: mujeres abandonando el pabellón tras la victoria de Polanski en los César, Lucrecia Martel no viendo la cinta en público en Venecia pero otorgando el León de oro a su dirección…
Entonces se ha creado un halo en el que casi nadie se atreve a decir que, polémicas aparte, J’accuse es un thriller de estilo clásico que mantiene el suspense, que hace una justicia tremenda al caso real y que contiene grandes interpretaciones y una soberbia dirección. El oficial y el espía es una gran película de investigación histórica sin concesiones.

El argumento gira en torno a un caso real y que sacudió los cimientos de la república francesa a finales del siglo XXI cuando se acusa a un oficial judío, Alfred Dreyfus de traición por espionaje. Entre las personas que echan tierra a su ataúd está el coronel Geroges Picquart que pronto descubre que las pruebas que le filtraron no era tal yque los secretos se siguen filtrando, que ha sido víctima de un engaño que cada vez que remueve saca más y más nombres a un escándalo al que buscaron un chivo espiatorio en el judío de turno.

Es un thriller clásico de espionaje y aquí es donde Polansky demuestra que es un director que por méritos estrictamente cinematográficos merece pasar a la historia del cine. Su forma de crear una ambientación sobria, elegante se basa únicamente en la manera en que coloca la cámara. Logran una tensión e interés constante por querer saber más y eso que la mayor escena de accione la película es alguien comprobando caligrafías. Pero es la manera de narrar con la cámara que te atrapa.

Se le puede acusar de ser una película fría: No lo es. Es una película analítica en la que no se dan concesiones dramáticas o melodramáticas porque no se busca eso. No interesa el drama familiar, o historias de amantes que aparecen muy ligeramente como telón de fondo. El centro de la película es ese laberinto de traiciones y espionaje y no los secundarios o lo que haya alrededor, a menos que aporten luz o información al caso como en Zola, aparecen, aportan información y desaparecen.
En ese estilo se apoya la banda sonora de Alexandre Desplat, nunca trata de subrayar emociones sino de crear ambientes y espacios.

Mención merece el guión del propio Polansky y Robert Harris que adapta su propia novela y que exponen el caso de forma clara para que incluso si no sabes nada del tema (como yo) lo sigas sin problemas pero sin ser adoctrizantet o sin personajes explicando las cosas para parvularios. Hay un gran trabajo en ese guión.

En el centro de todo está Jean Dujardin en una de las mejores interpretaciones del año (y menudo año), Dujardin es un actor que muchos conocimos gracias a la oscarizada The Artist y aquí vuelve a la primera fila tras varias comedias ligeras. Dujardin es un actor cómico, pero no hay nada cómico en su interpretación. Su transformación física, la postura, lo que narra con sus ojos y su manera de hablar da información constantemente y arrastra la película a su ritmo y tono. Está francamente sobresaliente.
Él es el oficial, el espía lo interpreta Louis Garrel, en un papel mucho más secundario pero que lleva con mucho aplomo y dignidad.
La verdad es que todo el reparto está excelente en cada aportación.

En resumen, Polanski se ha marcado una película precisa, concisa, intensa bella y con su propio ritmo interno. Se pueden buscar paralelismo con su caso, con su vida… Pero si nos ceñimos a lo cinematográfico es una película soberbia sobre un caso que yo desconocía al completo y tengo la sensación de saber qué sucedió. Y esa lección histórica me la han dado mientras disfrutaba de cada elemento y estaba entretenido. Casi nada.

Lo mejor: La atmósfera creada
Lo peor: Las escasa concesiones dramáticas para dar oxígeno

Valoración: 8/10

En 1977, Daisy Jones & The six estaban en la cima del mundo. Ahora, décadas después los miembros de la banda van a revelar la verdad de lo que sucedió desde sus arranques hasta sus caídas. Adaptación de la novela de Taylor Jenkins Reid, que ha sido un arrase en ventas y creado legión de seguidores. Ahora llega con la dura papeleta de contentar a todo el mundo y de crear propiamente una banda y un producto que responda a la mente de todo el mundo.

Serie de Amazon Prime, que consta de 10 episodios de los que he podido ver 3 a la hora de esta reseña.

La verdad es que tenían una papeleta complicadísima con la serie por varias razones:

La primera, es un libro de culto. La gente adora la novela. Reconozco no haberla leído pero incluso pasó el filtro de La Mer y me la recomendó personalmente.

El otro es que tienen que crear una banda de música real, no solo dar forma a los personajes y que te intereses por ellos sino crear la música y que sea plausible que funcione, que te creas que cantan bien y que hagan música buena. Aunque todo parece muy basado en la banda “Fletwood Mac”, en realidad Daisy Jones and the Six nunca ha existido.

Por lo que el riesgo es doble, no solo hay que hacer una serie buena a los niveles que estamos acostumbrados, sino también una banda de música. Y yo creo que salvan la papeleta bastante bien.

En el centro tenemos dos actores muy vivos en pantalla, por un lado Sam Claflin, que le conocemos de los Juegos del hambre o la pastelead de me before you y Riley Keough, que además tiene el morbo de ser la nieta de Elvis Presley y podemos ver cantar a la nieta del Rey. Hasta donde he visto me han vendido bien sus papeles. Queda por ver su química y cómo se desarrolla, pero me han convencido en sus personajes, que por otro lado son personas imperfectas.

Agradezco ver personajes que no son perfectos y hacen actos de imbéciles a pesar de que nos importen. Por alguna razón que se me escapa en los últimos años los héroes son héroes y hasta los villanos les hacen que les cojas cariño, hemos dejado de ver personajes principales que de repente la lían o se comportan mal y aprenden de ello. Aquí sí. Y es crucial, son dos personas hasta pelín irritantes que se juntan para hacer arte y hacen que te preocupes por ellos aunque se droguen, se engañen o digan que sus actitudes de gilipollas se deben al Rock & Roll.

La serie tiene un ambiente de glamour distraído, un ambiente del estilo “Casi Famosos” de Cameron Crowe. Es una serie muy placentera de ver, muy bonita en la estética y ese puede ser también su parte negativa porque cuando trata de hacernos sentir los excesos, las drogas y el camino a la perdición es todo aún demasiado ligero, demasiado vainilla para hacernos creer la parte imperfecta de ese sueño. Es como si te compras ahora una camiseta de Joy División, Los Beatles o de Oasis, compras una idea de lo que fueron esos años, de nostalgia, de idealización, de las marcas de la serigrafía perfectas. De un anuncio de la época, pero no te transporta a ese lugar. Eso es lo que me pasa con la serie

El otro problema es que siento que está todo estirado un poquito de más, creo que hay escenas muy largas para encariñarse con ellos (como las conversaciones con la compañera de piso) y otras muy apresuradas como el problema de alcohol del protagonista que se despacha en dos escenas y media.

Quitando estos detalles, creo que es una serie placentera de ver, que se disfruta y que se queda en una zona de confort y nunca trata de ir más allá. Ves un melodrama apacible con buenas canciones y gente guapa.

Hay que tenerlos muy bien puestos para marcarse un trolleo de escala bíblica llevado hasta estas últimas consecuencias como el que se ha marcado Darren Aronofsky con Noé (Noah, 2014) su adaptación “personal” del relato bíblico del arca más famoso del mundo tras el que buscó y encontró Indiana Jones. Y digo esto porque a “Noé” es imposible tomarla en serio, es una de las mayores chuflas y tomaduras de pelo que se ha hecho en tiempo, tanto que me recuerda a cualquier producción de Asylum, a una película chunga del canal Syfy de tiburones que vuelan por los aires o cocodrilos mutados con dinosaurios. “Noé” es épica, pero por el grandísimo cachondeo y chorreo que se pegan a costa de la Biblia.

Me encuentro un poco sin saber dar una valoración de la cinta y esta es la segunda vez que me ocurre con el cine de Darren Aronofsky, me sucedió con “La fuente de la vida” (The fountain, 2006) y me sucede ahora. En aquella fue porque era tan atractiva e hipnótica que a pesar de ser una ida de olla me tuvo fascinado y confundido. Ahora es porque “Noé” es realmente mala y sin embargo me estuve riendo y entretenido durante las dos horas y cuarto (que ya está bien para contarnos una historia que todos sabemos) que dura la cinta, y eso es difícil de lograr, pero no quería que terminara simplemente para descubrir otro momentazo que me hiciera soltar otra carcajada.

Y no lo digo porque sea un ultrarreligioso que me rasgue las vestiduras porque han tocado algo sagrado (eso me da bastante igual), ni porque eso que toca esté bañado de más ciencia ficción (a ver si hacer que una pareja de cada de animales se reúna en un barco para aguantar el apocalipsis no es poca ciencia ficción) sino porque los giros, interpretaciones y situaciones están tan forzadas y de manera tan surrealista que en lugar de la película de un verdadero genio que casi roza la nominación al Oscar con El Cisne Negro y El Luchador, parece Roland Emmerich volviendo a hacer otra de las suyas.



Noé es un descalabro bíblico, un naufragio a escala mundial, un chaparrón del que no se salva ni Dios, un diluvio en el que se ahoga todo el mundo… y podría seguir. Está todo realizado con una factura técnica impecable, una gran banda sonora, unos pelucones de infarto y un vestuario imposible, pero ¿de qué sirve cuando las situaciones están mal resueltas, las interpretaciones rozan el absurdo y el guión parece realizado por unos fumetas hasta arriba de éxtasis?

A su favor está que todo es tan surrealista y malo que hacía tiempo que no me reía así, sus “rizando el rizo” me recordaban a esa joya del humor involuntario que era la serie de “El Barco” y llega un punto en que hasta no me hubiese sorprendido que al final todo fuese un sueño de Antonio Resines.

Noé es ridícula hasta el extremo, es imposible tomarla en serio y como comedia involuntaria es ideal para una tarde con los amigos de risas y cachondeo. Ahora bien, como la película magnífica que podía haber sido dados los medios, el elenco y sobre todo su director, Noé es un fracaso artístico de primer orden del que le costará redimirse.


Lo mejor: Que me lo pasé como un enano riéndome sin parar
Lo peor: es una tomadura de pelo

Valoración: 2/10 por las risas más que nada