Posiblemente, (junto al "El Resplandor") la película de mi infancia que mas impacto me ha causado y que forma parte de uno de mis géneros favoritos, (o subgénero) el futurista-catastrófico, que, precisamente, supo mantener tan en forma a Heston en el otoño de su carrera, es admirable como este actor (que me resulta mas bien antipático) supo reciclarse y hacer grandes pelis como esta o "El Planeta de los Simios", encajando como un guante en estos personajes.

El trabajo de Richard Fleisher tras la cámara resulta algo plano y rutinario, es su mensaje desesperanzador, (magníficamente homenajeado en las grandes biblias de nuestra generación, Los Simpsons pero sobre todo Futurama) lo que la mantiene fresca y vigente a pesar de sus evidentes "defectos" formales propios de la serie "b" de lo 70, aunque, por otro lado, esa magia es impagable e irrepetible, por mucho dinero que se quiera invertir en el cine actual.


Mensajes Ecólogicos aparte, (no se hace demasiado hincapié en este tema, aún siendo este el eje de la película, y la verdad que es de agradecer) el Film sirve de homenaje póstumo a uno de los grades actores de todos los tiempos, Edward G. Robinson, estupendo personaje para su despedida. Muchos quisieran un adiós tan sentido pero sobre todo tan recordable.

La evolución del francés Quentin Dupieux, en el marco de su particular estilo personal, encontró en sus dos títulos más recientes, 'Deerskin' (2019), y 'Mandibules' (2020), un punto de encuentro menos enrevesado, que pese a que no renunciaba a su particular discurso, si profesaba un corte más cercano y accesible para el gran público, que sus primeros trabajos como realizador.

Teniendo en cuenta que 2021 quedó como un año en blanco, seguramente por los efectos del dichoso Covid, a Dupieux no le ha temblado la agenda este año para estrenar dos películas, la cinta que nos ocupa, y 'Fumar Provoca Tos', con las que ha obtenido el premio ex aequo a mejor guión en el reciente Festival de Sitges.

Precisamente, si algo distingue al cine del realizador galo, es la originalidad de sus planteamientos, algo que 'Increíble pero Cierto' mantiene, presentando la historia de una pareja que se muda a su nueva casa en las afueras, tras haber descubierto, a través del agente inmobiliario, el particular secreto que se esconde el sótano.

Un trabajo ligero, ajustado al habitual metraje mínimo, a la que hay que reprochar que sus historias paralelas funcionen mejor que su tronco fantástico, lo que hace plantearse al espectador si era necesario abrazar ese componente de irrealidad, cuando la historia podría haber fluido igual, o incluso mejor, teniendo en cuenta lo reiterativo de algunos diálogos iniciales.

Por suerte, la parte final, que incluso se muestra sin diálogos en su mejor momento, explota con mayor habilidad, y al ritmo de J. S. Bach, el sentido del humor que persigue como sátira, con el foco puesto en ese concepto, que define a Dupieux como pertinente cronista, de los aspectos más ridículos de la propia condición humana.

Del reparto, señalar que el realizador recupera a un siempre cumplidor Alain Chabat como protagonista, tras su colaboración en 'Réalité' (2014), pero quien realmente se roba la película desde el plano secundario es Benoît Magimel, con un personaje bastante mejor dibujado.

Finalmente, 'Increíble pero Cierto' baja un poco el listón de sus dos anteriores obras, pero mantiene el nuevo tono de complicidad establecido con el espectador por Mr. Oizo, seudónimo que utiliza Quentin Dupieux en su faceta como productor musical, algo que teniendo en cuenta su mínima pretenciosidad de su cine, deja por ahora intacto ese interés en su trabajo, como particular Enfant terrible de la fantasía surrealista.


- Películas del 32 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga -

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Human Lost presenta como ambientación un futuro no muy lejano e ideal, en el que mediante el avance repentino en cuatro tecnologías del campo de la salud, la humanidad ha alcanzado el sueño de una inmortalidad casi real, llegando incluso a poder traer desde la muerte a todo aquel conectado a una red llamada SHELL, que monitoriza en todo momento (y lugar) las constantes vitales de sus miembros, y cuyo peso recae en los hombros de la llamada Segunda Aplicante.

Sin embargo, pronto se demuestra que esta aparente utopía no es tal, ya que la mayor parte de la población ha visto alargada sus vida hasta más allá de sus límites normales, pero quedando sujetos a una existencia de trabajo y contribución hacia una oligarquía dominante, emplazada en una “Zona Interior”, que además por supuesto es la única que disfruta de otras comodidades como aire limpio o mayores lujos. Esta situación, junto a que la gente empieza a tener la sensación de que esa citada inmortalidad es más una condena a trabajo forzado por cuenta ajena de forma perpetua y a la pérdida de su libertad y del derecho a morir con dignidad, es la que ha llevado a aparecer un movimiento disidente que desea una vida menos perfecta pero más en sus términos reales, encabezada por el conocido como Primer Aplicante.

A esto se suma la profetizada (si es que las profecías tienen aún lugar en sociedades hipertecnificadas) llegada de un Tercer Aplicante que, en efecto, es el punto de inflexión en la historia, y que desencadenará los acontecimientos de la trama.

Este planteamiento se presenta en tres actos perfectamente delimitados por propia narración a través de unos más que excesivos 110 minutos, siendo el inicio y el desenlace lo más apetecible y animado, con una acción que roza el exceso, pero cayendo en picado en un nudo soporífero, alargado de forma innecesaria y que se pierde en su propio discurso en un intento parecer profundo y sofisticado, llegando a aburrir al espectador hasta el punto de hacerle perder el interés por lo que pueda ocurrir después.

Tampoco ayuda en absoluto que toda la película sea un inmenso déja vú en el que no dejan de sonarnos contínuamente elementos que han sido cogidos de aquí y de allá de obras tan conocidas como Appleseed, Ghost in the Shell y Akira o de otras más menores como Generator Gawl, o que se apoye en personajes que son completos clichés planos típicos del género.

En el apartado técnico es, eso sí, sobresaliente, potente y con recursos, aunando con soltura animación tradicional, cell-shading del más alto nivel (tecnología que a servidor, que la ha visto desde sus toscos comienzos, le fascina como ha sabido evolucionar) con diseños puramente informáticos, hasta el punto de conseguir una perfección impecable... Lo cual acaba siendo el último de sus defectos, pues si bien es perfecta, también resulta impersonal y vacía, y no consigue, a pesar de su espectacularidad, hacer que dejemos de sentir esa contínua sensación de "esto ya lo he visto antes", porque, por desgracia, se parece mucho a cualquier otro anime que no ha sabido darse un toque propio y personal.

En resumen, es una pena que una historia que no dejaba de tener su cierta gracia y de ser un entretenimiento ligero haya optado por añadir peso a su metraje a costa de resultar pesada e incluso aburrida por momentos, intentando compensarlo con sus escenas de acción. A veces más no siempre es mejor.

Escrito por Samuel Béjar Ramirez.



(Películas del 29 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga)

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En la memoria cinéfila, es muy habitual recurrir al mayor fiasco del cine norteamericano de toda su historia, la muy fea pero brillante 'La Puerta del Cielo', un film complejo, agotador, profundamente megalomaníaco por parte de su realizador, un Michael Cimino que siempre arrastrará la etiqueta de haber llevado a la quiebra a la United Artist en 1980, pero que indudablemente, también contiene muchas de las claves, de ese pecado que arrastra América en sus cimientos como nación, supuesta tierra de la libertades, protegida única y exclusivamente bajo el símbolo del dólar.

Con la misma vocación de instruir, sobre la parte más oscura de dichos cimientos, el veterano Martin Scorsese juega con ventaja en el invierno de su carrera, tras haber virado en este nuevo siglo a un estilo bastante más vanguardista, que salvo contadas excepciones, más bien destellos, ya no se mostraba tan compulsivo como en su primera etapa, donde se encuentran la mayoría de sus mejores trabajos, al menos en lo que en autenticidad se refiere.

Basada en el libro de David Grann, escritor, periodista, y celebre redactor en The New Yorker, 'Los asesinos de la luna' está ambientada en los años 20 del Siglo Pasado, cuando tras descubrirse petróleo en las tierras de la tribu Osage, en Oklahoma, comienzan a aparecer cadáveres de nativos, un hecho que obliga a intervenir a un aún joven FBI, el cual apenas llevaba algo más de una década constituido, como departamento federal de justicia y defensa.

Rodada con un ritmo tranquilo, aunque bastante más dinámico de lo esperado, pese a su extensa duración, el film impone ese estilo de calma antes de la tormenta, en un más que palpable espectro tenso, que se adueña in crescendo del relato de una manera apabullante. El último film de Scorsese es ante todo un gran trabajo cinematográfico, en lo que a factores de la producción se refiere, es una obra más allá de la madurez, porque para eso ya tuvo 'Silencio' (2016), y la más reciente 'El Irlandés' (2019) como banco de pruebas, y lo es no solo en lo narrativo, también en la necesaria parte técnica, donde nuevamente, y al igual que en aquellas, la inestimable fotografía de Rodrigo Prieto juega un papel fundamental, al igual que el montaje de Thelma Schoonmaker, habitual e indivisible colaboradora del realizador, y pieza clave para que luzca, el última instancia, el enorme talento aplicado sobre la puesta en escena.

Como acontecimiento, el haber juntado por fin a los dos actores fetiche del realizador, tras una larga espera de casi treinta años, algo que ha merecido realmente la pena, 'Los asesinos de la luna' puede presumir de la enorme química que se gastan Robert De Niro y Leonardo DiCaprio, en sus respectivos roles como tío y sobrino, el primero desde ese plano secundario de villano irónico, que tan buenos resultados ha dado siempre en su relación con Scorsese, mientras el protagonismo del segundo, entre lo patético y lo miserable, compone un trabajo tan atípico como celebrado para el actor, que sin duda debe buscar nuevas vías que pongan a prueba su capacidad interpretativa.

Completan el reparto buenos actores de reparto, como el veterano John Lithgow, o Jesse Plemons, así como un felizmente recuperado Brendan Fraser, dentro de un elenco plagado de verdaderos integrantes Osage, a los cuales se agradece su inestimable participación al final de la cinta, al tiempo que descubrimos a Lily Gladstone, genuina y autóctona nativa americana, dando la replica con enorme solvencia y naturalidad a De Niro y DiCaprio, exteriorizando el sufrimiento por un genocidio, que según propias palabras, tuvo tiempo de interiorizar durante años, cuando fue consciente de los hechos.

Finalmente, Martin Scorsese abre su propia puerta del cielo, para desatar el infierno vivido por la nación Osage, lo hace con el máximo respeto, pero también con ese reconocible estilo criminal, que vuelve a poner al capitalismo feroz, como uno de los grandes males acontecidos desde principios del Siglo XX, algo que también la acerca a otra de las grandes obras maestras del cine moderno, la insuperable 'Pozos de Ambición', de Paul Thomas Anderson, en ese punto donde los grandes realizadores se citan, cada uno con su estilo particular, para debatir sobre asuntos tan relevantes como el exceso de poder, la codicia, o la corrupción, mientras trazan el camino del séptimo de los artes con una serie de títulos, llamados a ser los clásicos norteamericanos de referencia en un futuro no tan lejano.

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Belle (2021) es la última producción del estudio Chizu en colaboración con el director Mamoru Hosoda, autor de pequeñas maravillas como El chico y la bestia (2015) o Los niños lobo (2012), en las que también colaboró con el citado estudio, o la Chica que saltaba a través del tiempo (2009). Cuenta con una duración de 122 minutos y alterna entre animación tradicional y un refinadísimo cel shading por ordenador.

La trama de la cinta nos presenta la existencia de una aplicación informática que mediante un algoritmo de naturaleza cuasimágica, es capaz de trasladar los parámetros biométricos de sus usuarios a avatares que los representarán en un inmenso y colorido mundo virtual, una suerte de “Second Life” magnificado en el que uno puede ser cualquier cosa que desee. Esta red social y lúdica es omnipresente e influye enormemente en la sociedad, hasta el punto de convertir en estrellas mundiales a sus figuras más destacadas.

En ella entra Suzu, una triste y anodina chica adolescente de una pequeña ciudad de Japón que arrastra un grave trauma infantil, que descubrirá que en este nuevo mundo dejará de verse coartada por su timidez para retomar su afición a cantar, convirtiéndola en su nueva y adorada diva bajo el nombre de Belle. La aparición de un turbulento avatar conocido tan sólo como “La Bestia” atraerá irresistiblemente a la chica, cerrando un circulo que plantea una nueva versión cibernáutica del viejo cuento de la Bella y la Bestia, mientras la chica lidia en su día a día real con las frustraciones e inseguridades habituales de la edad adolescente.

Técnicamente apabullante, con una poderosa partitura (a cargo de Taisei Iwasaki) y un uso de la canción y la música que justifica su visionado en pantalla grande, Belle deslumbra por una realización y cuidado sobresalientes, un espectáculo visual y sonoro que la coloca como firme candidata a futuros premios (mirando a los Óscars), especialmente en aquellos momentos en que representa al mundo virtual de U, siendo (como es lógico) más discreta su representación del mundo real, menos colorido y fantástico.

Sin embargo, a nivel argumental queda un escalón por debajo de sus predecesoras en cuanto a profundidad y desarrollo. Encarada a un público evidentemente adolescente, Belle trata de representar las vicisitudes que se viven durante esa época tumultuosa e insegura de la vida donde nuestra identidad busca referente, aceptación y amor correspondido, llegando a caer en la excesiva ñoñería por momentos y recordando demasiado a lo que podría describirse como un Crepúsculo pasado por un filtro de Instagram.

La gracia de las últimas obras de Hosoda consiste en que siempre logra plantear una cuestión más profunda que la que parece presentar en su premisa inicial, contando con unos giros de guión que hacen cambiar por completo la dinámica del argumento y donde conviven la espectacularidad con la reflexión.

Sin embargo, en Belle este giro falla en cuanto a redondez, y si bien plantea una crítica evidente a la existencia de una red que en lugar de servir como punto de reunión, ha sido retorcida hasta ser convertida en una plataforma donde lanzar una crítica cruel escudada en una falsa identidad, falla en el resto de su mensaje, resultando en que las partes virtuales no encajen bien y saquen continuamente del ritmo de la trama, y logrando que su cambio de tercio resulte abrupto hasta el punto de no poder compaginarse con el resto del conjunto.

Pese a todo, el conjunto hace que Belle sea lo bastante espectacular, simpática y agradable musicalmente como para que merezca mucho la pena su visionado, aunque los espectadores más adultos no encontrarán en su historia nada que les sorprenda.

Escrito por Samuel Béjar Ramirez.


[Películas del 31 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga]

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